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miércoles, 30 de julio de 2014

Humor de artistas



Se cree que el taller para el pintor es una catedral; el lugar sagrado donde se realiza un acto de creación; el lugar en donde se transmuta materia inerte en obra de arte. Esta es la imagen que se tiene y no está mal que así sea. Pero el taller no es más ni menos que el laboratorio para el científico, el aula para el maestro o la biblioteca para el estudioso.


Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

¿Es lo mismo? Bueno, más o menos. El taller del pintor es un lugar privado donde entra sólo el artista. Está, por lo general, muy desordenado y es -si no imposible- muy difícil de limpiar. Se parece a un claustro pagano en donde el sacerdote es el artista y no hay más interlocutores.
¿Es así? No siempre. Algunas veces tocan a la puerta y entra la modelo. Y es ahí donde ocurre la magia y se instala con fuerza la leyenda popular. La mujer se desnuda sólo en tres oportunidades: para bañarse, para hacer el amor y para el artista.
Lo que sucede, entonces, lo dejaremos para otra publicación. En esta oportunidad queremos desmitificar el tema y para ello hemos elegido algunos chistes que nos dan la oportunidad de comprobar de que en el taller del pintor (y otros espacios similares), además de magia, también puede haber humor.




La vida íntima de los superhombres



Los dioses (greco-latinos) se metían demasiado en los problemas terrenales. Tanto que no dudaban en “bajar a la Tierra” e involucrarse sentimentalmente con los humanos, en especial con las humanas. De estas uniones nacían hijos con poderes super-especiales.

De ayer y hoy



En el Siglo XX, cuando crearon a los superhombres -a imagen y semejanza de los dioses clásicos- no especificaron de un modo claro si además de salvar al mundo de los villanos, sus momentos libres los dedicarían a esa actividad tan propia de los humanos y que tiene que ver con la supervivencia de la especie.

Fongwei Liu: "Disfruto de la captura de toda la belleza que nos rodea"

El uso de las sombras y luces crea un efecto muy peculiar: la luz se concentra en el rostro y rodilla el resto del cuerpo se pierde en la penumbra paulatinamente, hasta fundirse con el fondo.


Me gusta esa pincelada furiosa de Fongwei Liu tan propia del paisaje heredado de los impresionistas.

Fongwei Liu recibió su licenciatura en Bellas Artes en China, en 1994. Desde hace más de una década después de la graduación, Fongwei ha incursionado en diversos campos, pero no tocó su pincel. Hasta el año 2007, finalmente se dio cuenta de que el arte es su verdadera pasión, y reanudó sus estudios en los Estados Unidos. Fongwei recibió su título de maestría de la Academy of Art University en San Francisco en 2009.
Dice Fongwei Liu: La inspiraciones para mi arte es la naturaleza. El tema no es importante para mí. Disfruto de la captura de toda la belleza que nos rodea, por ejemplo colores de otoño, escenas en la nieve blanca, ciudades de niebla, la emoción de la gente, y las figuras humanas expresivas.
Mi proceso creativo es también una respuesta intuitiva a la fuerza de la naturaleza. Cuando algo me toca, una imagen toma forma en mi mente y forma una idea o concepto, entonces experimentar con varias técnicas para visualizar la idea. Por lo tanto, creo que cada golpe en mi pintura viene de mi mente, fluye a través de mi mano a mi lienzo, que es mi lengua para contar historias.
Como artista lucho por mejorar mis habilidades y hacer que se conviertan en mi segunda naturaleza, porque creo que las mejores técnicas producen mejores pinturas.






Algunos pintores realista están atrapados por la factura y por el oficio de modelar "delicadamente", miren este pintor chino como trabaja el rostro y como lo hace con el resto... Me parece una solución maravillosa.









lunes, 28 de julio de 2014

El rostro de la mujer a traves de 500 años de arte.



El arte (realista) siempre se ha ocupado de representar a la figura humana y esto ha quedado registrado en especial en la pintura. Este es un buen ejemplo que circula por la web.



Las aventuras de Lorna y su robot



Recopilación de los primeros episodios de Lorna. Los diez primeros aparecieron en la revista Mastia. Saga de humor, ciencia ficción y erotismo que narra las aventuras de Lorna, personaje creado por Carlos Saiz Cidoncha y Azpiri en forma de historietas cortas para la revista erótica Mastia en 1980, y continuada por este último como autor completo primero en las revistas de Norma Cimoc y Humor a Tope y luego en formato album. Las historietas de Lorna y su robot se tradujeron a varios idiomas, publicándose también en revistas extranjeras como Penthouse, Heavy Metal o Lanciostory, y fueron recopiladas en varias ocasiones.




