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lunes, 27 de octubre de 2014

Dicho y hecho por Juan Giménez


  

En el año 1943 nace en la provincia de Mendoza, Argentina, Juan Antonio Giménez López. Atraído desde muy pequeño por el dibujo, comienza a los diez años copiando las portadas de los libros de bolsillo que llegaban de España y de las revistas Americanas, motivado por la fascinación que estas le despertaban. Sólo contaba en ese entonces con materiales escolares elementales: lápiz, goma, plumín, una cajita de acuarelas... pero una inmensa pasión.

La siguiente, es una selección de algunas ideas sobre su arte, de puño y letra.
 

"Su primer trabajo profesional como historietista lo hace a los 16 años. Por aquellos días acostumbraba a ir al cine para luego dibujar las secuencias más impactantes de la película y recreaba microespacios con los personajes y monstruos en plastilina. Sin saberlo estaba aprendiendo algo que más tarde le sería de mucha ayuda, es decir, narrar, contar una historia con fluidez, crear secuencias. La facilidad para el dibujo, la constancia y sus posteriores estudios de Diseño Industrial fueron de gran utilidad para adentrarse en el mundo del cómic.
Posteriormente trabaja para Agencias de Publicidad, realizando storyboards para spots publicitarios. Esto lo enriquecería en el sentido de aprender a contar una historia en poco tiempo y calcular al milímetro el montaje y la planificación de cada escena.
A finales de los 70 deja Argentina y recala en Europa, donde comienza a trabajar para editoriales italianas, españolas y francesas. En 1979 publica Estrella Negra, su primer trabajo a color. Luego aparecerían Basura, Cuestión de Tiempo, El Cuarto Poder, Leo Roa y Juego Eterno, trabajos que denotarían su inclinación por lo fantástico y la ciencia ficción.
La aceptación por parte del público y la crítica lo han hecho merecedor de numerosos galardones internacionales: Mejor Dibujante elegido por los lectores de las revistas 1984 y Comix Internacional en los años 1983, 84, 85 y 90; Premio al Mejor Dibujante en el Salón del Cómic y la Ilustración de Barcelona en 1984; Yellow Kid otorgado por el Salón Internacional del Cómic de Lucca en 1990; Bulle D'Or en Francia en 1994. Sus trabajos han sido expuestos en distintas ciudades del mundo, sobresaliendo la realizada en el Centro Georges Pomidou de París, en 1997. Actualmente trabaja junto con el guionista Alejandro Jodorowsky en la exitosa serie de ciencia ficción "La Casta de los Metabarones" y en la pre producción de un cortometraje".
     
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viernes, 24 de octubre de 2014

Antonio López García: realismo espectral



Antonio López García es sin lugar a dudas el pintor y escultor más importante del realismo contemporáneo español, la meticulosidad de sus trabajos ha hecho que su producción de “fotografías al oleo” no haya sido tan prolífica, motivo por el cual sus obras han alcanzado valores incalculables antes incluso de su existencia. Ningún artista representado por Marlborough tiene una lista de espera como la de Antonio López, circunstancia, entre otras, que le convierte en el artista vivo español más cotizado.

 
"El mundo sigue siendo precioso, pero los dioses nos han abandonado…". Antonio López conversa con los socios del Círculo del Liceo en una sobremesa preñada de epifanías. Su oficio, explica, «nace de la vocación de narrar visualmente». El crítico J. J. Yvars califica su obra de "realismo espectral", una pintura humanista cuyo protagonista es el ser humano.
Observado por su hija María, que le recuerda que el AVE para Madrid sale a las seis de la tarde, López advierte de que, pese a su laconismo castellano de Tomelloso, tiene muchas cosas que contar, aunque «lo difícil es resumirlas». Puestos a ser sinceros, confiesa que le fatiga «vivir el mundo vertiginoso y caótico del arte». Por un momento, el autor del cuadro de los Reyes de España, se deja mecer por el igualitarismo. Gracias al arte moderno, «todos podemos ser pintores y espectadores», anuncia. Pero, nos preguntamos nosotros, ¿y la técnica? «Yo era un pintor hábil, a los trece años era capaz de reproducir lo que fuera», recuerda López. Pero, matiza, «la capacidad técnica acaba desbordada por la emoción porque es la emoción lo que hace visible lo que llevamos dentro». Eso justifica las dos décadas que ha dedicado al retrato regio.  
Todo el arte del siglo XX, prosigue, «precisa de un guionista». ¿Ejemplos? Picasso, Giacometti, Lucien Freud…
El ejercicio de la escultura le hizo recuperar la dimensión de la figura humana. Si se trata de situarse en una tradición, Antonio López opta por Monet o Cézanne: la vida moderna. Demuestra que es más difícil ser figurativo que abstracto: «Para el pintor figurativo lo más importante es qué pintar, mientras que la abstracción trabaja sobre la propia pintura». Se dirige a los jóvenes: «Antes, el artista era la voz de la sociedad, pero ahora la sociedad no tiene nada qué escuchar… Si no sabemos qué quieren de nosotros, lo único que nos queda es el oficio de pintar». A partir de entonces el lienzo y el pincel devienen en plataformas de una oscuridad que comienza con «La Gioconda» de Leonardo. El problema del arte actual, concluye el maestro, «"es que ya no sabemos qué pintar".


