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martes, 19 de mayo de 2015

Venecia: ¿Una bienal secuestrada por los ricos?

Pabellón español en Venecia.


Escribir sobre las bienales de Venecia, Sao Pablo y tantas otras, siempre me ha resultado un esfuerzo inconducente; templos del tonto solemne en el cual dudo algún día entrar. Sin embargo, existen, son convocantes, se hacen transacciones millonarias, la prensa habla de ellas y de vez en cuando aparece un "artista" que atraer las miradas porque su "obra" ha logrado escandalizar. 
El escándalo y el arte contemporáneo es un tema que trataré en el futuro, por ahora reproduzco este artículo aparecido en un diario y que nos representa cabalmente.



Escrito por Juan José Santos
Publicado en eldiario

La presente e irregular edición de la Bienal de Venecia está rodeada de polémicas, pero no debemos dejar que nos distraigan del problema principal que afecta al mundo del arte: ceguera, secuestro e hipocresía. La Bienal se ha convertido en una fiesta secuestrada por los ricos, donde el resto juega un rol secundario. Como ya lo decía Dave Hickey: “El cambio principal, del que la gente no se ha dado cuenta, es que ya no hay una clase media —hay una clase de cortesanos, que seríamos usted y yo—. 

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jueves, 14 de mayo de 2015

El realismo erótico de Riccardo Mannelli



Riccardo Mannelli (Italia, 1955) es un extraordinario dibujante y diseñador. Riccardo ejerce como profesor en el Instituto Europeo de Diseño, donde coordina el departamento de ilustración. Nos encanta su obra.
"Mi investigación artística -expresa- se basa en un profundo interés en el estudio del dibujo de cuerpos vivos. He dirigido mis habilidades artísticas principalmente hacia los retratos de personas maduras, consiguiendo una excelente experiencia y rapidez en la creación de mis obras".


Mannelli cursó topografía, quiero pensar que le haya ayudado a construir estas narrativas pictóricas con tanto realismo, y fue estudiante de arquitectura, pasó al activismo utilizando sus mejores armas, el dibujo y la comunicación visual, como no podía ser de otra forma en la Italia de los 80. Riccardo Mannelli ha sido Ganador del premio Forte dei Marmi per la satira política y está siempre presente en las principales revistas italianas satíricas y en los grandes periódicos de Italia y Europa.
En sus cuadros, Mannelli, a parte de destacar el erotismo por la belleza anatómica de los cuerpos, no en vano es profesor de anatomía en el Instituto Europeo de Diseño, aparecen dos formas distintas de acercarse al desnudo, al sexo.
La primera es cristalina, donde emergen escenas, momentos muy reconocibles, tremendamente íntimos y emocionalmente cercanos, donde contemplación, pasión, excitación nos transmiten sentidos y sensibilidades, son entendibles por cualquiera de nosotros porque son una constante, la constante, en nuestra vida. En estas obras aparece lo natural y espontaneo del ser humano.


(FUENTE)



martes, 12 de mayo de 2015

¿Por qué le hacen más cola a Kim Kardashian?

 La cola de Kim retocada con photoshop.

 La cola de Kim sin photoshop.

No es la primera vez que publicamos a Kim (aquí), lo que ya deberíamos considerar como un síntoma preocupante. Pero resulta que me ha llamado nuevamente la atención ese manoseo digital de sus partes íntimas para ampliarlas y ser un objeto mayor de deseo. ¿Para qué? pregunto yo, si basta y sobra con la real.¡Por favor, seamos realista!

La celebridad estadounidense sorprendió posando desnuda en pleno desierto y solo cubierta por unas capas de pintura blanca, en una sesión que protagonizó para el programa Keeping Up With the Kardashians, del Canal E!
Las imágenes fueron difundidas este domingo en el reality dedicado a su excéntrico diario vivir de las estrella y esposa del rapero Kanye West.
Pero no todo es glamour para Kim. También se dio tiempo para hablar de problema de salud que sufre. "Tengo psoriasis y no hay nada que pueda hacer al respecto, pero no hay razón por la que deba sentirme incómoda con mi cuerpo", dijo." Sólo quiero hacer cosas divertidas y artísticas", concluyó Kardashian, según reproduce el Daily Mail.

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sábado, 9 de mayo de 2015

Preservation, de Blake Little




El fotógrafo de retratos Blake Little cubrió a sus modelos de miel para su serie titulada "Preservation" ("Conservación"). 
Capturadas en movimiento, pero atrapadas en la viscosa miel, las modelos en "Preservation" empiezan a parecer esculturas móviles. 


La idea surgió cuando utilizó un poco de miel para una sesión de fotos más tradicional. Casi inmediatamente se dio cuenta cómo una mano impregnada de miel parecía haber quedado conservada en ámbar. 
Little buscó a modelos de diversas edades y con cuerpos diferentes. Descubrió que la miel tenía un "efecto democratizante". Transformando a los individuos en esculturas vivientes, los espectadores pueden olvidarse de los modos tradicionales de categorizar a la gente, y ver la idea de humanidad como un todo capturada en cada fotografía. 
En algunas fotos, la miel adquiere una forma diferente. En lugar de un elemento de conservación que captura a la vida, es una sustancia estimulante que da vida. De ella, nace un hombre. 
Como si fueran larvas saliendo de sus huevos, la lucha para nacer y encontrar un lugar en la vida queda capturada en esta poderosa imagen. Se agarran el uno al otro ciegos, esperando encontrar un sentido y seguridad en la compañía del otro. 
La serie completa puede comprarse directamente en la website de Blake Little.  También pueden adquirirse las fotos por separado. 


jueves, 7 de mayo de 2015

La pintura de Alberto Bali




Alberto Bali es un interesante y versátil artista argentino nacido en 1944 en Rosario, que ha vivido muchos años en Europa, 6 años en Londres y luego en París.