El atrevido arte de Erik Drudwyn




Últimamente hemos estado (creo yo) muy "espeso" y necesitábamos volver a las "bases". Es por eso  que hemos elegido a este artista para reencontrarnos con nuestros lectores que quieren ver chicas lindas, sensuales y anhelantes de ser amadas.
Erik Drudwyn es un artista de Colorado (EE. UU) que realiza un estupendo trabajo partiendo de modelos fotográficos.




Pin ups muy provocativos

El artista en su página web se presenta de la siguiente manera:


"Welcome to the online Gallery of Erik Drudwyn. The gallery contains primarily pinup style art. While you won't find any depictions of sexual acts on this site, there is artistic nudity of an erotic nature at the level you might find in the softer adult publications so we ask that you not view the galleries unless it is legal for you to view such material where you are located; you may only enter if you are 18 or older. All models used by Erik Drudwyn are 18 years old or older. Records for each model's age may be obtained by visiting the websites for the models and photographers that Erik works with. Now with the standard warning out of the way, please come in, stay as long as you like and enjoy the site!"

Las más hermosas pinturas sobre náyades (ninfas) y algo más...

Gioacchino Pagliei


Las náyades eran las ninfas de los cuerpos de agua dulce —fuentes, pozos, manantiales, arroyos y riachuelos—, encarnando la divinidad del curso de agua que habitan, de la misma forma que los oceánidas eran las personificaciones divinas de los ríos y algunos espíritus muy antiguos que habitaban las aguas estancadas de los pantanos, estanques y lagunas, como en la Lerna premicénica de la Argólida.


En su calidad de ninfas, las náyades son seres femeninos de hermosos cuerpos que los muestran al desnudo o con poca ropa, dotados de gran longevidad pero mortales. La esencia de una náyade estaba vinculada a su masa de agua, de forma que si ésta se secaba, ella moría. Aunque Walter Burkert señala que «cuando en la Ilíada Zeus llama a los dioses a asamblea en el Monte Olimpo, no son sólo los famosos olímpicos quienes acuden, sino también todas las ninfas y todos los ríos; sólo Océano queda en su puesto» (Burkert 1985), los oyentes griegos reconocían esta imposibilidad como una hipérbole del poeta, que proclamaba el poder universal de Zeus sobre el mundo natural antiguos: «la adoración de estas deidades», confirma Burkert, «está limitada sólo por el hecho de que están inseparablemente identificadas con una localidad específica».


"Hilas y las ninfas", de John William Waterhouse.

Todas las fuentes y manantiales célebres tienen su náyade o su grupo de náyades, normalmente consideradas hermanas, y su leyenda propia. Eran a menudo el objeto de cultos locales arcaicos, adoradas como esenciales para la fertilidad y la vida humana. Los jóvenes que alcanzaban la mayoría de edad dedicaban sus mechones infantiles a la náyade del manantial local. Con frecuencia se atribuía a las náyades virtudes curativas: los enfermos bebían el agua al que estaban asociadas o bien, más raramente, se bañaban en ellas. Era éste el caso de Lerna, donde también se ahogaba ritualmente a animales. Los oráculos podían localizarse junto a antiguas fuentes.

John William Waterhouse.

Las náyades también podían ser peligrosas. En ocasiones, bañarse en sus aguas se consideraba un sacrilegio y las náyades tomaban represalias contra el ofensor. Verlas también podía ser motivo de castigo, lo que normalmente acarreaba como castigo la locura del infortunado testigo. Hilas, un tripulante del Argo, fue raptado por náyades fascinadas por su belleza. Las náyades eran también conocidas por sus celos. Teócrito contaba la historia de los celos de una náyade en la que un pastor, Dafnis, era el amante de Nomia, a quien fue infiel en varias ocasiones hasta que ésta en venganza lo cegó para siempre.

Chances, de Horacio Altuna



Un consejo: si estás deprimido, no leas este comic. Porque siendo como es una excelente historia de CF, es también una obra que llena de desazón. Y es que si las historias anteriores de Horacio Altuna relacionadas con este género dejaban cierto espacio para la ternura ("El Último Recreo") o el humor ("Ficcionario"), en los seis capítulos en que se divide "Chances" no hay resquicio alguno para la esperanza o el alivio.


Fuente: Un universo de Ciencia Ficción





Lágrimas de Eros: el lado oscuro del deseo sexual

Alberto Durero.