Artículo publicado en el diario ABC de España.





“El realismo es maravilloso porque es donde todo tiene cabida”


Antonio López, el niño que iba para administrativo, logró cambiar el devenir de su futuro dirigiéndolo hacia el mundo del arte y la pintura animado y alentado por su tío el pintor, Antonio López Torres.
Con tan sólo 13 años Antoñito traslada su residencia de Tomelloso a Madrid y consigue ser admitido en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando  , en un giro vital que le hace sentir por fin como pez en el agua, visualizando la consecución de un sueño: dedicar su vida a la pintura.
Decepcionado al ver por primera vez los cuadros de los artistas que veneraba, tuvo que pasar un tiempo hasta que fue capaz de valorarlos. Para el joven Antonio López, la gente no llegaba a captar verdaderamente lo que el artista pretendía presentarles, pudiendo concluirse que en ese momento el germen del hiperrealismo que le acompañará toda su vida ya había madurado en su vena creativa.
Podemos agrupar sus más de 50 años de vivencias y de creación en tres grandes temas: famosas vistas de Madrid, su huerto y su membrillero y la representación de la figura humana. En toda su obra, lo que el artista desea es transmitir con obsesiva y minuciosa exactitud lo que él ve en ese exacto momento.
Para Antonio López la realidad es algo que se ve, algo que todo el mundo puede ver, pero la posibilidad de interpretarla no es algo inmediato y, sobre todo, no es algo sencillo. En su proceso creativo es imprescindible captar la luz porque ésta tiene que ver con el mundo real que constituye el punto de partida de toda su obra. Además, sus cuadros nunca están terminados, la aproximación máxima a la realidad es un proceso que no tiene fin, sus obras son una materia en continua metamorfosis, las corrige, restaura, retoca y perfecciona una y otra vez, habiendo incluso recuperado obras de manos de sus clientes para afinar un “último” matiz.





jueves, 23 de octubre de 2014

El rojo, mata




El rojo el más apasionado de los colores del círculo cromático. Uno de los colores primarios que más llama la atención y nos acompaña desde el principio de los tiempos. La simbología tras él es muy amplia, y engloba conceptos tan diferentes como la alegría, el odio o lo inmoral.





Los efectos y sensaciones que nos evocan los colores no son algo innato. Al igual que con el lenguaje es necesario de un aprendizaje. Tras el paso de los años estos conocimientos se asumen como propios. Por ello nos encontramos con conceptos, que si los analizamos en profundidad, veremos que no han surgido por sí solos. La historia ha influido en el lenguaje del color y por ello nos encontramos que los simbolismos que se esconden tras él tienen un origen muy antiguo.
El primer color al que el hombre le puso nombre fue el rojo. En todas las lenguas existe una palabra para denominarlo. Sin embargo, nos podemos encontrar que otros no tienen ese privilegio y han adquirido el nombre de algún elemento en la naturaleza con dicho color.


No es un museo común y corriente

José Manuel Infiesta en su despacho: “El gran error del arte contemporáneo es que ha querido destruir la técnica y el oficio”. 

Tal vez no conozcan el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM), pero es una de las propuestas artísticas más interesantes de Barcelona. Hace unos días les abrieron las puertas en exclusiva del museo al Diario El Prisma y recorriendo las salas aparecieron unas cuantas preguntas que después le hicimos al director de este museo.

