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jueves, 30 de julio de 2015

PRONTO: Lo mejor y lo peor del MNBA de Neuquén



De acuerdo a lo establecido por el Consejo Internacional de Museos (ICOM), órgano de la UNESCO, el museo se define como:
"Una institución permanente, sin fines de lucro, al servicio de la sociedad y de su desarrollo, y abierta al público, que se ocupa de la adquisición, conservación, investigación, transmisión de información y exposición de testimonios materiales de los individuos y su medio ambiente, con fines de estudio, educación y recreación".


¿Qué es un museo y cuáles son sus funciones?

1) Coleccionar: Cada museo debe tener una política clara sobre su colección que especifique el tiempo, tema y la extensión de la misma. La colección es el instrumento de enseñanza más valioso del museo y en muchos casos, su razón de ser.
2) Conservar: Un museo tiene el deber fundamental de velar por su colección. Conservar no significa únicamente el mantenimiento físico de un objeto. Implica también la seguridad o forma de protegerlos, así como los debidos registros y acopios que cada museo debe tener para garantizar que los objetos no se pierdan ni se deterioren.
3) Estudiar: La investigación es un examen profundo de la colección, que tiene como meta descubrir la mayor cantidad de información posible sobre los objetos que la componen. Esta labor repercute en la función educativa, puesto que el público se beneficia al recibir información más acertada.
4) Exhibir: El complemento final de las funciones antes mencionadas es la exhibición. EI museo debe poner a la disposición del publico su colección, debidamente conservada, y proporcionarle información sobre la misma, producto de sus investigaciones.
5.- Educar o interpretar: Dentro del contexto museístico, la enseñanza se lleva a cabo por medio de la colección, utilizando como instrumento la observación crítica y, donde sea posible, la percepción multisensorial. Este tipo de enseñanza práctica, complementa la teórica y permite que el visitante deduzca información del objeto en sí, directamente.

Pronto

Como se ve, las funciones de un museo son varias y muy buenas. Próximamente nos ocuparemos de una en particular: la colección en exhibición del MNBA de Neuquén.


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miércoles, 29 de julio de 2015

Todos quieren hacer negocio con Vincent van Gogh

Fotografía y autorretrato de Vincent van Gogh.


Hoy se cumplen 125 años de la muerte del pintor holandés Vincent van Gogh. A cualquier estudiante de arte su leyenda de pintor pobre y loco le impacta fuertemente. Sin embargo, con los años se comienza a descubrir un complejo y morboso sistema especulativo que ha hecho de Van Gogh una de sus víctimas preferidas.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

El famoso escritor francés Guy de Maupassant escribió en 1885 El Buen Mozo (Bel Ami). En una parte del libro dialogan el dueño del diario La Vie Francaise y George Duroy (el protagonista). El primero le muestra su colección de pinturas y le dice:
“Este es mi salón. Ahora estoy comprando pinturas de los jóvenes, de los más jóvenes y las guardo en mis habitaciones íntimas, en espera de que sus autores sean célebres.
Y añadió muy bajito:
-Este es el momento de adquirir cuadros. Los pintores se mueren de hambre. No tienen un céntimo…”
Este fragmento revelador pone fin al mecenazgo filantrópico en las artes y marca el punto de partida a la especulación financiera. De ahí en más, la pintura, en especial, dejará de apreciarse como un objeto artístico para pasar a ser un bien de mercado. Esto impulsará a una puja que llevará a la producción de los impresionistas en adelante a ser valorizada cada año en subastas y remates.
Vincent van Gogh ha sido la víctima preferida. Una, por la cantidad de obra producida y otra, por su leyenda trágica. De algún modo los opuestos de "no vendió ni una sola pintura en su vida" y los valores millonarios en que se venden ahora, hacen que el morbo sea un disparador que ayuda a que toda noticia de un nuevo récord en una de sus pinturas nos llegue como una fuerte bofetada. A tal extremo, que muchos creen que el valor especulativo de sus obras está íntimamente relacionado con su valor artístico. Mientras más caro creen que es mejor.
Los mercaderes han hecho de ese pintor sufrido y querido en nuestros años de estudiante, el paradigma de los especuladores.