El lado oscuro del deseo sexual es la marca de presentación de la nueva exposición del Museo Thyseen y la Fundación Caja Madrid, “Lágrimas de Eros”. Un total de 119 obras de todos los estilos y épocas han sido reunidos con un claro objetivo: visualizar todas las formas posibles de erotismo a través de la pintura, la escultura y la fotografía.

Provocación en la concepción y naturalidad en la puesta en escena. Así se presenta la nueva exposición del Museo Thyssen, Lágrimas de Eros: una colección de pinturas, esculturas y fotografías que vienen a aportar un soplo de aire fresco a las propuestas de otoño. La cultura sexual parte como engranaje de una exposición en la que han sido reunidas 119 obras procedentes de la colección permanente del Thyssen, de museos nacionales como el Prado e internacionales como la Tate Gallery, el Metropolitan Museum o el Musée d´Orsay.
El Renacimiento, el simbolismo o el surrealismo están presentes, como también el arte del siglo XIX, que cobra especial protagonismo, ya que, según Guillermo Solana, director artístico del Thyssen y comisario de la exposición, “fue en este periodo cuando se consagraron las interpretaciones eróticas y perversas”.



El nacimiento de Venus, Eva y la serpiente, las tentaciones de San Antonio o el martirio de San Sebastián son algunos de los mitos a través de los que ha sido organizada la muestra. Dada la dificultad de ordenar cronológicamente las obras, el comisario afirma que encontró en estas leyendas “un lenguaje común en el que se encontraban artistas de todas las épocas”. Y así ha sido. Adán y Eva de Jan Gossaert -que data de 1507/1508- comparte sala con las instantáneas de Rachel Weisz –fotografiada por James White en 2004- o Nastassaja Kiski –retratada por Richard Avedon en 1981-. Lo mismo ocurre en la sala dedicada a las esfinges y sirenas, donde la escultura Esfinge (2006) de Marc Quinn, que retrata a Kate Moss, comparte pared con las ninfas retratadas en 1881 por Edward Burne-Jones y, en 1918, por Franz von Stuck. Otro ejemplo puede apreciarse en las sala de Andrómeda encadenada donde pinturas del XIX como las de Gustave Doré o John Everett Millais se disputan la atención de los presentes con lienzos de Salvador Dalí y esculturas como la de John de Andrea, de gran realismo.

Rachel Weisz –fotografiada por James White en 2004.

Pero además de explotar el diálogo entre las piezas, ciertas salas y obras destacan. Así ocurre en la sala del martirio de San Sebastián, en la del beso –donde comparten espacio trabajos de Géricault, Munch, Rodin, Ernst, Magritte o Warhol- y en los lienzos Mujer en las olas (1868), de Gustave Courbet; y La tentación de san Antonio, 1877, de Paul Cézanne.
A juicio de Solana, la exposición viene a poner en conjunto una serie de historias y figuras míticas “fácilmente reconocibles por el público”. El propósito de la exposición, según ha comentado, era mostrar “cómo los mitos de siempre siguen hablando a los artistas”, así como -ha dicho esperanzado- “al público que la visite”.



sábado, 26 de julio de 2014

Boris Vallejo, 100 ilustraciones



Era promesa y por fin cumplimos. El gran ilustrador peruano tiene un espacio en Resistencia Realista con su particular mundo de fantasía, donde son protagonistas mujeres y hombres esculturales viviendo variadas escenas de misterio y peligro. Su paleta de colores es tan generosa como la temática en la que abundan seres de la mitología clásica y americana, del cómic o, simplemente, de la fantasía desbordante de su autor.

 Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

Boris Vallejo (8 de enero de 1941) es un dibujante nacido en Lima, Perú. Boris emigró a Estados Unidos en 1964, donde reside.
Vallejo dibuja casi exclusivamente para los géneros fantásticos y eróticos. Sus dibujos han ilustrado la portada de docenas de obras de ciencia ficción y han sido presentados en unas serie de calendarios que se han convertido en best-sellers. Se encuentra casado con la también artista Julie Bell, cuyo estilo es bastante similar. Vallejo tiene dos hijos de un matrimonio anterior, uno de los cuales, Dorian Vallejo, también ha trabajado en el género de fantasía.
Sus ilustraciones y dibujos muestran típicamente a dioses, monstruos y/o musculados bárbaros (hombres o mujeres) en plena batalla. Muchos de las figuras masculinas se basan en el propio Vallejo, mientras que muchas de las femeninas se basan en su esposa. Sus últimas historias se inclinan más hacia el lado erótico, aunque siguen conservando los temas de fantasía.