Si leísteis la otra entrevista que hicimos en el diario sobre arte, ahora encontraréis una visión totalmente distina. ¿Cuál de las dos posturas es mejor para entender el arte contemporáneo? Eso lo dejamos a vuestro juicio, lectores. De momento, hablamos con José Manuel Infiesta, director del MEAM.




-El MEAM no es un museo corriente. ¿De qué va? 
El MEAM lo que pretende es un planteamiento filosófico. Este consiste en que el arte del siglo XX se ha caracterizado por la destrucción de la forma, por elevar la abstracción y la experimentación a algo sagrado, así como por la destrucción de los valores tradicionales. Pero ahora con el final del siglo vemos que el ciclo se da por satisfecho, la destrucción de la forma ya no da para más.


sábado, 18 de octubre de 2014

Los pin ups de Horacio Altuna



Horacio Altuna tiene una amplia y exitosa carrera en las historietas que inició en 1965 con su primera publicación Súper Volador y aunque ha realizado historietas muy conocidas en Argentina y en España, es con su serie de comics eróticos lo que le llevó a ser contratado a finales de los años 80´s por Playboy para realizar un par de historietas que se incluirian en sus revistas. Las mismas fueron tan éxitosas que llevó a la revista del conejito a incluir durante los siguientes años las ilustraciones de Altuna de forma regular.
 

Las ilustraciones de Altuna son excelentes, su simpleza de trazo y sus lineas llenas de erotismo tienen ese toque elegante, sin tanto detalle, provocando que cada uno de nosotros disfrute de sus historietas de acuerdo a nuestra propia imaginación. Se han realizado recopilaciones del trabajo de este artista que por desgracia no han llegado a nuestro país, pero que se pueden adquirir por medio de diversos sitios de Internet.FUENTE


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jueves, 16 de octubre de 2014

En el taller del artista

EL TALLER DEL ARTISTA, UNA CAJA DE SUEÑOS.
¿Dónde trabaja el creador de arte, en cuál horno se cuecen las obras artísticas?. La respuesta es clara, en el taller.

Courbet, El taller del pintor


Toulouse Lautrec

Moisés Pellerano y María Amalia Pimentel en el taller de Chavón. Foto FC
El taller se asocia con los gremios y tiene su origen en la Edad Media. Hasta hace muy poco el término taller estaba minusvalorado y se utilizaba el afrancesado Atelier, o más eufemístico el de Estudio. Hoy el idioma español tiene cada vez más prestigio y el término taller es el preferido. Es que taller da una idea de trabajo duro, arduo y de obra trabajada minuciosamente, con amor al trabajo como el artesano medieval.
En el taller es dónde está reunida toda la parafernalia del artista, sus pinceles, pinturas, caballetes, libros, fotos, piezas recogidas en la calle, artículos de periódicos y revistas sobre él o sobre otros, y hasta objetos íntimos. En el taller es donde vemos el comportamiento primario del individuo artista, del ser que tiene que cohabitar con objetos y personas para crear imágenes, ideas y sueños.
- See more at: http://artelibre.diariolibre.com/?p=1045#sthash.bWTWe95G.dp


No siempre en un lugar amplio y confortable, pero en el colectivo imaginario el taller del artista es un lugar en el cual la fantasía se hace realidad. Lo cierto que este espacio fue, es y será un lugar diferente, bohemio y propio de creadores. 
Pinturas y fotografías de talleres de artistas plásticos y un texto muy oportuno de un blog amigo.



Una caja de sueños


¿Dónde trabaja el creador de arte, en cuál horno se cuecen las obras artísticas? La respuesta es clara, en el taller.
El taller se asocia con los gremios y tiene su origen en la Edad Media. Hasta hace muy poco el término taller estaba minusvalorado y se utilizaba el afrancesado Atelier, o más eufemístico el de Estudio. Hoy el idioma español tiene cada vez más prestigio y el término taller es el preferido. Es que taller da una idea de trabajo duro, arduo y de obra trabajada minuciosamente, con amor al trabajo como el artesano medieval.
En el taller es dónde está reunida toda la parafernalia del artista, sus pinceles, pinturas, caballetes, libros, fotos, piezas recogidas en la calle, artículos de periódicos y revistas sobre él o sobre otros, y hasta objetos íntimos. (Continúa)


EL TALLER DEL ARTISTA, UNA CAJA DE SUEÑOS.
¿Dónde trabaja el creador de arte, en cuál horno se cuecen las obras artísticas?. La respuesta es clara, en el taller.

