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miércoles, 31 de diciembre de 2014

La fascinación de Egipto en la música popular



Desde Michael Jackson hasta Katy Perry (lo más visto en Youtube en 2014), Egipto sigue marcando la agenda creativa de los artistas de música popular. Existe un gran parecido en el argumento de los dos videos.


Video de "Remember The Time"

"Remember the Time" —en español: "Recuerdas aquel momento"— es una canción interpretada por el cantante estadounidense Michael Jackson. Lanzado como el segundo sencillo de su álbum de 1991, Dangerous, la canción fue un intento acertado por Jackson al crear una mezcla de New jack swing y R&B junto con su co-productor Teddy Riley. El sencillo alcanzó el puesto Nº 3 del Billboard Hot 100 y el Nº 1 del Billboard's R&B Singles. En 1993, Jackson brindó una memorable actuación de la canción en el Soul Train Awards, sentado en una silla y confirmando que sufrió una lesión mientras se encontraba ensayando. En dicha ceremonia obtuvo 3 premios, incluyendo mejor cantante masculino del año por Remember the Time, así como mejor álbum R&B para Dangerous. La canción fue originalmente asignada como parte del Dangerous World Tour y fue ensayada antes de que el tour empezara pero finalmente se descartó.

lunes, 29 de diciembre de 2014

El desnudo: cuando el cuerpo se convierte en una obra de arte

"Desnudo" de Annemarie Heinrich.


La publicación de un libro con fotos inéditas de Annemarie Heinrich y una muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina) coinciden con exposiciones en el mundo dedicadas a la figura humana.


Por Natalia Blanc | LA NACION

La luz que entra por la ventana ilumina el cuerpo tendido, casi en penumbras, y juega con la sombra que proyecta una cortina tejida. Sobre la piel de la modelo se dibujan formas cuadriculadas que resaltan la figura femenina en claroscuro. No hay rostro a la vista. El foco está en el torso desnudo. 
La imagen integra el libro Annemarie Heinrich. Desnudos, que llegará a las librerías los últimos días del año, publicado por La Azotea Editorial. Es una de las treinta y cinco fotografías en blanco y negro, la mayoría inéditas, tomadas por Heinrich entre 1934 y 1948. Con la publicación de este volumen de colección, el sello creado y dirigido por Sara Facio rinde homenaje a la célebre fotógrafa nacida en Alemania en 1912, que en 1930 abrió su primer estudio en Buenos Aires. Conocida como una destacada retratista especializada en figuras del espectáculo, Heinrich se dedicó también al estudio del desnudo en la fotografía. El libro, que surgió a partir de un proyecto presentado por Alicia y Ricardo Sanguinetti, hijos de la fotógrafa, dialoga con la muestra La Seducción Fatal. Imaginarios Eróticos del siglo XIX, que se exhibe en el Museo Nacional de Bellas Artes hasta el 15 de marzo.

domingo, 28 de diciembre de 2014

Sobre Marck Rothko, el misticismo y los fraudes




Dueño de una voz personalísima y una lucidez poco frecuente, el escritor Antonio Muñoz Molina, su reveladora y aguda visión sobre la problemática artística del presente:



Muñoz Molina, Rothko y los fraudes colosales


“Habrá (entre los científicos) un cierto número de fatuos, como en todas partes, pero la obligación y la costumbre de permanecer atentos a la experiencia de lo real, de someter cada intuición, cada hipótesis, al escrutinio de sus colegas, les impide perderse en las fantasmagorías narcisistas o el puro humo verbal que lo aburre a uno a los veinte minutos de encontrarse en una reunión de eso que ahora se engloba bajo el nombre de artistas. 

Mark Rothko

viernes, 26 de diciembre de 2014

Lo mejor de Resistencia Realista Colombia

Léon-Augustin Lhermitte (1844-1925)


Un notable trabajo está realizando Resistencia Realista Colombia. Siempre -y regularmente- publicando maravillosas pinturas de artistas del siglo XX que no conocíamos porque nunca aparecieron en los libros de historia del arte. Esos que fueron opacados e ignorados por el torbellino que generó el arte moderno.








jueves, 25 de diciembre de 2014

El largo camino del erotismo

"La Venus de Willerdorf" es una estatuilla antropomorfa femenina de entre 20.000 y 22.000 años a.C. Fue hallada en un yacimiento paleolítico cerca de Willendorf (Austria), a la orilla del Danubio, en 1908 por el arqueólogo austriaco Josef Szombathy. Es la más conocida de las venus paleolíticas. Éstas son figuras de mujeres de cabeza sin rostro y con una fuerte exageración en el tamaño del vientre, los senos y las piernas, las cuales son obesas. 

Historia. Una muestra investiga los cambios que atravesó en la Buenos Aires del siglo XIX la representación del cuerpo femenino en la pintura.