FUENTE: El Hurgador

Según comenta Ernesto Mallo en un apunte biográfico presente en el sitio web del artista, la obra de Bali "expresa diversas nostalgias con inquietante objetividad, como si hubiera un intento no deliberado de vencer al olvido. Al contemplar, por ejemplo, esos paisajes urbanos y campestres, el observador no puede menos que sentir la ausencia de la figura humana y comprender sensiblemente que quien falta allí, es uno mismo. Aun en sus retratos o en las galerías de ladrones logra transmitir, a través de sus personajes esa misma ausencia en el mirar."
A través de una serie de mails intercambiados con el artista, hemos compaginado con Shirley Rebuffo una entrevista que presento aquí, y que nos desvela algunas claves de su obra, visión e intereses artísticos.
Junto con este, un repaso a los referentes artísticos de Alberto mencionados en la entrevista, en un post complementario aquí.



lunes, 4 de mayo de 2015

Bill Bate: watercolor woman



Bill Bate nació en Liverpool en 1962 y es licenciado en Bellas Artes por la Escuela Central de Arte de Londres (ahora conocido como el Central Saint Martins). Su trabajo se centra en la figura humana. Mediante el uso de la luz, los brillos y los reflejos sus pinturas son las respuestas emocionales del cuerpo en movimiento bajo el agua.
"Me esfuerzo para escapar de los límites que el realismo puede imponer, logrando más expresión y menos restricción", declaró.





Sobre puritanas y feministas


El cuerpo desnudo sigue avergonzando a los seres humanos. Qué somos y cómo somos es un motivo de oprobio para los extremos ideológicos: las feministas y los puritanos religiosos. 


Texto de la crítica mexicana Avelina Lésper

Las unas y las otras

En Londres el debate nacional fue la decisión del tabloide The Sun de retirar los desnudos femeninos que desde los años setentas publicaban en la página 3 ante la presión ejercida por la feroz y mojigata campaña de una asociación feminista que clamaba por el derecho de la mujer a ser vista como algo más que un cuerpo. Al mismo tiempo la Royal Academy estrenó la exposición Rubens and his legacy.  Los argumentos en contra de las páginas de modelos desnudas del tabloide coincidían con las críticas a la exposición de Rubens. En el periódico The Independent al mismo tiempo dijeron sobre la exposición “son refinados trabajos de pornografía para el placer del rico patrón en el que la mujer es el sujeto de dolor y denigración”; y la columnista Alibhali-Brown afirmaba que las modelos de la página 3 en The Sun eran para “el hombre de las cavernas que recorre el papel y babea sobre los cuerpos semi desnudos de las modelos”.  A principio del siglo XX las sufragistas inglesas entraban a la National Gallery para atentar contra las pinturas de desnudos porque según ellas el arte cosificaba al cuerpo femenino. En este extremo la humillante esclavitud de una mujer que viste un burka que la oculte en cada centímetro coincide con los ideales del puritanismo feminista. 


Con ese ambiente, ver y gozar de la exposición de Rubens es un acto de libertad, apreciar la dimensión que cobra la presencia corporal del ser humano cuando el arte la estudia, la analiza y la recrea para mitificarla.  La curaduría mostró la influencia de Rubens a través de los siglos en distintos artistas dividiendo los temas en Violencia, Poder, Lujuria, Compasión, Elegancia y Poesía. La estancia temporal en un cuerpo, padecerlo, poseerlo y ser poseído como símbolo, encarnación y provocador de la Historia misma. La obra de Rubens es un cuerpo que se reinventa en cada lienzo, que muta y renace, es una pintura palpitante que suda, gime, se retuerce de furia, risa, placer y dolor. Lo que Rubens pintó, desde un paisaje en el bosque, hasta el purgatorio que vomita cuerpos que caen en una orgía, es la exaltación de la vida, de lo que se transforma y genera sensaciones. La enseñanza de Rubens, el legado que influenció a generaciones de artistas es su acercamiento al cuerpo, su descubrimiento de la piel como soporte de la narrativa de la existencia.
El cuerpo es portador de atributos, valores y sueños, los demuestra, es mito y cruza triunfante en carruajes jalados por el pueblo, con ángeles que coronan al rey en el Triunfo de Enrique IV, o es un mártir que soporta la crucifixión con los brazos dóciles. 



La total aceptación de que esa carne con sus protuberancias nos da un lugar efímero para estar, para transitar por esta realidad y sentirla llega a la apoteosis con el desnudo voluptuoso, con Angélica dormida, invitando al anciano eremita que la observa a recostarse al lado de su tibia respiración y soñar con ella; o con la vulnerabilidad de Venus que tiene frío, y queremos arropar al celestino Cupido que temblando trata de cubrirse, Rubens  juega con el doble sentido de  frialdad y frigidez, para enfatizar que esa escena sucede en la intimidad de Venus la pinta de espaldas a nosotros, ella gira el rostro avergonzada, rechazando al sátiro Liber que le ofrece afrodisiacos espárragos y alcachofas. La insaciable representación de esta innegable condición humana desencadenó que Francois Boucher pintara Pan y Syrinx la ninfa que será convertida en agua por las ninfas del río, recostada cómplice con otra ninfa, compartiendo la pureza del sexo que se entrega.



Rubens nos acerca con lo que somos, nos describe el fatalismo de habitar una materia de la que nos despojamos cíclicamente, dejamos el cuerpo infantil para tomar el de adulto hasta ver como el desgaste de vivir nos convierte el algo que nunca esperamos. El puritanismo activista hace proselitismo para que el ser humano desprecie su propia condición y Rubens responde a esto con una piel brillante, suave, desbordada, deseosa de que la existencia la devore. 

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