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martes, 31 de marzo de 2015

De blog a blog: El Dibujante 2.0




"El Dibujante 2.0" (en receso) ha sido uno de los blog de arte más interesante de habla hispana. El español Juan Muro es su creador y promete volver a editar esas notas tan interesantes a lo que nos tenía acostumbrado: "Lo sigo manteniendo abierto -expresa- pero cada día tengo mayor intención de completarlo con una sección de escultura"Actualmente embarcado en un gran proyecto escultórico, se tomó un tiempo para dialogar sobre el arte, el mercado y la importancia de la formación artística.


"Todo este proceso de arte es un permanente diálogo entre la piedra y el autor. Durante el trabajo creativo la obra es solo un esbozo, una idea sin concretar. Pero cuando se acaba, el autor deja de tener importancia, incluso la aventura que ha sido el proceso tampoco importa, la obra es todo lo que queda y debe transmitir sola, sin necesidad de explicaciones, el mensaje que el autor quiso contar a través de ella".



Por Rubén Reveco, Licenciado en Artes Plásticas


sábado, 28 de marzo de 2015

¡Ataque nudista!

"Urbanudismo" en el Día de la Mujer.


¡Éxito garantizado! El desnudo ha sido desde la Prehistoria un tema recurrente en el arte, pero hoy ha logrado un resurgimiento inesperado de la mano de audaces puestas en escenas de artistas que no son artistas o de vedette que quieren ser artistas o de artistas que quieren ser vedette. No sé, no lo tengo muy claro.
El asunto es que -30 mil años después de la Venus de Willendorf- no nos sorprendamos si por las callecitas de Buenos Aires nos encontramos con un par de chicas totalmente desnudas. Pongamos atención, no miremos para otro lado, porque ellas nos quieren decir "algo".
En esta oportunidad he traído la obra y el testimonio de una modelo (Paula Brindisi), una vedette (Andrea Ghidone) y una de las mayores referentes de la performance (Vanessa Beecroft). ¿Cuál es la diferencia entre una y otra?


Caminando desnudas por las calles del barrio. Están reuniendo voluntarios a través de Facebook para otra muestra de "urbanudismo".


1) Desnudas, en pleno barrio de Boedo, montaron una performance de "urbanudismo": un proyecto fotográfico que nació en Barcelona (España) en 2004 y que busca exponer las reacciones que genera en las personas ver a otras realizando acciones de todos los días, pero sin ropa. Tomar un taxi, salir de compras, sentarse a tomar un café, leer el diario...
En Buenos Aires, la productora fotográfica Paula Brindisi está detrás de este proyecto. Ahora su nuevo desafío es convocar a personas que se animen a posar desnudas y realizar una foto masiva... claro, antes de que lleguen los primeros fríos.
La idea es realizar una intervención urbana similar a las que ya hizo el famoso fotógrafo norteamericano Spencer Tunick (www.spencertunick.com), quien ha logrado reunir a miles de personas en diferentes ciudades del mundo para llevar a cabo sus instalaciones. En Buenos Aires, casi 500 personas se juntaron en la 9 de Julio para posar desnudas, recostadas, entre Avenida de Mayo y el Obelisco. Fue en abril de 2002.

domingo, 22 de marzo de 2015

Juan Medina: Sobre mujeres y pintura



El reconocido pintor mexicano se refirió a su arte, y a las musas que representa, en una entrevista exclusiva con Cultura Los Andes. “Lo que pinto es el tipo de belleza que me gusta, pero sobre todo es el estereotipo de belleza que les gusta a las mujeres de nuestra época”, sostiene el artista.


Por Camila Reveco - Diario Los Andes. Mendoza, Argentina.

El arte figurativo del siglo XXI hereda la poderosa impronta de la tradición y la de los grandes maestros, lo que implica un verdadero desafío para los artistas contemporáneos que pretendan seguir reivindicando este estilo. 
El pintor mexicano Juan Medina (1950) se siente atraído por el neoclacisismo del siglo XIX -viendo su trabajo se observa que admira a clásicos como Jean-Auguste-Dominique Ingres- y sale airoso del desafío. 
Este en un artista que recrea un universo -a veces imaginario, a veces gótico- pero siempre atravesado por los desafíos del dibujo y el oficio del buen artesano y del buen pintor; representando siempre a mujeres hermosas. 
-¿Se lo ha criticado por representar a los estereotipos de belleza? 
-Claro que sí pero rara vez fueron críticas hechas por mujeres quienes, como dicen los franceses estuvieran bien dentro de su piel

sábado, 21 de marzo de 2015

Los fotógrafos quieren ser artistas

Los fotógrafos Santiago Porter (tercero de izquierda a derecha) y Jorge Luis Campos (quinto) inauguraron en simultáneo en el MNBA, de Neuquén, Argentina. Una coincidencia curiosa, al menos. Los fotógrafos no sólo han copado los espacios expositivos vedados a otros, sino que lo hacen de a dos a la vez.  