Por Julia Villaró (Revista Ñ)


El arte está lleno de cuerpos desnudos. Desde el “Discóbolo” de Mirón hasta el “David” de Miguel Angel, pasando por incontables Evas, Adanes, Jerónimos, Europas, Proserpinas; Susanas y Salomés bailando para conseguir la cabeza de un hombre o contemplándose en actitud provocadora. El arte está lleno de esos cuerpos desnudos: durante siglos los artistas –y sus comitentes– han debido perfumar de historias bíblicas y míticas esta necesidad de imágenes, para cumplir con las reglas del decoro y eventualmente no morir en la hoguera o en la condena e indiferencia de críticos, colegas y clientes. Pero hacia el siglo XIX –con el asentamiento definitivo de la burguesía– cambian los cuerpos y los deseos; cambian las relaciones de género y cambia entonces también la imaginería erótica para adaptarse a este nuevo consumo. Un consumo cada vez menos subrepticio, unas obras cada vez más polémicas, con figuras femeninas emancipadas de la Iglesia y la Grecia antigua que pasan del desnudo desposeído a la seducción de la femme fatale. Ese pasaje es el que busca reconstruir la muestra La seducción fatal, imaginario erótico del siglo XIX en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Lo mejor de 2014

Se termina el año y el balance es positivo. Los antiguos amigos de Resistencia Realista ahora nos han reencontrado en este blog y siempre están acompañandonos en lo que creemos han sido, son y volverán a ser las artes plásticas. 
Sin embargo, muchos de los que están en la vereda del frente se han sentido ofendido por el fuego de nuestra artillería realista. Todos somos unos apasionados del arte y en esa pasión muchas veces se nos cae una palabra de más... Y en el fragor de la lucha, no siempre tenemos razón.


Por Rubén Reveco
Licenciado en Artes Plásticas


En esta fecha, ofrecemos un resumen de los conceptos más relevantes del año que se va. Es para refrescarnos la memoria y reiterar que por más talento que tengan los artistas, también deben saber defender lo que hacen.
Si no pasa que cualquiera se la cree; que puede ser artista y lo peor, afirmar que lo que hace es importante.


martes, 23 de diciembre de 2014

Las pinturas más hermosas de la Virgen y el Niño de Bouguereau




Este fue un pintor tan amado como odiado en el siglo XIX . Condenado durante años como el enemigo de todas las ideas progresistas, recuperó en el último tercio del siglo XX cierto prestigio, respaldado por la edición lujosa de su obra, Internet y los altos precios alcanzados en las subastas.
Pintó muchos temas. Para esta ocasión hemos seleccionado lo mejor de su obra religiosa, preferentemente relacionada con la Virgen y el Niño.

William Adolphe Bouguereau  (1825–1905) fue un retratista de tipo fotográfico, hermosas obras religiosas y desnudos tímidamente eróticos. 
Bouguereau es un perfecto prototipo del dominio de las técnicas pictóricas academicistas. Pintor de indudables dotes e influencia social, fue uno de los más hábiles artistas de su época a la hora de pintar lo que el burgués quería mirar: mujeres hermosas, tiernas adolescentes, niñas pobres encantadoras y muy limpias.
Beligerante en un comienzo y soberbio desde sus primeros éxitos oficiales —según relatan sus biógrafos—, Bouguereau fue un enemigo temible y despiadado con todo aquel que no viese y reconociese su esfuerzo artístico. 



Las 7 pinturas más bellas de la Virgen y el Niño

"La Virgen y el Niño", de Bartolomé Esteban Murillo. Museo de Bellas Artes Santiago de Chile.

El arte de la pintura ha contribuido de modo importantísimo a la difusión de los misterios bíblicos. Por siglos, la mayoría de los devotos analfabetos encontraron en las imágenes religiosas una forma de conocer la historia de Jesús.


Por Rubén Reveco
Licenciado en Artes Plásticas

Las imágenes que generan la religión, el mito y todo tipo de creencia espiritual han ocupado gran parte del quehacer artístico. Desde épocas prehistóricas el hombre pintó diversas figuras en un afán de transfigurar sus anhelos, deseos, temores y sueños.
Pueblos de Oriente y Occidente recurrieron a sus artistas para que realicen magníficas obras de arte. Es así como, por ejemplo, Osiris, dios egipcio, Afrodita, diosa de la belleza, Marte, dios romano de la guerra, han llegado a nosotros como un testimonio poderosísimo de la mancomunada acción entre arte y fe.
¿Qué ha significado para cientos de artistas de todas las épocas la llegada del Hijo de Dios? La Natividad es un tema de profundo recogimiento espiritual. Y en ese marco nos preguntamos cómo muestra el pintor ese momento.
La infancia de Cristo es fecunda en símbolos. La representación no necesariamente debe ser una “cosa” pastoral, dulzona y rebosante de ternura maternal, ya que el que nace no es un hombre común y corriente, sino Dios hecho hombre; es una situación paranormal. Pintar al hijo de Dios no es un pretexto para manifestar sólo dulzura y belleza física, ya que Dios no tiene porqué ser hermoso, a imagen y semejanza de un ideal humano; y relacionar, así, belleza con bondad y sabiduría.

lunes, 22 de diciembre de 2014

Yayoi Kusama, ¿la nueva Van Gogh?


Si el éxito en arte está relacionado con la locura, entonces la fascinación tiene mucho que ver con la morbosidad. Casi todo lo escrito sobre esta artista japonesa hace mención a su problema de tipo mental y que desde 1973 está internada en un hospital psiquiátrico. ¿Esta triste situación le confiere un valor adicional a su obra?