Courbet, El taller del pintor


Toulouse Lautrec

Moisés Pellerano y María Amalia Pimentel en el taller de Chavón. Foto FC
El taller se asocia con los gremios y tiene su origen en la Edad Media. Hasta hace muy poco el término taller estaba minusvalorado y se utilizaba el afrancesado Atelier, o más eufemístico el de Estudio. Hoy el idioma español tiene cada vez más prestigio y el término taller es el preferido. Es que taller da una idea de trabajo duro, arduo y de obra trabajada minuciosamente, con amor al trabajo como el artesano medieval.
En el taller es dónde está reunida toda la parafernalia del artista, sus pinceles, pinturas, caballetes, libros, fotos, piezas recogidas en la calle, artículos de periódicos y revistas sobre él o sobre otros, y hasta objetos íntimos. En el taller es donde vemos el comportamiento primario del individuo artista, del ser que tiene que cohabitar con objetos y personas para crear imágenes, ideas y sueños.
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EL TALLER DEL ARTISTA, UNA CAJA DE SUEÑOS.
¿Dónde trabaja el creador de arte, en cuál horno se cuecen las obras artísticas?. La respuesta es clara, en el taller.

Courbet, El taller del pintor


Toulouse Lautrec

Moisés Pellerano y María Amalia Pimentel en el taller de Chavón. Foto FC
El taller se asocia con los gremios y tiene su origen en la Edad Media. Hasta hace muy poco el término taller estaba minusvalorado y se utilizaba el afrancesado Atelier, o más eufemístico el de Estudio. Hoy el idioma español tiene cada vez más prestigio y el término taller es el preferido. Es que taller da una idea de trabajo duro, arduo y de obra trabajada minuciosamente, con amor al trabajo como el artesano medieval.
En el taller es dónde está reunida toda la parafernalia del artista, sus pinceles, pinturas, caballetes, libros, fotos, piezas recogidas en la calle, artículos de periódicos y revistas sobre él o sobre otros, y hasta objetos íntimos. En el taller es donde vemos el comportamiento primario del individuo artista, del ser que tiene que cohabitar con objetos y personas para crear imágenes, ideas y sueños.
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martes, 14 de octubre de 2014

Las águilas de Roma I y II



El nuevo éxito del dibujante de El Escorpión, Rapaces y Gipsy: Enrico Marini. El Imperio romano se encuentra en máxima expansión y esplendor, y gracias a las batallas ganadas y a los múltiples acuerdos llegados, los territorios bárbaros han sido reducidos y convertidos en simples vasallos. En este marco, dos jóvenes neo romanos, uno hijo de bárbaros asociados y el otro hijo de un romano y una bárbara, aprenderán el valor de la amistad, los trasfondos del Imperio y se convertirán en los nuevos héroes de un Imperio en cambio. La última obra de Enrico Marini narra cómo dos hermanos de sangre aprenden el camino de la rectitud romana y descubren el destino que la diosa fortuna les depara.


lunes, 13 de octubre de 2014

La pintura de Tong Luo, los niños y las tareas de casa.

 
La pinturas son de Tong Luo 


Encontré esta publicación de un blog que recomiendo y que siempre le estoy "robando" artistas.


"Lo reconozco, en casa soy de las madres que recoge todo lo que encuentra en su camino… botas, juguetes, restos de comida, papeles, gafas… mientras la dueña de las botas, juguetes y chupa-chus a medio comer está tumbada en el sofá.   Soy de las madres que gruñe, se queja y da unos cuantos gritos  porque cada día se tropieza con la mochila del colegio que puede estar en cualquier sitio… pero que no hace nada práctico para solucionarlo. Flor de Canela  es muy colaboradora, siempre  ayuda, pero cuando se lo pides o quiere… Le asigno tareas que luego hago yo… porque la veo pequeña, tiene que hacer los deberes o ir a la cama que es muy tarde, o porque es más rápido si recojo yo… Lo se. Asumir tareas es necesario, sano, ayuda a crecer, a la autoestima, etc. etc.


thejourney_2

 

Se que en el fondo me apego a la niña pequeña, me gusta que dependa de mi y no dejo de ver incrédula lo mayor que se está…¡Está siendo tan breve la infancia de mi hija¡ Perdí su tres primeros años (sigue doliendo esta pérdida) , y los siguientes cuatro  años fueron tiempos de desconcierto, de pelear duro para ganármela, para que me permitiera ser su madre… y ahora  veo que tengo que empezar el camino contrario…  el de soltar para que empiece su propio camino… 
En realidad solo quería traer a este cuaderno el práctico y orientativo esquema del blog Mama, estudiante y ama de casa sobre las tareas  que pueden realizar los niños en casa según su edad."