Hay un cuadro suyo entre los diez más caros del mundo: "El Retrato del Doctor Gachet" hoy vale casi cien millones de dólares.
“Lo curioso es que prácticamente nadie lo conocía cuando murió”, dice el director del Museo Van Gogh de Amsterdam, Axel Rüger. A 125 años de su muerte, las cosas cambiaron: la cara de Van Gogh ilustra desde camisetas a tazas de té, mientras que en las paredes de numerosas casas cuelgan reproducciones de sus Girasoles y sus obras sirven de inspiración en las pasarelas de alta costura y en aplicaciones de smartphones. 



sábado, 25 de julio de 2015

¿Por qué León Ferrari no me gusta?

Actualmente se está realizando una exposición en Buenos Aires sobre su obra. En el Mamba, desde luego.

Esta "vaca sagrada" del arte contemporáneo argentino es muy mala. Sé que para muchos esto que digo puede resultar iconoplasta. ¿Cómo se va a tirar contra León sin el riesgo de salir rasguñado? Pero resulta que nuestro supuesto artista reivindicó con su obra una forma de protestar contra ciertos valores culturales de Occidente. ¿Cuál podría ser el problema -entonces- que se lo critique del mismo modo?


Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas

No sabía dibujar y era un pésimo artista plástico, pero supo estar en el momento y lugar exacto y adecuado. Desde que regresó definitivamente a la Argentina en 1991, León Ferrari (1920-2013) realizó el circuito ideal de cualquier artista contemporáneo: 
1) En 1995 obtuvo la beca Guggenheim. En 2006 fue invitado especial en la Bienal San Pablo.
2) En 2007, su obra más reconocida, La Civilización Occidental y Cristiana, creada en 1965, ganó el León de Oro en la 52º Bienal de Venecia.
3) En 2009 el MoMA exhibió una retrospectiva de su obra que se presentó luego en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid.
4) En 2012 recibió el Premio Konex de Brillante al artista más destacado de la década en la Argentina y el de Platino en la disciplina Arte Conceptual: Quinquenio 2002 - 2006. También obtuvo un Premio Konex Diploma al Mérito en 1992 y 2002.
Lástima que el Instituto de Tella ya no existe porque sino le seguiría poniendo plata como lo hizo en la década del´60.
Todos estas instituciones -más la prensa aduladora- hicieron de este pobre hombre -junto a Marta Minujín- la apoteosis del arte contemporáneo que protesta contra lo establecido (se critican ellos mismo, que son lo establecido). 
Su fuerte crítica a la Iglesia Católica causó gran controversia en la Argentina, generando un intenso debate sobre arte y libertad de expresión en el que estuvo involucrado el Papa Francisco, Jorge Bergoglio, en aquel momento arzobispo de Buenos Aires.

Su obra más controvertida: "La Civilización Occidental y Cristiana", presenta a un Cristo crucificado sobre un bombardero estadounidense. De más está decir que ni el avión ni el Cristo fueron creados por Ferrari; es sólo un ensamble de piezas.

Canapé a gusto de curadores 

"En Ferrari hay un rol provocativo y escandaloso que algunos tratan de soslayar, pero que es fundamental para que el mundo del arte no se alimente solo en el mundo del arte, que perfore esa burbuja de expertos y realmente tenga resonancias en el resto de la sociedad", así se expresa Andrés Duprat. Este es un supuesto artista, funcionario político-cultural y curador (esos que han enfermado al arte).  Pero se equivoca ya que nadie trata de soslayar lo "provocativo y escandaloso"; el arte contemporáneo vive de eso. Al no haber arte, el escándalo es lo que lo sostiene. De no existir escándalo, León Ferrari no existiría.


Considerando que "Civilización Occidental y Cristiana" tuvo tanto "éxito", le siguió una serie de objetos intervenidos de igual temática. Pero claro, ya no sería lo mismo.


Su gran aporte al MNBA de Neuquén. A pesar de ser una escultura para ser tocada y que los fierros al tocarse emitan un sonido, las autoridades del museo le agregaron un cartelito de "no tocar".