Esto me recuerda inevitablemente a lo vivido por Van Gogh. Sólo que en el caso de nuestro querido Vincent las artes plásticas no eran aun degradadas por el mercantilismo obsceno del siglo XXI. 
Lo que se menciona muy poco es que Van Gogh no pintaba cuando tenía sus crisis, sólo lo hacía cuando se sentía bien o recuperado. Armonía, equilibrio compositivo, unidad cromática son sólo algunos componentes de la pintura a través de la historia y todos estos elementos -tan propios del arte- están presente en la obra de Vincent van Gogh. Ninguna de sus pinturas es el resultado de la esquizofrenia o de un ataque de epilepsia. La locura no produce arte; el artista sí.

jueves, 18 de diciembre de 2014

Howard Terpning: el arte de la tierra


Howard Terpning (5 de noviembre 1927) es un pintor e ilustrador norteamericano muy conocido por sus pinturas de los pueblos originarios de los Estados Unidos.


Howard Terpning nació en Oak Park, Illinois. Su madre era una decoradora de interiores y su padre trabajaba para el ferrocarril. Se crió en el Medio Oeste de Iowa, Missouri y Texas, así como Illinois. De niño le gustaba dibujar y a los siete años supo que quería ser artista. A los 15 años quedó fascinado con los americanos nativos del Oeste. Cuando cumplió 17 años, se alistó en la Infantería de Marina y sirvió desde 1945 hasta 1946.
Después de salir de la Infantería de Marina se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Chicago en su programa de arte comercial. Para avanzar en su estudio asistió a la Academia Americana de Arte de Chicago durante seis meses, donde perfeccionó sus habilidades de dibujo y pintura realista.



jueves, 11 de diciembre de 2014

Recordando a Bettie Page



Betty Mae Page (Nashville, Tennessee, 22 de abril de 1923 - Los Ángeles, California, 11 de diciembre de 2008) fue una modelo pin-up estadounidense que se hizo famosa en la década de 1950 por sus fotos fetiches y pin-up. Su aspecto, con su cabello negro y su flequillo, ha influenciado a muchos artistas. Hoy se cumple un nuevo aniversario de su muerte.


Primeros años

Bettie Mae Page fue la segunda de seis hijos nacidos de Walter Roy Page y Edna Mae Pirtle. La familia disponía de escasos recursos económicos teniéndose que mudar con frecuencia y desde pequeña Bettie tuvo que responsabilizarse del cuidado de sus hermanos menores. Su vida fue difícil. Fueron criados en el seno de una comunidad eclesiástica. Tenía el gran atractivo e inteligencia, pero esto resultó ser una bendición solo a medias. Su madre no le tenía cariño y su padre abusaba de ella.

martes, 9 de diciembre de 2014

El otro grito de Tarzán



Tarzán (en inglés: Tarzan) es un personaje ficticio creado por Edgar Rice Burroughs. Su primera aparición fue en la revista All Story Magazine en octubre de 1912. Adaptado posteriormente como novela y veintitrés secuelas. Existen numerosas versiones para cómics, cine y televisión. 
A continuación ofrecemos un compilado (sin mucho orden) de las imágenes más emblemáticas e ilustraciones "prohibidas" del Rey de los Monos y Jane, su hermosa compañera.





lunes, 8 de diciembre de 2014

"Verano indio", de Milo Manara



Verano Indio es un pre-western, una historia ambientada en el Este americano de inicios del Siglo XVII. A lo largo de las casi 150 páginas vamos descubriendo el pasado de la familia Lewis, el porqué la madre lleva en la cara la marca de Lilith, la historia de los hermanos que acaban en situaciones de persistente falsedad. Verano Indio es una acumulación de ingredientes típicos del género: soldados, colonos, un fuerte e indios, mezclados con la picaresca ideológica de Hugo Pratt y los trazos provocativos del acostumbrado recurso erótico de Milo Manara.

martes, 2 de diciembre de 2014

Sade, 200 años de erotismo

 

 

Hoy, 2 de diciembre, se cumplen 200 años de la muerte de el Marqués de Sade.
Es uno de los personajes más entrañables de la literatura francesa, mundialmente conocido por las novelas "Justine", "Los infortunios de la virtud" y "Las 120 días de Sodoma". La palabra “sádico”, refiriéndose a la persona quien recibe placer al inducir dolor físico o psicológico a otro ser vivo, tiene una referencia lingüística ligada a él, y mientras su obra permanece en la historia como uno de los libros más controversiales de todos los tiempos, la vida de Donatien Alphonse François de Sade, mejor conocido como Marqués de Sade, también fue bastante tumultuosa, marcada por el hedonismo excesivo que caracteriza sus libros.