 

 

Enseñar a los niños a colaborar en casa les da muchos beneficios como el apreciar el valor del trabajo y el esfuerzo, la responsabilidad, el aprender a cuidar mejor las cosas y el trabajar a veces en grupo.


Qué pueden hacer los niños en la casa

Aunque cada niño se desarrolla a su ritmo os dejo un listado de tareas que se les puede ir dejando a los niños según su edad (iré ampliando este tema con otras entradas en los próximos días y semanas)

-Un año: Recoger sus juguetes Intentar limpiar (como juego) algo que se derrama, el polvo,..

-Dos a tres años: (además de lo anterior) Ayudar hacer las camas Ayudar a dar de comer a las mascotas Ayudar a poner la lavadora metiendo la ropa Ayudar a llevar la ropa sucia al cesto Ayudar a poner las cucharas y servilletas en la mesa Ayudar a sacar cosas del lavavajillas (con 3 años)

-Cuatro a cinco años: (además de lo anterior) Hacer su cama (solito aunque lo haga regular y al principio necesite ayuda) Poner y quitar la mesa Ayudar a quitar el polvo Limpiar lo que se derrama o cae al suelo Ayudar a colocar su ropa en sus cajones

-Seis a ocho años: (además de lo anterior) Ayudar a doblar la ropa Colocar su ropa en sus cajones (sin ayuda) Ayudar a sacar la basura Ayudar a barrer la cocina después de comer (las migas) Regar las plantas

-Nueve a diez años: (además de lo anterior) Lavar los platos a mano o cargar y descargar el lavavajillas Preparar comidas sencillas (desayunos, meriendas,..) Ayudar a cambiar las sabanas de la cama Repasar los baños con mamá o papá Ayudar con el trabajo del jardín Ayudar a limpiar el coche

-Once años y más: Ir dándoles más margen para que hagan las mismas cosas que podría hacer un mayor (pasar aspiradora, barrer...

 

 

domingo, 12 de octubre de 2014

Ser o no ser (artista)



¿Para qué ser artista? ¿Sirve de algo el arte? ¿Sería muy diferente en mundo sin el arte? Millones de personas se dedican a alguna actividad artística y otras tantas lo disfrutan.
Me hacía estas preguntas cuando me encontré con este texto que reproduzco. No concuerdo con todo ni me responde todas las preguntas, pero plantea cosas muy interesantes y está bien escrito. Lo comparto.




Por Iram López Cruz


Recuerdo que cuando se hablaba de artistas, sobre todo artistas plásticos la imaginación volaba y veía un mundo muy curioso donde la libertad y el libertinaje estaban presentes en cada acto de la vida de un pintor. Mucha diversión simple, muchas mujeres, muchas reuniones, noches largas en donde el pintor aún con los vapores de alcohol y sexo trabajaba en lo que le hacía feliz: Pintar, sólo pintar ahí, en soledad, en su buhardilla iluminada por la luna o por un pobre y viejo foco de luz o incluso con velas débiles, muerto de hambre pero saciado de Arte y poesía de la vida, borracho de alcohol y vida y esperanzas, vacío del estómago pero lleno de ideas e ilusiones. Recuerdo que intenté ser esa clase de artista, aún cuando soy un abstemio y que ni un cigarro fumo y aún con la nada afortunada vida amorosa que mantengo aún el día de hoy. Pero recuerdo que intentaba recrear ese mundo bohemio, lleno de pláticas largas, noches de discusión y puntos de vista; sólo que…no estaba en un país, ni en un lugar, ni en una época tan románticos; mi vida era la de un estudiante de arte en la Escuela Nacional de Pintura. Escultura y Grabado “La Esmeralda”; ahí en esos 19 ó 20 años intentaba recrear la romántica vida de artista que suponía debía ser o que al menos había imaginado, pero que realmente no existía, no era real.