Se mira pero no se toca

"Quisiera remitirme a un ejemplo de este "desacierto"; en la Patagonia, en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) de la ciudad de Neuquén.
En el interior del museo, en el hall de acceso, hay una de las numerosas esculturas sonora del artista León Ferrari titulada "Berimbau" (1980-2005) -su interpretación del instrumento de origen angolano que el artista materializó en diversas versiones desde 1980- que consiste en una majestuosa pieza con base de madera y varas de acero clavadas en ella, la cual fue pensada expresamente para que el público pudiera tocarlas, ya que en ese acercamiento literal y físico, radicaba su magia.
De hecho, varias esculturas sonoras construidas por Ferrari han sido emplazadas al aire libre, redoblando así la intención de sacudirse del corset procedimental que en general plantean las instituciones museísticas, en lo que se refiere al cuidado y la exhibición de las obras.
Es el caso por ejemplo, del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) que exhibió durante un tiempo una escultura en la terraza, o el Parque de la memoria ubicado en Buenos Aires, a orillas del Río de la Plata, que desde marzo de este año alberga otra de las esculturas sonoras.
En el MNBA de Neuquén en cambio, la escultura sonora tiene un rotundo cartel: "Se ruega no tocar las obras". Cuando consulté a uno de los empleados del museo sobre esta prohibición me especificó que sólo la pueden tocar quienes en compañía de un guía hayan optado por la visita guiada o bien personas con discapacidades, como los ciegos, ejemplificó; así las cosas, el artefacto permanece "mudo" la mayor parte del tiempo.
Consulté su opinión sobre esta situación a la especialista en arte Florencia Battiti, curadora de la muestra de León Ferrari "Brailles y relecturas de la Biblia", que tuvo lugar en el Malba este año. Allí se expusieron obras de la serie "Brailles", en la que el artista trabajó sobre reproducciones de imágenes religiosas, eróticas o provenientes de la historia del arte, e incluye textos en braille tomados de la Biblia o de escritores. Todas obras pensadas para ser tocadas.
Battiti consideró que la decisión de impedir que se toque una obra que fue pensada precisamente para brillar a través de la interacción con el público es una clara contradicción a la esencia de la misma, desde la intención de su artista.
Si bien las obras no son creaturas que deban rendir pleitesía a todo lo que sus constructores determinen, pues una vez que son expuestas, se lanzan y exponen a los diversos usos que otros puedan darle, ya que dicha libertad permite que la interpretación de las obras sea tan abierta como intérpretes haya, también es preciso señalar que hay artefactos, como ocurre con las esculturas sonoras que requieren necesariamente la interacción, desde la simbiosis entre ellas y su público.
En mi opinión, los museos que exhiben arte contemporáneo deben estar dispuestos a acompañar su dinamismo y su intención "disruptiva" con respecto a muchos de los engranajes que componen a la institución "arte"; deben estar dispuestos entonces a permitir, entre otras cosas, no sólo mirar sino también tocar".

Texto de María José Melendo  (UNC-UNRN-Conicet). Publicado en el diario Río Negro.


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lunes, 20 de julio de 2015

Entrevista a Manuel Castillero Ramírez



"¡Han sido dos días de infarto!", expresa Manuel Castillero Ramírez. Y no es para menos, ya que ganar el primer premio en pintura de Figurativa `15, implica además de un reconocimiento estimulante, un compromiso mayor con el arte. Con estos concursos, el realismo vuelve al primer plano y los artistas que eligen el camino más difícil ya no se sienten tan solos navegando el las siempre turbulentas aguas del arte contemporáneo. 
Esta es una entrevista exclusiva de Castillero para este medio.


