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sábado, 18 de noviembre de 2017

Una pareja contra la corriente

Por muchos años la musa y modelo de Lev Tchistosky fue su propia esposa.


Tengo especial simpatía por estos artistas que son matrimonio "para toda una vida". Tanto Lev Tchistovsky como Irene Klestova no se obnubilaron por los cambios artísticos de comienzo de siglo XX, se mantuvieron fieles a la academia. Tienen algo de anacrónico, es cierto. Pero hoy por hoy, esa tozuda permanencia en la belleza es lo que llama la atención y marca la diferencia.

Lev Tchistovsky

Lev Tchistovsky nació en 1902 en Pskov, Rusia y murió en Cenevieres, Francia en 1969. Dejó un incalculable legado en sus obras. Fue un pintor figurativo, centrado en temas pictóricos de desnudos.


Fue laureado en 1924 de la Academia de Bellas Artes de Leningrado con Savinsky y Eberling como sus profesores, luego, el 1925, abandonó la Unión Soviética, para irse a estudiar durante dos años en la Academia de Bellas Artes en Roma, donde conoció a Irene Klestova que también estaba estudiando allí. Ella se convirtió en su esposa hasta los últimos días de su vida.  Tchistovsky se mantuvo fuera de todas las corrientes pictóricas que aparecen en los años 20 siendo fiel al realismo clásico que por aquella época estaba en decadencia.



El historiador de arte Lukomski lo llamó una “auténtica resistencia de la pintura clásica”. Su obra y en especial sus desnudos pintados en acuarela de grandes formatos alcanzan una notable perfección técnica. Sus obras incluyen retratos de celebridades, desnudos, naturalezas muertas, escenas mitológicas, flores e iconos, estos últimos siendo su pasión. Para pintar las flores se inspiraba es su propio jardín y un invernadero donde plantó y cultivó orquídeas en su residencia de verano en Cenevieres en el sur de Francia.

Fue un eximio acuarelista. Murió en 1969.









Irene Klestova


Irene Klestova (1908-1989) nació en Saratov-Rusia, luego la familia del artista se mudó a Moscú. Aquí, en el estudio del famoso pintor paisajista Theodore Rerberg, Irene comenzó su educación artística. En 1925 ingresó en la Academia de Artes de Roma. En el mismo período, Irina conoció a su futuro esposo, el pintor Lev Tchistovsky. Klestova logró mantener una pintura académica muy nítida y que giró en torno a la flora. En 1926, la pareja se instaló en París, en el barrio de Montparnasse. Fueron amigos de André Breton y Tamara de Lempicka.
Su esposo también pintaba flores, pero nunca alcanzó el nivel de Irene.








viernes, 17 de noviembre de 2017

Dos escultoras, una época y muchos prejuicios

Lola Mora trabajando en arcilla, en su taller con un modelo.


Hoy se conmemora el Día del Escultor en Argentina, en homenaje a la escultora más famosa de este país: Lola Mora, nacida un 17 de noviembre de 1866.
Tanto la argentina como la chilena Rebeca Matte Bello (1875-1929) compartieron una época signada por los prejuicios. Aunque las dos vivieron en Italia, no existen documentos que certifiquen que se conocieran, pero ambas representan una misma lucha: la de la mujer abriendo paso en un mundo de hombres.



LOLA MORA


Lola Mora fue una artista que se destacó en espacios generalmente vedados a las mujeres de su época y fue la escultora argentina más halagada y discutida de los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX. 
Su obra más conocida es la "Fuente de las Nereidas", denominada popularmente como Fuente de Lola Mora, un conjunto escultórico de mármol de Carrara que se inauguró el 21 de mayo de 1903.​
Entre los homenajes que ha recibido se encuentra la institución del 17 de noviembre, fecha de su natalicio, como Día Nacional del Escultor realizado por el Congreso de la Nación Argentina y la creación en 1998 de los Premios Lola Mora, con el propósito que "rompa con los estereotipos de género, promueva la igualdad de oportunidades y los derechos de las mujeres".

jueves, 16 de noviembre de 2017

Osamu Obi: El paso a paso en una de sus pinturas



Osamu Obi es un artista japonés que posee un exquisita factura. Publicó en una red social el proceso de creación de una de sus pinturas. Muy interesante y sorprendente, a la vez.


La obra será exhibida en el Museo Hoki durante tres años. "Si vienes a Japón -dice el artista en su facebook- ven a visitar el Museo Hoki. Allí se pueden ver muchas pinturas de realismo de artistas japoneses". Algún día iremos.

Museo Hoki


martes, 7 de noviembre de 2017

La influencia de los prerrafaelistas: Lawrence Alma Tadema

Under the roof of blue Ionian weather (1901)

Lawrence Alma-Tadema (1836-1912), fue un pintor neerlandés neoclasicista de la época victoriana, formado en Bélgica y afincado en Inglaterra desde 1870. Es conocido por sus suntuosos cuadros inspirados en el mundo antiguo.
Su relación con los prerrafaelistas es evidente al comprobar la temática de su obra, su amor por la naturaleza femenina y la exquisita factura de cada una de sus pinturas.