sábado, 11 de octubre de 2014

Las grandes huertas de Xue Zhiguo



Si a usted le gusta el arte y quiere ser un pintor realista (y un buen pintor realista) le advierto que su personalidad poco a poco puede sufrir ciertas y extrañas patologías.
Estos son artistas que en el ánimo de procurar la perfección no descansan hasta conseguir lo que se han propuesto, y en este afán, pueden quedar retazos de salud resentidas. Por lo general los pintores realistas son obsesivos y su quehacer más que un relax placentero se convierte en un sufrimiento.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas




Sin embargo, no me atrevo a afirmar (aunque lo parezca) que este sea el caso de Xue Zhiguo. Nuestro artista chino de hoy nació en la  provincia de Shandong, en 1957. Se graduó en el departamento de pintura al óleo en Luxun Academia de Bellas Artes en 1983. Es miembro de la Asociación de Artistas de China, vicepresidente de la Asociación de Artistas de Heilongjiang y director de la pintura al óleo de Arte Comité. Fue editor de arte del Diario de Heilongjiang en 1983 y fue transferido a la Asociación de Arte de Heilongjiang en 1992. Él es el director del estudio creativo en el Salón de Arte de Heilongjiang.





Si a un artista le preguntan quién es, debe mostrar su obra y decir: “esto soy”. Y Xue Zhiguo tiene mucha obra que mostrar. Es un apasionado y trabajador incansable; también un obsesivo. De otra forma no se puede entender esta serie de pinturas con un tema reiterado una y otra vez, siempre relacionado con los cultivos de verduras.
Una obra de arte tiene valor por su originalidad o por el nivel inigualable que le otorga el talento del artista. Es decir, en un objeto unico producto del genio de un solo hombre, y en eso reside su valor.




Concluyendo, si usted quiere ser un pintor realista como Xue Zhiguo piénselo dos veces. En una de esas, es mejor hacer lo que muchos siguen haciendo: rayas y manchitas, y no correrá ningún riesgo de que su salud se deteriore.


jueves, 9 de octubre de 2014

Amor lésbico en el arte


La imagen de dos mujeres amándose ha sido -hasta hace poco- un tema tabú en las artes plásticas. Casi siempre oculto y a la sombra. Sólo a mediados del siglo XX, los museos aceptaron pinturas de mujeres desnudas compartiendo un lecho o simplemente abrazadas besándose.
Texto de unos amigos que también se han atrevido con el tema.

Mural romano.


El amor lésbico en la historia del arte

La representación de la mujer se remonta a la prehistoria. Desde que los humanos descubrieron el poder del trazo, de la línea y del color, comenzó el periplo de la imagen femenina, el cuerpo femenino se hizo objeto de deseo, pero siempre bajo la mirada y la perspectiva masculina; en ese sentido la Historia del Arte ha forjado la representación de la mujer y su realidad siempre desde la masculinidad. La mujer en el arte es una visión del hombre, su representación que es mucha, están silenciadas por la ejecución del macho patriarcal y las pocas mujeres que tuvieron la valentía de pintar su cuerpo y sus realidades estuvieron atadas por los convencionalismos y directrices de un mundo hecho por el hombre.


  
Francois Boucher.

La obra de arte, o mejor dicho una obra de arte no es un elemento neutral e inocente, una obra de arte es un poderoso instrumento de ideología, una obra de arte es un testimonio cargado del pensamiento que refleja su época y habla muchísimas veces, por no decir toda, del discurso dominante en la sociedad en que fue creada. Y muy a menudo la Historia del Arte presenta conceptos como si fueran la única verdad, enuncia verdades como absolutas cuando en realidad reflejan tan sólo una perspectiva concreta, que es  el pensamiento del hombre blanco. La Historia Universal nos presenta lo masculino como la norma del género humano y lo que es peor de todo lo masculino y lo femenino visto desde el ángulo reprimido del rancio machismo.

miércoles, 8 de octubre de 2014

Guerreros que compiten con la Muralla China

 

Nota de la Redacción


Nota publicada en el blog Resistencia Realista


El 12 de diciembre de 2011


El ejército de terracota fue enterrado en formación de batalla en tres fosos, un kilómetro y medio al este de la tumba del Emperador. Enterrando estas estatuas se creía que el emperador seguiría teniendo tropas bajo su mando.