El MNBA, de Neuquén, acaba de inaugurar dos muestras de fotografía. Un lenguaje expresivo que parece haber ocupado el lugar de la pintura realista y ganado el ingreso sin censura a los templos del arte contemporáneo. 
¿Qué ha sucedido?
La llegada de la fotografía en el siglo XIX y el paulatino desinterés de los artistas por lo que pasa a su alrededor ha provocado en la historia del arte esta singularidad marcada por el encuentro y desencuentro entre arte y fotografía.


Por Rubén Reveco
Licenciado en Artes Plásticas


Siempre ha estado claro: no es lo mismo una fotografía que una pintura. La primera depende de la mecánica, es el producto de una fracción de segundo y puede ser multiplicada infinitamente. La segunda -en cambio- depende de la capacidad de un artista para modelar materiales inertes, es de lenta realización hasta convertirse en un objeto único; irrepetible. 
Con esto no quiero decir que la pintura -por ser pintura- sea superior a la fotografía. ¡Nada que ver! ya que existe fotografía maravillosa y pintura horrible. 
A mediados del siglo XIX, cuando emerge la fotografía, la pintura abandona los temas típicos del romanticismo y clasicismo y nace el estilo realista. El artista preocupado por las condiciones de explotación y pobreza de sus semejantes representa esa dura realidad. Mientras tanto, la fotografía se dedica casi exclusivamente al retrato. 
Luego, los pintores impresionistas descubren el paisaje. La fotografía sigue siendo en blanco y negro y no se puede comparar con una pintura por más que se coloree. 
Durante la primera mitad del siglo XX la fotografía tiene su gran oportunidad de ser un medio expresivo importante. Es la cronista de una época convulsionada y nacen testimonios gráficos de las guerras mundiales de gran impacto en la sociedad. Sociedad que descubre en la fotografía lo que la pintura no le entrega, más preocupada de mirarse el ombligo que ver "qué pasa en el barrio". Para peor, los artistas se refugian de las bombas en el arte abstracto y el geométrico y se alejan más y más de la realidad. Las guerras generan miseria, terror y dolor pero los pintores están más preocupados de chorrear telas o hacer cuadraditos que de representar esos terribles momentos.
La fotografía hasta ese entonces no tiene pretensiones artísticas. El arte sigue siendo arte y la fotografía, fotografía. Pero cuando el relato decreta que las "artes plásticas" se llamarán "artes visuales", mete en una misma bolsa de residuo toda la basura del llamado arte contemporáneo. 
La fotografía aprovecha la oportunidad de ascender y jugar en primera división y -disimuladamente- se abre paso. Primero está en la banca esperando su oportunidad y ante el primer lesionado (pintura realista) entra a la cancha. La fotografía ayudada con las nuevas cámaras digitales y las nuevas técnicas de impresión puede hacer maravillas. Nunca más deja la titularidad.

Es por eso que en espacios como el MNBA los fotógrafos inauguran cuatro o cinco veces por año. Nada mal. La fotografía ya es arte y juega en las ligas mayores.



Fotografía de Santiago Porter.


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miércoles, 18 de marzo de 2015

Cesar Santos: clásico y contemporáneo





Aunque nació en Cuba en 1982, César Santos es un ‘ciudadano del óleo’ pues muy jovencito emigró a los Estados Unidos (en 1995 ya estaba en Miami), y allí comenzó a desarrollar sus inquietudes artísticas, pero recientemente le veíamos viviendo y trabajando en Suecia, donde ha enseñado con varios  talleres sobre la manera tradicional de dibujo y pintura en el Atelier de Estocolmo.

FUENTE: El Dibujante

Santos estudios en las artes visuales se inició en Miami en el Design and Architecture Senior High. Más tarde estudió en el Miami Dade College, seguido por New World School of the Arts, donde recibió su Título de Asociado en Artes Plásticas. Insatisfecho con el enfoque moderno de estas escuelas, salió de Miami y viajó a Italia en busca de una sólida formación en el arte de la pintura. Tras establecerse en Florencia, comenzó a estudiar en la Academia de Arte de Ángel, una academia de pintura que ya hemos recomendado en elDibujante en otras ocasiones (para quien pueda permitírsela, claro) bajo Miguel Ángel Juan, alumno de Pietro Annigoni, de quien hablábamos reciéntemente aquí. Allí se introdujo en las técnicas y métodos del Renacimiento, siglo XVIII, y los talleres franceses del siglo XIX.