Javier Arizabalo: La modelo y su pintor


La modelo siempre está en actitud de posar.


Tengo un afecto especial por la obra de este pintor. Hace varios años, en el primer acceso que tuve a Internet, conocí una de sus pinturas, la que “copie y pegue” como corresponde a un cabal pirata cibernauta. Es el artículo primero de  la ley anti-sopa: “Apropiarse de los objetos que producen felicidad”. 
Pasaron los años y se me hicieron familiares los bellos cuerpos y escenas que representaba. Algo me recordaba a El Caravaggio pero sabía que era un pintor realista contemporáneo y que siempre aparecía en algún blog amigo. Por fin pude contactarlo a través de facebook y acordar una entrevista. Esta red social es otra maravilla del ingenio humano y que nos ha permitido dialogar y saber un poco más de los artistas que admiramos.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas
 

En cada pintura, la postura del cuerpo insinúa una diagonal que atraviesa la tela.

Después de la entrevista, publico una crítica que pretende clarificar ciertos conceptos sobre lo qué es o no hiperrealismo, palabra muy usada cuando se escribe sobre este pintor.
Javier Arizabalo nació en San Juan de Luz, Francia, en 1965. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en la especialidad de grabado en 1988. Actualmente reside en Irun, al norte de España.

Louis y Berit Treserras



No es fácil encontrar un matrimonio más consustanciado en la vida real como en el arte. Conocemos historias tortuosas de grandes parejas de artistas que no han terminado nada de bien, pero la historia de Louis y Berit parece ser (al menos desde la distancia) un complemento perfecto entre amor, arte y belleza. 


Louis es tan buen pintor como fotógrafo.

Sensualidad

Louis Treserras es un artista radicado en el sur de Francia. Se inspira en el desnudo femenino y Berit Hildre (su esposa) en el mundo de la infancia. Ambos son autodidactas y han tenido como aprendizaje libros de anatomía que han estudiado con sumo cuidado. Tienen su propia academia desde hace más de diez años donde enseñan técnicas de pintura, dibujo y escultura y exponen juntos un par de veces al año.



Louis Treserras pinta desnudos hace cerca de 30 años. Ha sabido poner la técnica, y un enfoque casi matemático del cuerpo al servicio de un arte profundamente intimista y poético, viendo el cuerpo desde su lado más simbólico, lo que le lleva a desarrollar su propia estética, deformándolo, alargando las piernas sobre grandes pies, reduciendo busto y cabeza, a veces hasta el exceso, aunque eso es parte integrante de su labor de investigación. Técnicamente le gusta mezclar los estilos; acrílicos, carboncillo, aceite…. todo excepto la acuarela. 

¿Cuánto vale lo que haces?



Desde que un comprador pagó 12 millones de dólares por una obra del artista británico Damien Hirst, que incluía un tiburón muerto sumergido en formol, se han sucedido cientos de debates alrededor de los precios en el mercado del arte, tal como el que suscita la prestigiosa crítica alemana Isabelle Graw en el ensayo ¿Cuánto vale el arte?


¿Cuánto vale el arte? o una acertada radiografía de arte-mercado
 
El mediático Hirst, conocido como el enfant terrible del british art -y su multimillonaria obra titulada como “La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo”- es un actor más de los tantos que esta destacada especialista residente en Berlín aborda en su libro, editado en Argentina por Mar Dulce.
"Mercado, especulación y cultura de la celebridad” es el subtítulo del libro en el que Graw brinda un análisis exhaustivo sobre cómo se constituyen los precios del mercado de arte actual: con artistas, bienales e inversores protagonistas de una puja sin precedentes.
¿Cómo opera el mercado sobre los artistas? ¿En qué momento se convirtió en árbitro del juicio estético? ¿Son la celebridad y el marketing el horizonte final del arte contemporáneo? ¿Se han vuelto los artistas estrategas en comunicación? ¿Por qué una obra de artevale un precio y no otro?
La autora inicia sus reflexiones a partir de la idea de que hace unas décadas, en el arte “los datos económicos se confundieron con los logros artísticos” y no omite el hecho de que entre los 60 y los 80, “una gran cantidad de artistas gozaron de un éxito comercial de corto plazo pero cuyo trabajo fue rápidamente olvidado”.
Con un tono pedagógico, Graw ahonda en la idea del “valor simbólico” de una obra de arte y en cómo ésta puede verse como mercancía sin ser parecida a ningún otro tipo de mercancía. ¿Pero qué es lo que las hace una clase especial de mercancías?”, se interroga la autora en el comienzo del texto.
El libro estudia los modos de comercialización de las obras de arte contemporáneo, desde el circuito de galerías hasta la función del marchand, así como las causas de su legitimación, que fundamenta tanto en la teoría como en ejemplos concretos contemporáneos.