Por Rubén Reveco
Licenciado en Artes Plásticas


Manuel Castillero Ramírez nació en Córdoba, España, el 2 de noviembre de 1976. Cursó estudios de dibujo publicitario en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba. Participó en los cursos de paisajismo y retrato con Antonio Povedano entre los años 1994 y 1997. Ha impartido clases de pintura en Madrid con Miguel Acevedo. Su obra ha estado presente en exposiciones colectivas en Madrid, Málaga y Córdoba (en dos ocasiones como finalista del certamen Maestro Mateo). Entre sus autores de referencia sitúa a Antonio López y Richard Estes.
Ha obtenido el primer premio en el concurso "Segovia patrimonio de la humanidad", primer premio Universidad de Osuna, primer premio en el certamen Martín Carpena (Málaga), entre varios otros. Su obra está en colecciones de Estados Unidos, Alemania, Francia y Australia.
-Qué significa para España espacios como el MEAM y Figurativa?
-Son una iniciativa muy importante de mecenazgo. Durante un par de décadas la figuración ha sido un poco el patito feo de las corrientes artísticas. No digo que sea mejor o peor que otras corrientes... pero si que no se la ha tratado con el debido respeto, Quizás, es solo una opinión personal.
-De Figurativa han existido varios concursos. ¿Ha participado de los anteriores?
-Si, participé hace en la convocatoria del año pasado. Pero no tuve la suerte de pasar la segunda selección. Presenté una obra que, quizás, técnicamente era competente.... pero hueca de mensaje en el fondo. Así que castigado sin postre y a trabajar otra vez.
-Se siente heredero de los grandes maestros realistas españoles?
-Heredero es un adjetivo demasiado grande. Les debo mucho a todos ellos... sobre todo a Antonio López, al que no conozco personalmente. Cuando vi su retrospectiva en la fundación Focus de Sevilla hace ya muchos años me dije "esto es lo que algún día me gustaría alcanzar a hacer" por eso digo que heredero no; deber mucho, si.
-¿Cuál es el panorama de la pintura realista en España?
-Pienso que vuelve a ser favorable poco a poco. Se nota cierta alegría otra vez en el mercado artístico.
Y a nivel artístico hay un plantel de pintores de enorme calidad. Son realmente artistas formidables que están dando unas obras que pasaran a la historia de manera indubitada.
-Por qué eligió ser un pintor realista?
Eso no se elige. Yo de pequeño disfrutaba dibujando barcos piratas y naves de Stars wars. Ya de mayor recuerdo como me hacia ser feliz el representar lo que me rodeaba de manera fiel. Pasé por una etapa mucho más hiperrealista... ahora la mano se me ha agilizado y mi cabeza ya no me permite ese trabajo de antaño. Cada vez la pincelada es mas suelta.. algunas veces hay zonas de los cuadros que pueden pasar por abstracciones... lo que no cambia es el placer de representar lo que me es cercano o que me enamora. Creo que en pintura el amor por el tema debe estar presente, por que en ese amor hay mucho de verdad y honestidad.
-En su pintura veo mucha presencia de claro oscuro ¿Es así?
-Siempre me ha llamado la atención los efectos lumínicos. Soy Andaluz y en mi tierra, la luz esta presente en mi vida de forma constante. Por eso en otras obras más naturalistas soy más alegre y lumínico. Pero en esta serie "Reclaimed Places" La luz debía volverse más sutil, y la oscuridad estar mas presente como personaje central, y de la que surgieran las formas como ecos del pasado.
-¿Su obra ("El día en que el silencio reinó en el Congreso") representa un congreso apocalíptico, futurista o restos del pasado?
-Siempre me ha fascinado la idea del mundo sin nosotros, como la naturaleza recuperaría su espacio sin nuestra interferencia. La idea no es original... el cine, literatura, videojuegos están plagados de imágenes similares. Quizás la novela de Cormac MCarthy "The Road" ha sido la que mas me haya influido a la hora de realizar esta serie de cuadros. Tengo un hijo, Juanma, de cinco años, y esa historia de amor filial desgarradora me llegó al corazón. A partir de ahí me empezó a rondar la idea por la cabeza; trasladar a pintura ese mundo sin nosotros, pero a diferencia de la novela de Cormac, la naturaleza no esta llegando a su fin, al contrario, esta en plena recuperación. Una cosa tenia clara; quería trasladar esa imagen a un escenario cercano para mi. Y creo que el congreso de los diputados de mi país podía ser un buen escenario para la realización de un "Vaniatas" actual. a partir de ahí trabaje de forma artesanal, nada de Photoshop. Era mas directo y natural ir realizando la obra poco a poco y transformar lo que veía actualmente para llegar a esa escena futurista.
He disfrutado mucho realizado este cuadro.


"The day in which silence reigned in Congress", la obra ganadora de Figurativa ´15.

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sábado, 18 de julio de 2015

Manuel Castillero: El pintor ganador de Figurativa `15

La obra ganadora. "The day in which silence reigned in Congress" (El día en que el silencio reinó en el Congreso).

Por fin se conoció el ganador de Figurativa `15, uno de los concursos de pintura y escultura realista más importante del mundo, evento organizado por el Museo Europeo de Arte Moderno, de Barcelona, España (MEAM). El ganador en pintura es Manuel Castillero. 
Nuestras felicitaciones al artista y a los organizadores.