Al graduarse, Santos regresó a Miami, donde construyó una carrera exitosa, pero ya digo que es un artista que no debe ubicarse en un emplazamiento fijo.  Su obra está en colecciones privadas y públicas de Europa, América Latina y América del Norte y continuamente da cursos en América y Europa.

lunes, 16 de marzo de 2015

Guillermo Lorca: “A la pintura la dieron por muerta"

“Casita de dulces II”, una de las obras más impresionantes (en el sentido amplio de la palabra) del artista chileno.

Influenciado por el barroco, con visos de romanticismo, el pintor realista chileno se refiere a su obra, las bienales y al panorama de las artes plásticas en general en esta entrevista exclusiva. “A la pintura la dieron por muerta”, dice.


Por Camila Reveco. Diario Los Andes, Mendoza, Argentina.

La obra del chileno Guillermo Lorca García-Huidobro (30) es un testimonio más de la permanencia y obstinación de un estilo de hacer arte: el realismo; que ofrece múltiples modos de ser abordado y se abre paso entre las variadas manifestaciones contemporáneas para “clavar su bandera”.
Los pintores jóvenes actuales se nutren del pasado, van a los museos, estudian la obra de clásicos como Francisco Goya, Eugenio Delacroix o Théodore Géricault y la recrean desde una visión más intimista -como en el caso de Lorca-, pero siempre con ese despliegue técnico del que pocos pueden hacer gala. 
Muchos de estos artistas buscan afuera lo que no encuentran en los ámbitos universitarios más preocupados por emular la moda “de lo efímero” que viene de Europa o ciudades como Nueva York. “Tenía discrepancias irreconciliables con varios profesores”, comenta el pintor. 


domingo, 15 de marzo de 2015

¿Alguien duda que el arte está en manos de los mercaderes?

En febrero el óleo Abstraktes Bild, de Richter se subastó en el precio récord de US$ 46 millones.



Muchos podrían pensar que la etiqueta de artista vivo mejor cotizado en el mercado pondría feliz al octogenario pintor alemán Gerhard Richter. Nada más lejos de eso. El artista que fue líder de la Nueva Pintura Europea, movimiento surgido a mediados del siglo XX, está desconcertado. 
“Nosotros los artistas recibimos casi nada de dicha subasta. A excepción de un pequeño bocado, todo el beneficio va al vendedor”, confesó Richter al periódico alemán.


Casi avergonzado y con ganas de cerrar las puertas de su estudio para no volver a saber de remates ni coleccionistas. Para Richter el resultado de la última subasta de Sotheby’s donde se vendió su cuadro Abstraktes Bild, de 1986, en US$ 46 millones fue simplemente “un exceso”, señaló en una entrevista con el diario alemán Die Zeit. “Cada vez que bato un récord mi reacción es de horror”, agregó. Cómo no, si él mismo ha confesado que la obra multiplica en 5 mil el coste original de producción. El artista se ha hecho conocido por  crear obras con una técnica relativamente sencilla: acumula capas de pintura en un lienzo que luego va retirando con un gran cepillo de madera o metal, mezclando zonas de pintura y tela. “Nosotros los artistas recibimos casi nada de dicha subasta. A excepción de un pequeño bocado, todo el beneficio va al vendedor”, confesó Richter al periódico alemán.
Las declaraciones contrastan con el brillante momento que vive el mercado del arte, en el que casas de subastas y galeristas celebran haber tenido su mejor año en ventas. Según el informe de la Fundación de Bellas Artes de los Países Bajos, organizadores de la TEFAF en Maastricht (la feria de arte más prestigiosa del mundo), en 2014 se vendieron obras por sobre los US$ 54.900 millones, es decir un aumento del 7% con respecto al 2007, el último año previo a la recesión económica. ¿Es que acaso se ha acabado la crisis? Al parecer no, pero sí es cierto que para ese 1% más millonario de la población mundial  el mercado del arte se ha convertido en el lugar más seguro de inversión. 
La conclusión más certera es que el mercado del arte va en franca alza y por ahora los precios son imbatibles. Ni siquiera sus propios protagonistas han sido capaces de hundirlos, así lo demostró el propio Gerhard Richter, quien hace poco quiso fijar una serie de grabados en US$ 2 mil, pero un galerista le aseguró que debía venderlos  por lo menos entre 10 mil y 20 mil dólares. “Fue algo así como que si vendes caro, debes seguir vendiendo caro. No puedes escapar del mercado”, declaró casi decepcionado al diario Die Zeit.

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jueves, 12 de marzo de 2015

Receso




Rubén Reveco informa que este blog entra en receso por 30 días, tiempo que le llevará poner "en forma" la obra que mostrará en el museo Gregorio Álvarez, de Neuquén capital, Argentina. Muchas gracias.