A lo largo del ensayo de 327 páginas la autora -traducida por primera vez al castellano- retoma a sociólogos como Pierre Bourdieu, pero también a ensayistas como Walter Benjamin y T.W. Adorno, e incluso al propio Marx, parta desembocar en un análisis de la relación entre creación artística, valor económico y reconocimiento público.
"No considero que el mercado y el arte sean opuestos irreconciliables”, sostiene Graw y sienta las bases de su razonamiento: “Por el contrario, la línea divisoria entre los dos se ha vuelto extremadamente permeable. Estamos frente a un vínculo dinámico y conflictivo que parece un cálculo de poder, sujeto a constantes renegociaciones”.
"A veces es el mercado el que le dicta sus condiciones al arte; a veces, por el contrario, es el arte el que triunfa con sus criterios por sobre aquellos del mercado”, remata la especialista residente en Berlín.
Profesora de teoría estética e historia del arte en la prestigiosa Städelschule, de Frankfurt, y directora de la revista de crítica Texte zur Kunst, Graw repasa cómo, desde principios de los años 2000, el mundo del arte contemporáneo comenzó a gozar de una popularidad extrema como nunca antes, con la posibilidad de encontrar en casi cualquier revista información de ferias de arte, vernissages o artistas con éxito comercial.
¿Cómo explicar con exactitud el mayor foco de atención y entusiasmo mediático por los eventos del mundo del arte? ¿Fueron solamente los récords de precios en subasta, rotos una y otra vez, los que acercaron los ojos de los medios al día a día del mundo del arte?
Según Graw, el mundo del arte otorga modos de inclusión atractivos: “Fiestas, cenas tragos, exceso, ambientes elegantes, personajes excéntricos pero también sofisticación cultural y buen gusto” como si “para cualquiera fuera posible tener experiencias extraordinarias aquí”.
"El artista como prototipo de yo empresarial”, “El fin de la galería con perfil fijo”, “Obras de arte y artículos de lujo” y “Celebridades y figuras excepcionales” son los títulos de algunos de los capítulos -breves y contundentes- que dan cuenta de las temáticas abordadas en este libro.

Cartel que circula en las redes sociales. Mientras en un lado se pagan millones, en otro casi nada.

Las chicas más sexys de la selva

Ilustración de Marcio Abreu


Esto de héroes y heroínas blancos en la selva salvaje empezó inocentemente con Edgar Rice Burroughs y su mítico y vigente personaje Tarzán. Eran preferentemente aventuras para niños y jóvenes. Su primera aparición fue en la revista pulp All Story Magazine en octubre de 1912, adaptada posteriormente como novela a la que sucedieron veintitrés secuelas, además de haber sido adaptado numerosas veces, especialmente en los cómics, cine y televisión.

Las mejores ilustraciones

Pasaron algunos años hasta que en 1937 apareció Sheena, la versión femenina de Tarzán, ideada por Will Eisner. Recordada por la discreta película con Tanya Roberts, hoy ha vuelto a las páginas impresas.
La creencia popular es que la primera heroína nacida en el cómic es Wonder Woman. Pero fue Sheena, un personaje creado como réplica de Tarzan que tuvo gran difusión en los cómics de los años 40 y recobró popularidad en los 80.

"La reina de la jungla", obra de Joe Jusko.

El mono pintor. A propósito de Willem de Kooning


El pintor Willem de Kooning en su taller.


Un debate más -de los muchos que se dieron en el desaparecido facebook de Resistencia Realista- que polemiza sobre el arte abstracto y quién está en condiciones de realizarlo.