El Marqués de Sade es uno de los personajes más entrañables de la literatura francesa, mundialmente conocido por las novelas Justine o los infortunios de la virtud y Las 120 jornadas de Sodoma; es considerado una de las personas más perversas de la historia. La palabra “sádico”, refiriéndose a la persona quien recibe placer al inducir dolor físico o psicológico a otro ser vivo, tiene una referencia lingüística ligada a él, y mientras su obra permanece en la historia como uno de los libros más controversiales de todos los tiempos, la vida de Donatien Alphonse François de Sade, mejor conocido como Marqués de Sade, también fue bastante tumultuosa, marcada por el hedonismo excesivo que caracteriza sus obras. - See more at: http://culturacolectiva.com/sexualidad-y-nihilismo-del-marques-de-sade/#sthash.SsFvCdTg.dpuf
El Marqués de Sade es uno de los personajes más entrañables de la literatura francesa, mundialmente conocido por las novelas Justine o los infortunios de la virtud y Las 120 jornadas de Sodoma; es considerado una de las personas más perversas de la historia. La palabra “sádico”, refiriéndose a la persona quien recibe placer al inducir dolor físico o psicológico a otro ser vivo, tiene una referencia lingüística ligada a él, y mientras su obra permanece en la historia como uno de los libros más controversiales de todos los tiempos, la vida de Donatien Alphonse François de Sade, mejor conocido como Marqués de Sade, también fue bastante tumultuosa, marcada por el hedonismo excesivo que caracteriza sus obras. - See more at: http://culturacolectiva.com/sexualidad-y-nihilismo-del-marques-de-sade/#sthash.SsFvCdTg.dpuf

 

Dos siglos después las obras del marqués -que pasó 27 años en prisión- siguen siendo referencia: "Juliette", o "Los 120 días de Sodoma". De su apellido nació el nombre que la RAE recoge: "sadismo". Hijo de un noble y una beata metida a monja, educado por un tío cura y libertino, los escándalos y acusaciones por sodomía o pederastia lo persiguieron siempre. 

 

 

Si para alguien se tejió la etiqueta: polémico, ése es el marqués de Sade. Controvertido y vestido a base de leyendas de él son obras a las que difícilmente se les puede quitar la X. ¿Porno de calidad? ¿Erotismo de alto voltaje? Mucho más, ni todos los detractores del mundo, y lo han intentado, han podido descalificar ni sus letras ni su pensamiento. Mucho menos le han llegado a la altura los autores y últimamente autoras que han seguido su estela. Pese a tan ajetreada, escandalosa y pervertida vida sexual como se le atribuye tuvo tiempo de dejar unas cuantas obras. Entre ellas: Aline y Valcour, Justine o los infortunios de la virtud, La filosofía del tocador o Los 120 días de Sodoma. 

"Salò, o los 120 días de Sodoma", inspirada en el libro de Sade. Este fue un polémico filme italiano del año 1975, dirigido y escrito por Pier Paolo Pasolini.

"Letras prohibidas", sin dudas que la mejor película filmada sobre la vida del Marques de Sade. Protagonizada por Geoffrey Rush y Kate Winslet.




lunes, 1 de diciembre de 2014

Gran concurso online de arte realista




El Art Renewal Center International Salon 2014-2015 organiza el 11º concurso anual en el que los mejores artistas realistas del mundo compiten por reconocimiento, premios en efectivo, y la oportunidad de que sus obras puedan verse por algunos de los más de 5 millones de visitantes anuales de la web norteamericana Art Renewal Center.

Esta muestra de gran calidad artística es un paso importante hacia la reapreciación del arte basado en el talento y el reconocimiento público de estos artistas.
También se organizará una exposición en una importante galería de Nueva York, para la que se seleccionará un grupo de aproximadamente 15 finalistas a los que se les pedirá que adjunten imágenes adicionales. De esos finalistas, la galería elegirá 4-6 artistas para la muestra.
Además, Streamline Art Video premiará a un finalista con un DVD (por valor de $ 25.000) que mostrará la técnica del artista con una demostración de su obra, una entrevista y un perfil de sus obras.
La competición también tendrá una gran repercusión en la prensa, seis revistas de arte y dos periódicos; Fine Art Connoisseur Magazine publicará un artículo sobre los ganadores y finalistas y otro especialmente sobre el ganador.


Los participantes pueden competir en 7 categorías:

Figura, Realismo Imaginario, Paisaje, Animales, Bodegón, Escultura y Dibujo. También se otorgarán premios especiales diseñados para alentar la creatividad y la ambición en lasartes: Mejor Retrato, Mejor Desnudo, Obra más ambiciosa, Mejor Trompe L’oeil y mejor Comentario Social. Los finalistas y ganadores se mostrarán en la web de Art Renewal Center y en un catálogo a color.
Para participar, visita el formulario de inscripción online hasta el 15 de enero de 2015, en la web de Art Renewal Center.
Los ganadores, menciones de honor y finalistas verán su obra y su nombre publicados en la web de ARC y en el Catálogo. También recibirán un certificado de participación y de premio.

La representación de la Muerte en el arte

"El triunfo de la Muerte" de Pieter Brüegel.


Este estudio presenta algunos aspectos destacados de las imágenes plásticas y literarias con que se ha personificado a la Muerte, en particular desde el siglo XIII al XVI.
El autor de la nota expresa que "se debe considerarse esta exposición como resultado de las lecturas de un profano interesado en la materia, no versado en Historia ni en apreciación del arte, y con acceso limitado a la bibliografía".

