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jueves, 25 de diciembre de 2014

Lo mejor de 2014

Se termina el año y el balance es positivo. Los antiguos amigos de Resistencia Realista ahora nos han reencontrado en este blog y siempre están acompañandonos en lo que creemos han sido, son y volverán a ser las artes plásticas. 
Sin embargo, muchos de los que están en la vereda del frente se han sentido ofendido por el fuego de nuestra artillería realista. Todos somos unos apasionados del arte y en esa pasión muchas veces se nos cae una palabra de más... Y en el fragor de la lucha, no siempre tenemos razón.


Por Rubén Reveco
Licenciado en Artes Plásticas


En esta fecha, ofrecemos un resumen de los conceptos más relevantes del año que se va. Es para refrescarnos la memoria y reiterar que por más talento que tengan los artistas, también deben saber defender lo que hacen.
Si no pasa que cualquiera se la cree; que puede ser artista y lo peor, afirmar que lo que hace es importante.




Los mejores "2015"


Arte y locura

Si el éxito en arte está relacionado con la locura, entonces la fascinación tiene mucho que ver con la morbosidad. Casi todo lo escrito sobre esta artista japonesa hace mención a su problema de tipo mental y que desde 1973 está internada en un hospital psiquiátrico. ¿Esta triste situación le confiere un valor adicional a su obra?
Esto me recuerda inevitablemente a lo vivido por Van Gogh. Sólo que en el caso de nuestro querido Vincent las artes plásticas no eran aun degradadas por el mercantilismo obsceno del siglo XXI. 
Lo que se menciona muy poco es que Van Gogh no pintaba cuando tenía sus crisis, sólo lo hacía cuando se sentía bien o recuperado. Armonía, equilibrio compositivo, unidad cromática son sólo algunos componentes de la pintura a través de la historia y todos estos elementos -tan propios del arte- están presente en la obra de Vincent van Gogh. Ninguna de sus pinturas es el resultado de la esquizofrenia o de un ataque de epilepsia. La locura no produce arte; el artista sí.






Los unos y los otros

¡Dejen a las artes plásticas tranquilas! parece ser el reclamo de la conocida crítica mexicana Avelina Lésper. En su último artículo hace un llamado a los organizadores de bienales y los acusa de desvirtúar los concursos de artes plásticas "y los convierten en certámenes de artes visuales para incorporar videos, objetitos, performances y todo lo que el estilo contemporáneo VIP llama arte".




Señora Lisa, ¿quién es realmente usted?

                         
Aquí reproducimos tres imágenes de la Gioconda. Obviamente que no podemos acceder al original, pero no crean ustedes que la expuesta en el museo del Louvre se ve mejor que estas. En 500 años ha perdido su color original. Si la miramos en detalles muchos sectores están resquebrajados por exceso de pintura y amarillenta por exceso de aceite. Lo que vemos ahora no es lo que vieron los contemporáneos de Leonardo, pero la esencia sigue siendo la misma: el retrato de una mujer sentada en un sillón con el brazo izquierdo apoyado en el asiento. ¡Primera sorpresa, la Mona Lisa está sentada!
Cuando Leonardo de Vinci empezó a pintarla en 1503, hacía once años de que Europa había descubierto un  Nuevo Mundo y de lo que sería la Argentina (desde donde escribo estas líneas) sólo se conocía parte de la costa Atlántica. Descubrimiento que había realizado el navegante italiano Américo Vespucio. Italiano, florentino y coetáneo de Leonardo. Prácticamente nacieron en el mismo año.
En 500 años ha salido muy poco del Louvre. En 1911 se la robaron y durante dos años estuvo desaparecida. El ladrón la mantuvo oculta en Italia y aduciendo razones nacionalistas, pretendió rescatarla para su país. En la década del 60 viajó a Estados Unidos y en 1974, a Japón. Desde esos años. La Mona Lisa no va al mundo, el mundo va a la Mona Lisa.





Donde no hay emoción, todo es posible

Si hay algo destacable de los artistas llamados contemporáneos es el total desapego por la admiración que pueda o no causar la obra. Ahora que se vive en la era del "me gusta", llama profundamente la atención que estas personas presenten objetos como si fuera arte y que en la mayoría -expertos o simples espectadores- no aparezca ni un atisbo de emoción.
La emoción -que es una reacción involuntaria ante la contemplación de una obra de arte- genera a la vez admiración. Una especie de retribución del espectador hacia el artista; con la admiración se agradece ese momento vivido ante el objeto que tanta emoción (y lágrimas) ha provocado.






Una caja de sueños

No siempre en un lugar amplio y confortable, pero en el colectivo imaginario el taller del artista es un lugar en el cual la fantasía se hace realidad. Lo cierto queeste espacio fue, es y será un lugar diferente, bohemio y propio de creadores. 
Pinturas y fotografías de talleres de artistas plásticos y un texto muy oportuno de un blog amigo. 
¿Dónde trabaja el creador de arte, en cuál horno se cuecen las obras artísticas?. La respuesta es clara, en el taller. 
El taller se asocia con los gremios y tiene su origen en la Edad Media. Hasta hace muy poco el término taller estaba minusvalorado y se utilizaba el afrancesado Atelier, o más eufemístico el de Estudio. Hoy el idioma español tiene cada vez más prestigio y el término taller es el preferido. Es que taller da una idea de trabajo duro, arduo y de obra trabajada minuciosamente, con amor al trabajo como el artesano medieval. 
En el taller es dónde está reunida toda la parafernalia del artista, sus pinceles, pinturas, caballetes, libros, fotos, piezas recogidas en la calle, artículos de periódicos y revistas sobre él o sobre otros, y hasta objetos íntimos.




Sobre inocentes e ingenuos

Los que no conocen a Amalia Pica les cuento que es la artista neuquina más top de la vanguardia contemporánea. Ella estuvo  exponiendo en Neuquén -en el MNBA- en diciembre de 2013 y entre las genialidades que nos dejó fue pintar de blanco el caballo del general José de San Martín (Padre de la Patria). La “intervención artística” generó tanto revuelo que el intendente de la ciudad mandó a remodelar el Monumento para protegerlo de los “enchastradores profesionales”. No me quedó claro si se refería a nuestra artista o a los molestos graffiteros.
El asunto es que Amalia Pica regresó a Inglaterra, donde está radicada, y nuestro director del MNBA se quedó a dar explicaciones sobre lo que es o no es arte;  sobre lo que es vandalismo o expresión artística.








El misterio del abrazo: ¿experiencia erótica o química del amor?

Los hay entre hombre y mujer; entre padre e hijo; entre amigos. Puede significar amor, pasión, contención, simplemente cariño, o compasión. Lo cierto es que el abrazo es necesario, nos hace bien. Y las preguntas surgen, inevitables: ¿es una simple trasmisión de emociones, en la que el contacto físico se impone, o es un complejo proceso químico que nos despierta diferentes sensaciones?  ¿Qué rol ocupa el otro? ¿Cómo percibimos, nosotros, su significado?







¿Cuándo dar por terminada una pintura?

El proceso creativo se desarrolla de un modo muy lento y un artista muchas veces  trabaja a ciegas. No sabe dónde dar el próximo paso y eso muchas veces lleva a un callejón sin salida. Pero como decimos por este lado del hemisferio, “en cualquier momento salta la liebre”. Y en eso estoy, esperando que salte o dicho de otra forma, buscando la punta del ovillo para destrabar este asunto.








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