Kooning tuvo la culpa

Resistencia Realista
Kooning tiene un lugar muy destacado en la historia del fraude en el arte del siglo XX. Manchitas van, manchitas vienen. Nada más.
Ideal Arte
...sabia de algunas obras dudosas de Kooning y Pollock, pero ¿quién cometió el fraude? las galerías? ¿tenes más datos? Hace poco se realizo una retrospectiva en el MOMA con 1500 m2 de obras de él, considerado como el mayor exponente del expresionismo abstracto del siglo XX y era uno de los artistas más destacados entre el grupo conocido como la "Escuela de Nueva York", como dato ilustrativo.
Thessy Moreno
Fraude... mmmm y bueno, hay tantos... 
Bocha Fontana Pintor
Kooning fue un referente de una vanguardia de época, ellos pintaban a su manera, puede gustarte o no. Ellos no buscaban representar con realismo sus obras, se basaban en el color, la mancha y la expresión, en tal caso, los barrocos fueron defenestrados por los renacentistas, los impresionistas por los academicistas y así.... lo banco a Kooning, Pollock y esa banda de locos que escuchaban jazz y pintaban con total libertad... la fama es puro cuento!
Ideal Arte 
Es así, tal cual. Total libertad en la expresión! 
Resistencia Realista
¿MOMA? El imperio del tonto solemne y la catedral del frívolo. El arte abstracto siempre existió, sino mira un detalle de una pintura de Rembrand o de Goya. Pero está todo bien, cumplieron su ciclo. Lo que no podemos hacer es seguir en la pavada de las manchitas y creyendo de que la gente "no entiende nada". Por 100 años el arte le ha dado la espalda al público, pero se acabó muchachos. Pintemos y demostremos si tenemos talento.
Ideal Arte
Amigo de Resistencia Realista, respeto y defiendo al arte en todas sus manifestaciones, desde ya a la escuela académica, pero debo manifestarte mi desacuerdo con tu opinión sobre el arte moderno y contemporáneo. NO SON SIMPLES MANCHITAS y la gente entiende mucho más de lo que vos crees, además saben analizar y discernir entre distintas manifestaciones artísticas. El arte abstracto es una manifestación de belleza no objetiva, donde las creaciones artísticas no copian a la naturaleza en sus formas, es otra mirada sobre la realidad, LA REALIDAD SUBJETIVA Y ABSTRACTA. Por Dios, no le saquemos entidad, trabajo y estudio a los artistas que se manifiestan en ese plano artístico, gracias por escuchar.




Resistencia Realista
Amigo Ideal Arte, me tomé el trabajo de reproducir un artículo de una revista de los años 60 a propósito de Kooning y la pintura realizada por un chimpancé. Pero no encontré la forma de etiquetarte la imagen (jpg). Tienes que abrir tu muro, y bancarte lo que no te gusta. Facebook es así, democrático...
Bueno, la imagen la publiqué en mi muro para que se sepa de lo que estoy hablando.
Ideal Arte
He visto tu muro y en primer lugar debo felicitarte por tus obras y la capacidad técnica que adquiriste sobre todo me gustan la serie de desnudos, sin duda sos un gran artista. Ahora en nuestra charla democrática te diré que FB no es para nada democrático y el motivo que no dejemos abierto el muro se debe a que estuvimos fuera 40 días por haber publicado desnudos artísticos y arte erótico. Con respecto a esa publicación no me parece seria comparar a un primate con un artista como Willem de Klooning , y no es mi opinión personal, creo que además es una falta de respeto. Tu sabes bien que los animales no tienen el gen de la creatividad como los humanos y sus actos no responden a la realizacion de una obra artística por si mismos sino, como en ese caso, a un adiestramiento previo. Pero bien, no creo con esto cambiar tu forma de pensar. Pero respeto tu derecho a pensar distinto y me place poder intercambiar opiniones en este plano artístico sobre todo con artistas, gracias.
Resistencia Realista
A pesar de nuestras diferencias, agradezco tus palabras. No he querido ofender la obra de Klooning, sólo que no me gusta y por más que la miro no le encuentro su mérito. Pero me pasa lo mismo con Pollock y muchos otros. No obstante, existen pintores abstractos y geométricos que sí me agradan. Lo que pasa -Ideal Arte- es que la Realidad pega muy fuerte y no podemos seguir eludiéndola. Del mismo modo, el artista debe reconquistar al público, al espectador. La historia del arte es cíclica y este siglo XXI será nuevamente para el realismo. Un abrazo.
Ideal Arte
Es indudable que sos un luchador con tus ideas, y eso habla muy bien de vos. Ojala seamos defensores de nuestras ideas y sobre todo de nuestra cultura, que como bien sabes, nuestro origen artístico proviene de Europa y no de América como debería ser. Este punto lo considero interesante para un próximo debate... ¿como recuperar nuestra identidad? o a caso deberemos conformarnos con la importación y olvidarnos de nuestro pasado cultural?