Antecedentes


La elaboración de imágenes es un impulso propio de los seres humanos, que se acentúa ante situaciones desconcertantes: la imaginación intenta transformar lo ininteligible en una representación que pretende hacer accesible a la comprensión aquello que parece evadirla. En el caso de la muerte, ninguna imagen puede captarla en todo su significado, pese a los variados modelos provenientes de la mitología, folclore, religiones, giros idiomáticos, arte y literatura.
En la Edad Media y en el Renacimiento se consideraba la muerte desde cinco puntos de vista principales, que sin duda influyeron en las representaciones artísticas:

De amores, damas, caballeros y armas


Poco sabemos de Roberto Diso, el dibujante y guionista de esta historia que fue publicada en varios números de la revista Metal Hurlant.


Diso es un artista italiano que comenzó su carrera como dibujante en 1954 en las páginas de El Victorioso, y luego colaboró con la Fleetway, en Inglaterra y con las ediciones Aventures et Voyages, en Francia. Más tarde trabajó para el mercado alemán en cooperación con la firma de Alberto Giolitti en 1965 en algunos episodios de Grendizer, un cómic para adultos.
El gran salto se produjo en 1974, cuando Sergio Bonelli encargó dibujos de dos historias de la serie de Rodeo.





Los unos y los otros




¡Dejen a las artes plásticas tranquilas! parece ser el reclamo de la conocida crítica mexicana Avelina Lésper. En su último artículo hace un llamado a los organizadores de bienales y los acusa de desvirtúar los concursos de artes plásticas "y los convierten en certámenes de artes visuales para incorporar videos, objetitos, performances y todo lo que el estilo contemporáneo VIP llama arte".



 Se solicitan bienales y concursos


La gestión artística está obstruida en un embudo. No entienden cómo trabajar con el estilo contemporáneo VIP ni cómo encausarlo dentro de las bienales y concursos. El ejemplo de ese gran escaparate de la estulticia que es la Bienal de Venecia, con una logística mutante, flexible y discrecional, simplemente no existe al momento de llevarlo a la versión mínima de una ciudad o un país como el nuestro en perpetuo desarrollo fallido. Desvirtúan las bienales y concursos de artes plásticas y los convierten en certámenes de artes visuales para incorporar videos, objetitos, performances y todo lo que el estilo contemporáneo VIP llama arte. Declaran los premios de pintura desiertos para sentenciar que lo único que merece ganar es un video, un objeto encontrado o nada. En los concursos de grabado aceptan c-print, instalación en los de escultura, y en los de pintura cualquier cosa aunque no tenga ni un brochazo encima. Dejan a la pintura, al dibujo, el grabado y la escultura fuera de sus propios certámenes y no consiguen un campo de competencia para el estilo contemporáneo VIP. Nadie está contento porque deterioran aun más la situación de las artes plásticas y no solucionan la del estilo VIP. 

 Obra expuesta el el museo Guggenheim, de Bilbao, España.


Ante este grave problema sugiero que se integre un comité curatorial interdisciplinar para que diseñe los concursos del estilo contemporáneo VIP, sus bienales y actividades de lanzamiento. Es una oportunidad de negocio porque engordarían la burocracia cultural que para muchos es su principal y única posibilidad de subsistencia, ejercicio de poder, intereses gremiales y tráfico de influencias. Como el estilo VIP se divide en infinitas multiformas, este comité debe organizar gran variedad de concursos, categorías y convocatorias. Por ejemplo bienal de objeto encontrado, certamen de apropiación, olimpiada de performance, torneo de instalación, operación triunfo de video, duelo de significados de obra y triatlón de archivo, papeles personales y memorabilia. Los podrían subdividir en más categorías, porque para cada obra hay una teoría diferente y no es lo mismo hacer una obra con sangre de animal que con sangre del mismo artista. Con esta gestión tendrían el año saturado con sus distintos concursos. Los artistas VIP, que tienen muchas horas libres porque sus obras se hacen en minutos, le darían sentido a sus carreras artísticas llenando formularios y enviando solicitudes. Como todo el mundo es artista no deben pedir requisitos académicos, ni currículos o semblanzas. Tampoco es necesario que exista la obra en sí misma, recordemos que en muchos trabajos lo importante es el proceso y el significado, así que basta con un texto teórico explicativo de lo que se supone que esa obra debería ser o será en un futuro. En el caso del site specific, la obra cambia según el lugar donde se exponga y no tiene sentido que el artista la fotografíe en su estudio porque se verá diferente en el museo. El premio de adquisición debe considerar que muchas obras se pudren, entonces es prioritario establecer una comisión de restitución y re-fabricación de obra caducada. En las inscripciones deben establecer los niveles: emergente de casi 30 años, emergente de más de 30 años, emergente de 40 años o emergente de edad indefinida. Cada participante recibirá una mención honorífica por ser artista. Se hará un premio distinto para cada obra y todas son merecedoras del primer lugar porque éstas carecen de jerarquías de valores, son infalibles y todas son arte en sus términos inclusivos. 