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miércoles, 11 de marzo de 2015

El realismo de Santiago Carbonell



El artista español (1960) es un trotamundos. Ha vivido en su país, Ecuador y Estados Unidos. Ahora radica en la ciudad mexicana de Queretaro. Desde 1985 ha participado en exposiciones individuales y colectivas lo mismo como escultor que como pintor. 

En lo que se refiere a la pintura Carbonell tuvo su punto de partida en el realismo del siglo XIX; hoy se mueve en el ámbito moderno del “fotorrealismo”, en el que alcanza un verdadero virtuosismo, sobre todo por la precisión y la exactitud de los detalles que pinta. Sus pinturas al óleo resaltan sobre la fina superficie del lino que emplea.
Sus desnudos cobran una vida muy intensa. Pero, mas que pintar mujeres solas, parejas, autorretratos, Carbonell capta sus actitudes, sus estados de animo e incluso sus pensamientos.
En sus paisajes, en los que prescinde por completo de la figura humana, da vida, mediante luces y sombras, a las rocas, los cerros. Los espacios se amplían gracias a los ocres, tonalidades que se inclinan a un sutil dorado.
La obra de Carbonell ha sido exhibida en Quito, Buenos Aires, Bruselas, Nueva York, Houston… En más de cinco ocasiones ha salido a subastas en las casas especializadas de Christie’s y Sotheby’s, ambas en la ciudad de Nueva York. 











El artista

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domingo, 1 de marzo de 2015

José Higuera prepara muestra para abril en Madrid




España sigue siendo la cuna y sostén del realismo en el mundo. En pleno siglo XXI muchos artistas jóvenes continúan apostando a este estilo de hacer arte: de frente a la gente, representando lo que conocen y preocupados por la problemática contemporánea.


José Higuera es un pintor realista español, nacido en Cantabria (1966). Desde su infancia muestra un gran interés por el dibujo y la pintura. Alentados por sus profesores y viendo su familia que su interés por el arte es cada vez mayor, no tardan en proporcionarle los materiales necesarios para sus primeros pasos dentro del mundo de la pintura por lo que a los diez años comienza a pintar al óleo. Toma su primer contacto con las técnicas más básicas, que en un principio le inician en el paisaje, debiendo señalar por otro lado, que su formación como artista es básicamente autodidacta, aunque con las inevitables influencias de los movimientos creativos que el va descubriendo y que van conformando su propio estilo, siendo la realidad en todas sus formas la temática que protagoniza toda su obra.




Alfredo Rodríguez: “Considero que el realismo es como la música clásica”




Esta semana en nuestra sección “Elige tu propia obra”, te presentamos el trabajo del pintor mexicano Alfredo Rodríguez, radicado en California. Un artista que representa la vida de los pueblos originarios de América del Norte con un nivel de maestría excepcional.

   
Por Camila Reveco - Diario Los Andes, Mendoza.

El dominio de la técnica, la capacidad compositiva y el nivel de expresión en los detalles son evidentes en la pintura de Alfredo Rodríguez (1951).
El artista mexicano, radicado en California desde 1979, apostó desde el inicio de su carrera por temáticas costumbristas y así reivindica la historia y la cultura de los pueblos de América del Norte, producto de un trabajo casi antropológico.
Rodríguez se inserta en las reservas indígenas para poder luego representar, con una gran carga emotiva, la cotidianidad, la forma de vida de los tramperos, jefes indios, mujeres y niños en su lugar natural, entre montañas y desiertos.
Recrea un escenario y entorno aún vigente y, a su vez, su pintura tiene una fuerte impronta de testimonio histórico.
Forma parte, junto a otros artistas de notable capacidad como Howard Terpning, Tim Gilleom o Karen Nolan, de una gran escuela de pintura étnica norteamericana.
El prestigio y posicionamiento que ha logrado Rodríguez reivindica el trabajo de todos aquellos que, a través del oficio, siguen apostando por el realismo, una forma de hacer arte que sirve como testimonio y da cuenta de su tiempo. En un estilo que, lejos de desaparecer, ha sabido mantenerse y revitalizarse. 


-A los seis años, su madre le regaló un juego de acuarelas que marcaría su vida para siempre. ¿Qué recuerda usted de ese momento?
-Mi madre me regaló un estuche de acuarelas sencillo, de sólo seis colores básicos: rojo, amarillo, azul, siena tostada, blanco y negro. Empecé a mezclarlos con agua y descubrí un mundo mágico de posibilidades. Vi cómo al mezclar el rojo con el amarillo se formaba el naranja. Al mezclar el azul y amarillo aparecía el verde... así empecé a descubrir por mí mismo un mundo de colores infinito... y todavía los sigo descubriendo, hasta la fecha.