Un gran abrazo y nuevamente gracias por opinar!
Luis Antonio Scarponi
Comparto la excelencia del dialogo, gracias Ideal Arte y Resistencia Realista.







Nota de la Redacción: 
Artículo recuperado del blog Resistencia Realista
Publicado el 20 de abril de 2012

viernes, 25 de julio de 2014

Exposición en ANAP




 Después de dos años sin exponer, realizo mi segunda muestra. Las obras son casi las mismas pero el lugar de exposición es otro y también la mayoría de los que acudieron a la cita. Como decía Heráclito, "nadie se baña dos veces en el mismo río" y como las buenas canciones -agrego yo- siempre nos gusta escucharlas una y otra vez.

"Sexo y Belleza 2"                                                                                                                         
De esta forma quedó inaugurada en ANAP la muestra “Sexo y belleza 2″, son 10 trabajos en los cuales la figura humana es la protagonista. En todos los desnudos está presente el tema de la sensualidad  y el erotismo.
La muestra estará abierta hasta el 21 de julio y se puede visitar de miércoles a sábado de 18 a 21 hs. en Diag. Alvear 164, Neuquén.
Gracias a todos los amigos que fueron y a ANAP (Asociación Neuquina de Artistas Plásticos) por la organización. Cada día funciona mejor.



10 consejos para pintores jóvenes (8) Un pequeño dios

  
Vicente Huidobro escribía que “el poeta es un pequeño Dios” y "Por qué cantáis la rosa, ¡oh Poetas! Hacedla florecer en el poema". ¡Muy hermoso, pero típico de los primeros años del siglo XX cuando existía esa efervescencia creativa mezclada con bohemia y otras sustancias “non santas”.


Los fauvistas hacían explotar los colores como si fuesen fuegos de artificio, los cubistas hacían estallar los límites de las formas conocidas, los surrealistas sondeaban en el mundo onírico. Todo estaba por ser inventado. ¿Todo? En realidad no tanto. En las dos primeras décadas hubo una especie de “acelerada a fondo”, pasaron muchas cosas y muy diversas pero todas tenían un precedente. No hubiese existido el fauvismo sin Paul Gauguin, el expresionismo sin Ensor Munch y éste sin Vincent van Gogh, el cubismo sin Paul Cezanne, etc. etc.

¿El artista es un creador en problemas?   

Han pasado cien años y las cosas están cambiando. Esto no quiere decir que los artistas estén usando cuello y corbata o se parezcan más a un ejecutivo que a un pintor. Estos siempre tendrán un look que los caracteriza y es bueno que sea así (los artistas se diferencian del resto). Pero me refiero a que los pintores están volviendo al oficio; a una especie de neoclacisismo siglo XXI. Quieren -además de artistas- ser artesanos. Les interesa preparar sus telas o maderas donde pintar y saber de pigmentos y aglutinantes. Han vuelto a pintar.
Muchos que lean esto dirán: “A mí en la Escuela de Arte nunca me enseñaron nada de eso”. También es un tema pendiente y trataremos más adelante: ¿Qué están enseñando los que dicen estar capacitados para enseñar?


¿Ser creador divierte o hace sufrir?

Supongo que Dios estaba contento cuando hizo de barro a Adán. Pero una cosa es el Altísimo y otra cosa muy diferente es el hombre (imperfecto) en acción de crear. No me imagino a Dios con dudas, con la necesidad de aprender modelaje, anatomía, proporción. Tampoco La Biblia dice si Dios tenía algún tipo de conocimiento previo o si había estudiado escultura en alguna escuela de arte. No lo creo...
Pero en realidad quiero hablar de este lío presuntuoso que es crear. El pintor, al igual que el poeta, el novelista debe ser preferentemente creadores. Que me perdonen los músicos, pero a ellos les puede ir muy bien siendo “sólo interpretes”. Es más, pueden ganar mucho dinero si tienen una buena voz o son virtuosos con algún instrumento. El pintor está condenado a la creación y la creación es un parto muchas veces doloroso, pero lo debes intentar.