El artista

Nacido en Dronryp, pueblo frisón del municipio de Menameradiel, era hijo del notario Pieter Tadema, quien murió cuando Lawrence tenía solo cuatro años. Alma era el nombre de su padrino. Su madre (muerta en 1863) era la segunda esposa de su padre.
En principio, Lawrence tenía que seguir los pasos de su padre, pero al final se decantó por el arte y lo enviaron a Amberes donde en 1852 ingresó en la Academia de Egide Charles Gustave Wappers. Después estuvo en el taller de Jan August Hendrik Leys.
En 1859 ayudó a Leys en sus últimos frescos en el recibidor del ayuntamiento en Amberes. Es la exposición de la colección de Alma-Tadema en la Grosvenor Gallery de Londres en invierno 1882-1883, había dos cuadros suyos que marcan el inicio y fin de este primer período, dos autorretratos de 1852, y "Regateo", con Alma-Tadema pintado en 1860.

lunes, 6 de noviembre de 2017

Se puede vivir sola y bien en 20 ilustraciones



El ilustrador Yaoyao Ma Van As, ha tenido una interesante idea y ha creado una galería de imágenes tratando de reflejar en ellas lo que es vivir sola y las ventajas que esto implica. La finalidad es comprender la  magia de hacer lo que se nos antoje en cuanto a la libertad sin preocuparnos por nada ni por nadie.


Las personas somos seres que nos podemos adaptar a todo aunque en un principio nos cueste trabajo. Todo por primera vez causa miedo o sentimos cierta prevención, pero definitivamente somos seres que podemos tomar diferentes posturas frente a la vida, todo es cuestión de tener esa disposición y tomar el riesgo.
Algo que a muchos nos aterra es la soledad, deseamos sentirnos acompañados. Sin embargo es bueno tener nuestro propio espacio aunque sea por un tiempo, y averiguar si definitivamente vivir solo es tan difícil como muchos lo creen. (Mentes curiosas)



miércoles, 1 de noviembre de 2017

Patrimonio del MNBA: "Regreso de la pesca en Boulogne", de Jules Adler


Jules Adler ( Luxeuil-les-Bains , 8 de julio de 1865 - Nogent-sur-Marne , 11 de junio de 1952) fue un pintor francés, llamado «le peintre des hummes» por Louis Vauxcelles , pintor del trabajo, las huelgas y los trabajadores.

web 
Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina

Comentario sobreRetour de la pêche à Boulogne 

Jules Adler fue conocido como “el pintor de los humildes” por el protagonismo que los trabajadores tuvieron en toda su pintura enmarcada dentro de la temática social. Retour de la pêche à Boulogne  fue realizada unos meses antes que su emblemática La mobilisation (1) y muestra el momento en que los pescadores vuelven de sus tareas cotidianas. Entre 1910 y 1913 Adler pasó sus veranos sobre las costas del mar del Norte y los trabajadores del principal puerto pesquero de Francia se volvieron sujetos de varias de sus obras. Retour de la pêche  muestra a hombres y mujeres cansados al final de sus faenas: dos de ellos aún no se han quitado las botas de pescar y la mujer de primer plano está vencida por el peso de la cesta que lleva sobre la espalda. Las caras están surcadas por el cansancio y las manos toscas y fuertes de los hombres los constituyen claramente como trabajadores manuales. Dos infantes acompañan la escena: una muchacha que también carga una cesta de pescado y un niño que mira las embarcaciones. Ambos están descalzos.
En ningún sitio del cuadro hay idealización sobre el trabajo que –desde que tienen memoria– vienen realizando estos pescadores. Sin embargo, el colorido del paisaje portuario no contribuye a reforzar la sensación dramática. Toda la parte posterior del cuadro está trabajada con una paleta luminosa que junto a la pincelada dividida logran dar dinamismo y claridad a la obra.
Jules Adler se había formado en París, en la Académie Julian principalmente bajo las órdenes de Tony Robert-Fleury y complementó este aprendizaje con la pintura al natural. En la última década del siglo, comenzó a interesarse por personajes populares encontrando entre los convalecientes, obreros y vendedores humildes a sus principales modelos (2). Con esta temática compuso obras que tuvieron buena acogida y fueron premiadas en sus repetidos envíos al Salón. Son telas de gran tamaño, que funcionan como instantáneas urbanas en las que el artista capta a los trabajadores desplazándose hacia la fábrica, en su noche de fiesta o al marchar en huelga. Retour de la pêche à Boulogne  se enlaza en esta serie. Exhibida por primera vez en el Salón de París de 1914 fue allí adquirida por el abogado e industrial argentino Tomás E. de Estrada.
María Isabel Baldasarre

Notas al pie

1— Inspirada por la guerra, esta tela se centra en la reacción de hombres, mujeres y niños ante un regimiento que parte para el frente. Se encuentra actualmente en el Musée de Belfort.
2— Cf. L. Barbedette, 1938.

Bibliografía

1938. BARBEDETTE, L., Le peintre Jules Adler. Besançon, Séquania, p. 58 y 77.


Otra de sus obras

domingo, 29 de octubre de 2017

La mujer maldita de un pintor maldito: Nicolas-François Octave



Si bien la historia oficial del arte nos sigue mostrando lo que a ella le gusta y conviene, con la llegada de Internet hemos tenido la oportunidad de conocer a grandes artistas. Nicolas-François Octave Tassaert (1800- 1874) es uno de ellos. Fue un pintor, grabador e ilustrador francés.


La Femme Damnee, 1859

¿Hacen falta tres hombres para seducir a Venus?

Este pintor es conocido más que nada por una obra que realizó en 1859: "La Femme Damnee", una pintura erótica tirando a porno y que muestra (según dicen) el lado celestial del éxtasis.
Generó un gran escándalo y marcó el inicio de su declive. 
Después de pintar a esta mujer levitando y que recibe sexo oral de algunos ángeles celestiales no volvería a exponer. Su última presentación fue en el Salón de 1857.
Además de obras que representaban la vida de los pobres, las familias infelices, madres y niños moribundos o enfermos abandonados de la década de 1850, el pintor y escultor también fue autor de trabajos que retrataban el acto carnal, la tentación, el placer sexual y el pecado de la lujuria.