Acción de arte


El jurado trabajaría con nula transparencia imitando a los pervertidos certámenes literarios, y mantendrá los premios pactados, favoritismo, amiguismo, enchufismo y el criterio fashionista. Con esta mega avalancha de concursos los museos podrán hacer decenas de exposiciones y por fin todos los artistas VIP serán reconocidos, premiados y saldrán del anonimato. El beneficio de esta propuesta es que dejarían en paz a los certámenes de artes plásticas, les darían trabajo a los mafiosos comités curatoriales y jurados sin ética que sacan las pinturas y los dibujos de concurso para premiar libros viejos o botes de pintura, que admiten obras de forma extemporánea y además, cobran del erario público. 

viernes, 28 de noviembre de 2014

Entrevista al pintor digital Gustavo Toniutti



El artista cordobés Gustavo Toniutti explica en esta nota las diferencias entre el arte digital y el analógico. Además, señala la obra de su autoría preferida y menciona el cuadro que más le impactó. Y detalla por qué decidió dibujar a la musa perfecta.

Por Camila Reveco - diario Los Andes de Mendoza, Argentina


El artista digital Gustavo Fabián Toniutti (1966) vive en la ciudad de Córdoba. Después de más de tres décadas dedicadas al oficio de dibujar, hace sólo 8 años dio un giro importante al conocer las ventajas y maravillas que ofrece el mundo digital.
Alternativas todas nuevas que permiten -a través de la tecnología- alterar tamaños, colores, perspectivas e imprimir todas las obras que se quiera y en distintas superficies o tamaños.
A Toniutti se le ocurrió inventar a una mujer que llamó Erika, “la que reina por siempre”. Erika es su  Musa inquietante, el estímulo que lo lleva a la creación y la  protagonista de toda su obra.
Ella representa el prototipo máximo de belleza:  curvas prominentes, “ojos y boca grande, labios carnosos”, como él mismo la describe.
Es una creación digital, -no existe-, o no existe al menos en ésta realidad, pero vive en la mente, en la vida interior, en los sueños más inconscientes y en el deseo infinito que tiene dentro suyo nuestra artista.
Lo cierto es que el arte digital y las nuevas tecnologías aplicadas a la estética han abierto una innumerable cantidad de debates nuevos -por ejemplo, la “pieza” única e irrepetible quedaría obsoleta-  y se discute porque lo que está aconteciendo en el terreno de lo visual es una verdadera revolución de alto impacto.
Lejos de establecer una rivalidad entre lo digital y lo “tradicional”, es necesario   destacar y distinguir la capacidad de oficio, la técnica y el talento de los que optaron por una computadora.
Como ejemplo está la obra de Toniutti que nos demuestra que el abanico de opciones que le brinda su programa de turno, sea Poser o Zbrush, resulta tan amplio e inagotable como  la paleta de cualquier pintor.


martes, 25 de noviembre de 2014

La pintura de Carlos Andrés Isola



Carlos Andrés Isola es de Neuquén, Argentina, si bien nació en Capital Federal, en 1951, creció en la ciudad de Zapala, ubicada en el centro de la provincia de Neuquén, norte de la Patagonia. Comenzó su carrera trabajando en el departamento de arte de publicidad en la localidad, continuó en Brasil, Capital Federal y en Tucumán. Trabajó posteriormente en la ilustración editorial en medios regionales y actualmente para Caras y Caretas y la revista de cultura “Nómada” de la Universidad de San Martín. 
“Me gusta mucho la obra de “Caravaggio” porque dejó de lado el manierismo para acercarse más a la “fea belleza” de lo auténtico, por decirlo de alguna manera. El mío podría clasificarse, si es que hiciere falta, como "claroscuro". Si bien mis obras tienen una base oscura, busco la claridad en los pequeños detalles en donde se posa la luz unos instantes” ,  señaló el artista, que también se destacó como ilustrador de los diarios Ámbito Financiero, La Mañana del Sur y Río Negro.
En una entrevista exclusiva para este blog, desentraña los misterios de la creación artística, siempre ligada al pueblo que lo vio crecer y que hoy defiende a través de su obra.



Huarpes cocinando piñones.

-Primero conocí su trabajo de ilustrador. ¿En qué momento "aparece" el pintor y por qué?
Creo que "el pintor" está siempre atrás de quien por fin se manifiesta como pintor. En mi caso, que comencé como ilustrador publicitario, como todos, no tuvimos otra camino  más que aprender de los grandes maestros de la pintura (realista por cierto). La composición, el equilibrio de colores, la simbología, el sentido de la belleza, etc., están presentes aún en un aviso de yogur, de automóviles o de lencería y ese mismo lenguaje es el que se enseña en las escuelas de cine. De todos modos, el pintor propiamente dicho, se manifestó en mí de modo sistemático hace unos nueve años en un momento de necesidad en el que comencé a pintar un paisaje neuquino sobre una bandeja artesanal que desató esa especie de compulsión hacia la pintura. Hoy, por razones de trabajo en el área de Comunicación de la Municipalidad de Zapala tengo poco tiempo, sin embargo es permanente aquella necesidad.


domingo, 23 de noviembre de 2014

Carlos Diez, ilustrador en primera persona

Autobiografía del ilustrador español Carlos Díez, copiada y pegada alevozamente como solemos hacer, sin permiso del autor.