 Pintura de Wang Yidong

Pero dicen que los realistas no son creativos                  

Tu qué quieres ser pintor y, además ser un pintor realista, habrás escuchado que los realistas, figurativos o hiperrealistas sólo tienen una buena técnica y se limitan a imitar. Que son buenos copistas, pero... Que no son más que virtuosos e intérpretes y un montón de cosas por el estilo. No te preocupes, nada de eso es así.
Esto de asociar lo creativo con lo “nunca visto” es producto de una mala interpretación del término “crear”. Sucede que el hombre no es un pequeño Dios, suponiendo que Dios creó de la NADA. 
La Biblia dice que hizo al hombre de barro. Es decir, fue el primer escultor. Pero lo hizo “a imagen y semejanza”. Eso quiere decir que no existe acto de creación al cien por ciento. Siempre tendremos algo en qué referenciarnos, algo que nos ha gustado, que hemos heredado, que nos ha influenciado, que está en nuestros genes, que está atrás pero no olvidado, que es parte de nuestra cultura y que es parte del lugar en que vivimos.
No hay creadores, hay herederos.


¡Vamos a lo nuestro!                                                 
     
Estamos al frente de una tela en blanco y trazamos una línea horizontal de color negro marfil con un pincel número 20. Hace unos segundos ese trazo negro no existía y nosotros le hemos dado entidad. Y más aún, no existe en el mundo un trazo igual al que acabamos de hacer. Pero mucha trementina en la mezcla provoca algo que no teníamos previsto y empiezan los problemas. El trazo en cuestión está chorreando hacia abajo producto de la Ley de Gravedad. Nuestra incipiente creación comienza a alterarse. Tratamos de solucionar el problema  y limpiamos con un paño lo chorreado y generamos una mancha gris. No podemos presionar mucho a la tela porque es delicada y la podemos dañar. Decidimos entonces, esperar hasta el otro día para cuando esté seca y tapar con pintura blanca. ¿Qué ha sucedido? En nuestro incipiente intento creativo hemos incursionado en tres valores: el negro, el gris y el blanco. Línea negra, mancha gris, pintura blanca enfrentada. Pintar es todo lo contrario. Es poner en acción los pigmentos y evitar que luchen. En el cuadro del pintor realista debe haber paz y armonía en los materiales. Para lograr un degradé impecable y una mezcla prolija, mezcla con una espátula chica hasta que la fusión sea total. Tienes que asimilarlo: deben resolver problemas por cada segundo que trabajas. Esto para muchos resulta fastidioso y abandonan. Prefieren ser artistas contemporáneos y la oferta en el mercado es inagotable y nunca pasa de moda: conceptualismo, happening, land art, Instalación, video arte, performance, etc. A estos artistas no les interesa la Ley de Gravedad, ni la química, ni la belleza, ni el esfumato, ni la perspectiva. No les importa qué papel juega el talento en sus osadas creaciones. Ellos quieren ser rebeldes porque heredaron de comienzo del siglo XX esa leyenda que hacía a los pintores seres extraños, estrafalarios y rebeldes. Aman a Marcel Duchamp y su mingitorio convertido en obra de arte. ¡Todo es arte! ¡Todos pueden ser artistas! ¡El arte ha muerto que viva el arte! Pero nacieron estéticamente muertos. No impresionan y, lo peor, siguen aburriendo y haciendo el ridículo.
Pero tienen el apoyo del periodismo y de la crítica que no sabe lo que está pasando en el arte pero quieren aparentar que sí saben y escriben artículos empalagosos. Todas son “geniales”, calificativo manoseado cuando quieren describir algo (una obra de arte) que aparentemente los ha impresionado. Cosa que en realidad no ha sucedido porque sólo repiten lo que han escuchado.


Entonces ¿para qué volver a pintar?                       

Porque están destinados a rescatar el milenario espíritu de las cavernas. Ese que nació del miedo de una noche acosado por las fieras, de la grandeza, de la superstición y de la verdadera genialidad. Imita -a ver si eres capaz- a esos bisontes y caballos pintados en Lascaux o Altamira. Imita a esos o esas artistas que inventaron el arte. Porque era una forma de decir cosas, expresar ideas, exorcizar posesos, asustar fantasmas, perseguir sueño, hacer magia...

Para nosotros -simples herederos y copistas del siglo XXI- la única forma de trascender es rindiendo un homenaje a esos primeros artistas que inventaron el pan que alimenta el espíritu y ese instante tan inefable que se llama felicidad.
Si estudias arte y quieres ser pintor no te sientas mal si tus compañeros te dicen que eso ya no se hace. Copia sin pudor alguno (es la mejor forma de aprender), imita, saca fotos, calca... Te puedes sentir orgullo por haber elegido el camino más largo, porque artistas hay pocos y elegidos, menos aún.


Nota de la Redacción

10 consejos para pintores jóvenes (9) Quiero más!


Por favor buscar (arriba a la derecha) con este nombre la entrega N°9. El enlace del archivo al parecer no funciona y todavía no sé porqué.