El artista.

Manuel Castillero Ramírez nació en Córdoba, España, el 2 de noviembre de 1976. Cursó estudios de dibujo publicitario en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba. Participó en los cursos de paisajismo y retrato con Antonio Povedano entre los años 1994 y 1997. Ha impartido clases de pintura en Madrid con Miguel Acevedo. Su obra ha estado presente en exposiciones colectivas en Madrid, Málaga y Córdoba (en dos ocasiones como finalista del certamen Maestro Mateo). Entre sus autores de referencia sitúa a Antonio López y Richard Estes.
Ha obtenido el primer premio en el concurso "Segovia patrimonio de la humanidad", primer premio Universidad de Osuna, primer premio en el certamen Martín Carpena (Málaga), entre varios otrosSu obra está en colecciones de Estados Unidos, Alemania, Francia y Australia.



El ‪jurado‬ del concurso Figurativas 2015 en el MEAM (Museu Europeu d'Art Modern). De izquierda a derecha: Daniel Graves (pintor y fundador de The Florence Academy of Art), Leandro Navarro (galerista), Lita Cabellut (pintora), Odd Nerdrum (pintor), José Manuel Infiesta (arquitecto y presidente de la Fundación de las Artes y los Artistas), Antonio López (pintor), Santiago S. Echeberria (galerista), Tomás Paredes (crítico de arte) y Richard Estes (pintor).

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viernes, 17 de julio de 2015

Las multitudes de Claudia Rogge




Para realizar sus obras la artista alemana Claudia Rogge (1968) tiene como fuentes de inspiración la danza, el teatro, la ópera y también el circo. Rogge tiene fascinación por el concepto de la masa o multitud: desfiles, coros, conciertos, mítines o los partidos de fútbol sirven a esta artista y coreógrafa como ideas para realizar sus collages.

Rogge utiliza la repetición de una fotografía y la figura, como una pequeña parte de un intrincado mosaico, para jugar con la sensación de infinito. Parte de sus series comienzan con sesiones en las que toma una gran cantidad de fotos de artistas, individualmente, que muestran las mismas posiciones o movimientos. En otras es la simple repetición de individuos en sus collages digitales lo que pretende invitar a reflexionar sobre conceptos como las dictaduras, la esclavitud, el automatismo de la sociedad… o otros como la conformidad, la identidad, la rutina o los patrones estéticos que intentan satisfacer nuestra sed de orden.







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jueves, 16 de julio de 2015

Kiéra Malone, sensibilidad y erotismo




Kiéra Malone es una pintora francesa que nos presenta una obra llena de sensibilidad y erotismo a partes iguales y que deja reflejado en sus retratos y sus desnudos. Pinturas al óleo, dibujos al carboncillo, pastel seco. Sus diferentes estilos se combinan en una conjunción perfecta que rodea todo su trabajo. Kiéra nos absorbe tanto con sus retratos de hombres y mujeres, como con sus pinturas étnicas o su fauna. Todo tiene cabida en la obra de esta artista que en ningún momento desentona con el conjunto. Una perfecta aplicación de técnica y color que hace que el espectador entre en ese mundo sensible que ella nos plantea.



“El amor, la ternura, la inocencia, la bondad, la fragilidad… una sonrisa, una mirada, una lagrima… son mis fuentes de inspiración!… me alimento de cada expresión… sacando del corazón la eterna búsqueda del otro.” (Kiéra Malone).



Entrevista a Carlos Montero Gil en el diario Los Andes

"Paula"

El artista español cuenta con una obra pictórica que refleja paisajes y escenas de la vida en Murcia, su ciudad natal. Admirador de Antonio Berni y de contemporáneos como Ciruelo, se destaca por sus impresionantes pinturas en tablones de cedro.