Nacido en Madrid en 1966, Carlos Díez es un inquieto artista que debe su renombre internacional a los Pin Ups o retratos eróticos que…
¡Eh, eh, eh!, ¿Pero qué pasa aquí…? ¡Un momento, por favor! ¡Paren las máquinas!
Esto parece la típica biografía que no se lee ni Dios, llena de datos que a estas alturas no interesan a nadie y aburrida hasta decir basta. Un biografía normal para una web normal. Y ésta no lo es.
Aunque si es eso lo que buscas, si quieres saber dónde estudié, quiénes son mis ídolos y todas esas cosas, siempre puedes tomarte una aspirina y pinchar aquí.


Aunque si es eso lo que buscas, si quieres saber dónde estudié, quiénes son mis ídolos y todas esas cosas, siempre puedes tomarte una aspirina y pinchar aquí. 
…había un chico bien joven, fascinado por las mujeres hermosas.
Las profesoras de primaria. Las presentadoras de televisión. Las actrices del séptimo arte. Las modelos de publicidad. La vecinita del quinto. Y aquella morena que siempre esperaba el autobús apoyada en la marquesina, su carpeta sobre el pecho y que jamás se dignó siquiera a mirar o a saludar…
A tan tierna edad, ellas apenas sí eran figuras inalcanzables, fuentes de un anhelo perseverante pero siempre quimérico.
Por suerte, había otros asideros para la evasión. La ciencia ficción y la fantasía fueron mi segunda gran pasión. Mazinger Z, Space 1999, Star Wars… Fueron y son poderosas influencias, tanto en lo personal como en lo laboral. Para entonces, los lápices de colores ya empezaban también a formar parte de mi día a día, y un pliego en blanco era un poderoso reclamo para empezar a desarrollar mi vocación: el dibujo.


sábado, 22 de noviembre de 2014

Dos preguntas a Guillermo Roux




 Entrevista del diario La Nación, de Argentina, al gran artista Guillermo Roux.
Charla íntima con el gran artista plástico que, a los 85 y después de unos años de quietud, hoy se muestra muy activo, libre, hilarante, dibujando con colores a toda orquesta.




-¿Cómo ve el arte actual?
-Arte es una palabra que me fastidia mucho últimamente. ¡Está tan usada! Parece que todo es arte. En esa jungla de equívocos no sabemos a estas alturas qué es arte. Hay muchas manifestaciones más o menos ingeniosas... sorprendentes. Pero, como en todos los tiempos, hay quien tiene más o menos capacidad. La gran mayoría, y voy a usar una palabra rara, son académicos de la manera esa. La repiten. Porque la Academia no es solamente dibujar un desnudo, una fruta, una flor, sino que es repetir una imagen o un gesto sin sentido porque sabemos que ese gesto es lo que se hace. Se puede pintar una naturaleza muerta y no ser académico. Depende de quién lo haga. Esto tiene que ver con la sociedad, que engendra el fruto que le corresponde. Simboliza su sentir. Creo que hay una falta de sentido de trascendencia, que vacía las cosas de contenido. Vivimos en una sociedad de consumo que prioriza el dinero. Por eso, más valdría exhibir dinero, que sería la expresión justa de nuestro momento.
-De hecho, en el último ArteBA fueron sensación unas bolas de cristal con un millón de dólares picado adentro.
-Eso es lo que es. Por eso, a mí no me gusta la palabra arte. Prefiero llamar a lo mío trabajos.



miércoles, 19 de noviembre de 2014

Las chicas de calendario: el regreso

Gigi Hadid posando para Steven Meisel para el Calendario Pirelli, objeto de culto para coleccionistas.

EL NUEVO CALENDARIO PIRELLI. Gigi Hadid posando para Steven Meisel para el calendario Pirelli, objeto de culto para coleccionistas. Las fotografías han sido realizadas por el fotógrafo de moda Steven Meisel, que ha llamado a su proyecto “The Cal 2015. El regreso. Chicas de calendario”. (Steven Meisel / EFE) - See more at: http://hd.clarin.com/post/103057411679/el-nuevo-calendario-pirelli-gigi-hadid-posando#sthash.wzfYOhqO.dpufEl nuevo Calendario Pirelli. Gigi Hadid posando para Steven Meisel, objeto de culto para coleccionistas. 
 
Las fotografías han sido realizadas por el fotógrafo de moda Steven Meisel, que ha llamado a su proyecto “The Cal 2015. El regreso. Chicas de calendario”.


El famoso calendario Pirelli, objeto de culto para coleccionistas, ha apostado en su edición 2015 por las curvas de la modelo de tallas grandes Candice Huffine y por el látex como el tejido del erotismo.
Las fotografías, que fueron presentadas hace unos días, han sido realizadas por el fotógrafo de moda Steven Meisel, que ha llamado a su proyecto "The Cal 2015. El regreso". Chicas de calendario, pues tras calendarios ambientados en varios lugares paradisiacos o con un mensaje se ha pasado al puro calendario erótico de pared.

¿Por qué es tan famosa la Mona Lisa?