Soldados de barro                  

Así como la religión y el poder político han instigado a la creación artística, la guerra, que es opuesta al arte porque destruye lo que otros crean, también ha motivado a los artistas.
Los guerreros de terracota son, quizá, uno de los mejores ejemplos. Este es un monumental conjunto de soldados y caballos. Más de 7000 figuras de terracota a tamaño real, que fueron enterradas cerca del autoproclamado primer emperador de China de la Dinastía Qin, Qin Shi Huang, en 210-209 a. de C.

El primer foso fue descubierto en 1974 de forma casual. En esa zona se había encontrado ya algunos restos a los que no se les había dado demasiada importancia hasta que la noticia del hallazgo de un nuevo foso llegó a oídos de un arqueólogo que inició la excavación.

Actualmente se encuentran dentro del Mausoleo de Qin Shi Huang, también conocido como Mausoleo del Primer Emperador Qin, y fueron descubiertas durante unas obras para el abastecimiento de aguas de regadío cerca de Xi'an, provincia de Shaanxi. Desde el año 1987 están considerados como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Las figuras son de tamaño natural: miden 1,80 m. de altura y están equipados con armaduras fabricadas también con terracota. La fosa se abrió al público en 1979.

Cada una de estas figuras tiene rasgos y características diferentes: bigotes, peinados, jóvenes, viejos, rasgos de etnias diferentes. Las cabezas y las manos se moldeaban aparte y luego se añadían a los cuerpos. Los uniformes reflejan también los rangos militares a los que pertenecen. Cada soldado llevaba un arma: arcos, lanzas, espadas, etc. Tras la caída de la dinastía Qin, los campesinos saquearon la tumba y robaron estas armas. Las figuras son de colores vivos y brillantes, pero este color se pierde apenas a las cinco horas de exposición al aire, debido a la oxidación. Se está buscando una técnica que permita mantener los colores originales; por el momento, se ha pospuesto la excavación de nuevos guerreros.


En 1980 se descubrieron dos carros de bronce pintados. Cada uno de estos carros está formado por más de 3.000 piezas. Los cuatro caballos de cada carro están guiados por un conductor imperial. Según algunos estudios, el primero de estos carros serviría para allanar el camino del séquito del emperador mientras que el segundo sería el carro en el que el monarca dormiría. Los carros, a la mitad aproximada del tamaño real, tenían incrustaciones de plata y oro.
Ha sido tan grande el impacto provocado que se ha convertido es un hito incuestionable del patrimonio cultural chino y universal. Tanto que los guerreros de terracota en pocos años han pasado a competir con la Gran Muralla China en atracción turística.

Pinturas de Sun Yongyin
 

Por otra parte, este descubrimiento ha inspirado a artistas como el pintor Sun Yongyin que ha dedicado parte importante de su obra a su representación.

Masters de tenis de Shanghai                      


 Los competidores a la Copa Masters que se disputó en noviembre  de 2007 en Shanghai fueron inmortalizados como guerreros de terracota, un símbolo de la historia china.
 
 
Rafael Nadal y su escultura.

De barro a chocolate
                                    
La última novedad para el turismo: guerreros de chocolate.

Una exhibición con réplicas en chocolate de los guerreros de terracota de la antigua China se inaugura esta semana en Taipei.
La exhibición llamada "World Chocolate Wonderland" llega luego de una exhibición anterior de ´arte en chocolate´ presentada en Beijing y que atrajo a más de 400 mil visitantes, según Artsource Corp, compañía organizadora de la exposición.
La atracción principal de la muestra, que abre el sábado próximo y va hasta fines de septiembre, será los más de 400 mini guerreros de terracota hechos en chocolate, cada uno de 35 centímetros de altura.
"La gente que visita la exposición sabrá que el chocolate no sólo es comestible sino que también puede ser utilizado como material en el arte", dijo el portavoz de la compañía Sherry Wung.
En la muestra también se podrán apreciar réplicas de los edificios más emblemáticos de Taipei como es el Taipei 101, uno de los rascacielos más altos del mundo. Además los visitantes también podrán apreciar una maqueta de chocolate de la Gran Muralla China, la que fue mostrada por primera vez en enero en Beijing.
La muestra se exhibe en una sala con temperatura controlada para evitar que el chocolate se derrita.