Por Camila Reveco - Diario Los Andes



Para el artista Carlos Montero Gil, pintor de paisajes y escenas de la vida urbana, el entorno es el disparador clave de todo su trabajo. Aquello que ve todos los días, el ambiente del que forma parte, las calles y su bullicio congelado, son los temas presentes en su rigurosa obra pictórica, que parecen apelar constantemente a la ciudad del español, nacido en Murcia en 1971. Entretanto aparecen los niños y su universo lúdico, la nostalgia y el afecto por los juguetes antiguos. 
“No hay nada más triste que pintar lo que no has vivido”, reconoce Montero Gil, que siempre ha mantenido el interés por representar las pequeñas cosas, los momentos efímeros y anónimos con los que el espectador se siente identificado de manera espontánea.
Su concepto hace alusión a ese permanente estado de encantamiento con el que miran el mundo los artistas, esa capacidad “de verlo todo como si fuera la primera vez y crearlo de nuevo”, en palabras del compositor Gustav Mahler. La propuesta de Carlos Montero Gil establece conexiones con el tiempo y refleja su identidad como pintor español contemporáneo. Se trata de un artista con un imaginario consistente.
“Cuando era apenas un adolescente entré como aprendiz en un taller dedicado a la escultura tradicional en cartón, siempre estaba rodeado de pintores y escultores. Me gustó tanto aquello que cuando salía de trabajar iba corriendo, a seguir formándome, a una academia de pintura”, relata el artista español, que ha desarrollado desde sus inicios el oficio de esculpir y pintar de forma paralela.
De ese taller formó parte durante ocho años y luego tomó la decisión de estudiar escultura en la Escuela de Arte de Murcia. “Hasta que un buen día -agrega- empecé a presentarme a los certámenes de pintura al aire libre que son muy comunes en España, donde aprendí de muchos artistas. Ese mismo año ya fui premiado y tuve claro hacia dónde enfocar mi futuro artístico”.
El pintor destaca que, de toda la formación que obtuvo, la que recibió por parte del gran maestro Antonio López lo marcó de forma significativa: “Es uno de los realistas más importantes de este tiempo”, remarca. 




miércoles, 15 de julio de 2015

Andrey Samartsev: ¡De atar!



Atar está de moda en ciertas manifestaciones culturales. Una pizca de amor a la esclavitud y crueldad, otra de sadomasoquismo, que tanto nos gusta, (¡confiensen!) más una buena propuesta estética como la del fotógrafo Andrey Samartsev ayuda a que el dolor y abuso sexual también puedan entenderse como temática en el arte.









El fotógrafo


Ver también artículo de Anfibia




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martes, 14 de julio de 2015

"La Virgen del velo": Transparencia esculpida en el mármol


La Virgen con velo es una escultura realizada en mármol de Carrara y fue tallada en Roma por el escultor italiano Giovanni Strazza. Representa el busto de una Santísima Virgen María cubriendo su rostro con un delicado velo. La fecha exacta de su creación se desconoce.


Esta obra de arte es, simplemente, una belleza y una demostración de virtuosismo y delicadeza. Junto a la difusión del trabajo silencioso de muchos pintores realistas contemporáneos, es muy bueno que vayamos descubriendo estas pequeñas y olvidadas obras de arte.

"La Virgen con velo" es de lo más impresionante que se puede ver en la vida, observe el efecto de la transparencia.


Un artista inusual


El escultor Giovanni Strazza nació en Milán, Italia en 1818. Una de las obras más renombradas de este artista es la Virgen del velo, una creación realizada en mármol y que representa el busto de la Virgen María cubriendo su rostro con un delicado y transparente velo. El mármol llega a su máxima expresión dejando entrever a la perfección la bella forma del rostro de María.
No es una de las creaciones más reconocidas en el mundo, pero sin duda una de las más sutiles y hermosas, donde su peculiaridad se encuentra en la sutileza perfecta del velo cubriendo el rostro de la Virgen.
Según el diario de un obispo, John Thomas Mullock, fue transportada desde Roma a Newfoundland en 1856. Y así es como lo dejó reflejado: “Se ha recibido de forma segura desde Roma, una hermosa estatua de la Santísima Virgen en mármol, de Strazza. La cara está cubierta, y la figura y la forma se aprecian perfectamente. Es una joya de arte perfecta.”



El realizar una escultura en mármol representa uno de los desafíos más grande para cualquier artista. No permite errores y se realiza restando pequeños trozos.


Obras de otros autores 

Anna Rubincam, "Veiled woman"

Studios Paul Farault, "Child bride"


Antonio Corradini


Livio Scarpella



La transparencia de los velos es algo más común en la pintura e ilustración. Obra de Maxfield Parrish.

Foto de Fabio Stachi


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