"Toda vida bien empleada es una larga vida"

Se ha escrito tanto sobre Leonardo y la Mona Lisa que me ha costado realizar esta entrega, promocionada con el pretencioso título de “Historia de la pintura más famosa del mundo”. Mi intención es no crear demasiadas expectativas, ya que esto no pasará de ser un esfuerzo en solitario por conocer la historia de esta pintura y las razones que la convierten en una obra de arte.
Tampoco me considero un especialista en la vida de Leonardo, apenas un admirador más de su obra. Admiración que espero no me haga perder objetividad. Se dice que el que admira nunca podrá realizar un análisis certero del objeto que admira. Está obnubilado.



Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas



Señora Lisa, ¿quién es realmente usted?                          

Aquí reproducimos tres imágenes de la Gioconda. Obviamente que no podemos acceder al original, pero no crean ustedes que la expuesta en el museo del Louvre se ve mejor que estas. En 500 años ha perdido su color original. Si la miramos en detalles muchos sectores están resquebrajados por exceso de pintura y amarillenta por exceso de aceite. Lo que vemos ahora no es lo que vieron los contemporáneos de Leonardo, pero la esencia sigue siendo la misma: el retrato de una mujer sentada en un sillón con el brazo izquierdo apoyado en el asiento. ¡Primera sorpresa, la Mona Lisa está sentada!
Cuando Leonardo de Vinci empezó a pintarla en 1503, hacía once años de que Europa había descubierto un  Nuevo Mundo y de lo que sería la Argentina (desde donde escribo estas líneas) sólo se conocía parte de la costa Atlántica. Descubrimiento que había realizado el navegante italiano Américo Vespucio. Italiano, florentino y coetáneo de Leonardo. Prácticamente nacieron en el mismo año.
En 500 años ha salido muy poco del Louvre. En 1911 se la robaron y durante dos años estuvo desaparecida. El ladrón la mantuvo oculta en Italia y aduciendo razones nacionalistas, pretendió rescatarla para su país. En la década del 60 viajó a Estados Unidos y en 1974, a Japón. Desde esos años. La Mona Lisa no va al mundo, el mundo va a la Mona Lisa.


jueves, 13 de noviembre de 2014

Otra macana de Andy Warhol

 Son dos cuadros poco conocidos que representan a Elvis Presley y Marlon Brando, y fueron parte de una subasta récord de la casa Christie's.

Por qué "macana" se preguntarán ustedes. En realidad Andy Warhol no tiene la culpa ni el mérito para que sus pinturas se vendan a ese precio. Lo he explicado en otra publicación, una pintura no debería superar al millón de dólares (lo que ya es bastante). De no ser así, el arte cae en manos de los especuladores, banqueros e inescrupulosos. Tal como sucede actualmente.
 

Pagan 150 millones de dólares por dos retratos de Andy Warhol

Dos retratos poco conocidos de Andy Warhol que representan a Elvis Presley y Marlon Brando estuvieron entre lo más destacado en una subasta de arte de la posguerra y contemporáneo que rompió récords el miércoles.
La obra "Triple Elvis" se vendió por 81,9 millones de dólares, mientras que "Four Marlons" recaudó 69,6 millones en la venta de arte de la posguerra y contemporáneo realizada el miércoles por la casa de subastas Christie's. El total subastado alcanzó 852,9 millones, la cifra más alta de la historia, informó la propia empresa. Obras de Willem de Kooning y Cy Twobly también alcanzaron precios récord para esos artistas.
"Triple Elvis" y "Four Marlons" se encuentran entre las piezas más famosas del artista. Los retratos de casi 2,1 metros habían sido adquiridos por la compañía alemana de casinos WestSpiel en la década de 1970 para uno de sus establecimientos.
El retrato de Elvis, elaborado en 1963 con tinta y pintura plateada, muestra al rompecorazones del rock vestido como vaquero, armado y disparando con la mano a la altura de la cintura. 

La serigrafía de Brando, hecha tres años después, muestra al actor montado en una motocicleta y ataviado con una chaqueta de cuero, imagen que es repetida cuatro veces.



Warhol elaboró una serie de 22 imágenes de Elvis. Su "Doble Elvis (Ferus Type)" se vendió por 37 millones en 2012 en una subasta de Sotheby's. Sólo hay otra imagen de Brando repetida cuatro veces, se encuentra en el museo de arte moderno Louisiana, de Copenhague. La casa de subastas calculaba que el cuadro que representa a Elvis y "Four Marlons" podrían venderse en unos 60 millones de dólares cada uno.
"Clamdigger", una escultura de tamaño natural creada en 1972 por Willem de Kooning, se vendió por 29,2 millones de dólares, una cifra récord para una escultura del artista. La pieza de bronce estuvo en la entrada del estudio del artista en Long Island durante aproximadamente cuatro décadas.
El artista se inspiró en los recolectores de ostras que observaba todos los días en la playa. La escultura fue puesta a la venta por las hijas de Lisa de Kooning, quien heredó la escultura de su padre a su muerte en 1997. En 2012 ella murió.
"Untitled" de Twombly, una de las más famosas de la serie "Blackboard", que hizo entre 1066 y 1971, se vendió por 69,6 millones, un récord mundial en subasta para un trabajo suyo.


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El artista ante la sociedad y el mercado