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jueves, 16 de julio de 2015

Kiéra Malone, sensibilidad y erotismo




Kiéra Malone es una pintora francesa que nos presenta una obra llena de sensibilidad y erotismo a partes iguales y que deja reflejado en sus retratos y sus desnudos. Pinturas al óleo, dibujos al carboncillo, pastel seco. Sus diferentes estilos se combinan en una conjunción perfecta que rodea todo su trabajo. Kiéra nos absorbe tanto con sus retratos de hombres y mujeres, como con sus pinturas étnicas o su fauna. Todo tiene cabida en la obra de esta artista que en ningún momento desentona con el conjunto. Una perfecta aplicación de técnica y color que hace que el espectador entre en ese mundo sensible que ella nos plantea.



“El amor, la ternura, la inocencia, la bondad, la fragilidad… una sonrisa, una mirada, una lagrima… son mis fuentes de inspiración!… me alimento de cada expresión… sacando del corazón la eterna búsqueda del otro.” (Kiéra Malone).






Sobre hiperrealismo y técnica

...tengo la impresión de que existe una corriente actual (creo que de orden global gracias al internet) que surge como respuesta al arte abstracto, y esta corriente tiene como piedra angular la reproducción realista orientada especialmente a la reproducción del cuerpo humano (Hay que recordar que en sus inicios, el hiperrealismo estaba orientado especialmente a objetos inanimados y paisajes urbanos, Charles Sheeler, William Harnett, etc.) pero, si bien esta tendencia de la reproducción del cuerpo humano ha sido una constante en la historia de la pintura, creo que la técnica nunca había tenido la relevancia que tiene en la actualidad, ya que es casi un punto de competencia si no para el artista si para la mayoría del público, aunque obviamente mucha gente, entre ellos supongo yo, los que somos asiduos visitantes de tu blog, buscamos en una pintura elementos mas allá de la pura técnica, (Digamos la composición, la gama cromática, los simbolismos, que se yo)...



...también es cierto que muchísima gente opta por la percepción fácil e inmediata, esto es la técnica pura y dura y se ha vuelto hábito entre el público de los figurativos juzgar un cuadro por la calidad del pincel del artista, entonces se vuelve el hiperrealismo una competencia que a veces deja de lado otros elementos importantes en el quehacer artístico, por poner algunos ejemplos de este mismo blog, dire: “Rob Hefferan – Elegante Pintura Emotiva” cuya obra tiene una manufactura impresionante especialmente en el manejo de telas pero que como composición no aporta mucho mas que la fotografía del estilo, con esto no quiero decir que el pintor o los pintores realistas trabajen condicionados por la opinión del público pero si que existe una difusión que antepone la calidad del acabado a cualquier otra cualidad y dicha difusión constituye la punta de lanza de la corriente figurativa de la que hablo, que obliga a los autores a crear un sello propio pero basado en la técnica mas que en el contenido...



...por ejemplo, Nathalie Vogel y sus paisajes marinos, Alisa Monks y su reproducción del agua, Atsushi Suwa y su uso de las texturas, en estos tres casos el valor plástico es innegable e impresionante, pero existe la constante de la técnica como valor primordial del trabajo, si bien Monks consigue acabados impresionantes no hay mucho mas que analizar que la pincelada con un atisbo de simbolismos apenas insinuados, no así el caso de Aaron Nagel, que no solo tiene la técnica de un hiperrealista sino que la utiliza en composiciones complejas repletas de contenidos simbolico/religiosos que se prestan mas a una lectura extensa mas allá de la técnica, ni hablar de Gottfried Helnwein, cuyo hiperrealismo brutal apenas nos da un respiro antes de sumergirnos en análisis humanos tanto de sus personajes como de nosotros como espectadores, pero, hasta este punto uno diría “Finalmente la técnica…” 


...hay en la corriente realista una vanguerdia que evoluciona rápidamente asumiendo en la técnica hiperrealista un valor secundario, pienso yo muy similar a lo que paso con Rembrandt, que tras pintar cuadros de una perfección asombrosa (Hay que ver su autorretrato hacia 1629 donde se pueden observar los poros de la piel) al final de su vida el trabajo de su pincel es grueso y casi esbozado, menospreciando el detalle por la fuerza de la brocahada gruesa y la mancha de pintura, es obvio que Rembrandt podría haber seguido con su técnica de un realismo acongojante pero el elige no hacerlo y esta lección del Holandés se refleja en algunos realistas que optan por arriesgarse a la falta de refinamiento, como menciona Albert, en el post de Malone (este) ya sin hablar solo de los desnudos podemos ver el cambio de pincelada, primero algo timido en Lucia y luego arrollador en Mome, logrando una variante del estilo realista que tiene por ejemplo en el mencionado Odalisque, que bien podría, por su técnica y temática, competir con los pintores que mencione anteriormente y lo que es peor, incluso confundirse con ellos.



Este estilo, variante del hiperrealismo creo que es la variante mas importante en cuanto aspecto técnico ya que hace uso de los colores y la fuerza de la pincelada para dar energía y crear representaciones de la realidad comprensible pero no textual, por ejemplo Jason Shawn Alexander, Christiaan Lieverse, Pier Toffoletti, Zhang Haiying, cuyo estilo carece de refinamiento, me atrevería decir a propósito y le dota de un sello inconfundible precisamente por esto, sello del que llegan a carecer algunos hiperrealistas de técnica perfecta pero temática repetitiva, casi siempre orientados a exaltar e idolatrar la belleza (femenina la mas de las veces).




Ya para terminar creo que hay que mencionar un autor que hasta ahora es mi favorito de todos aquellos que has puesto en tu excelente blog, Odd Nerdrum, quién, a mi humilde entender, nos da una patada obligándonos a reflexionar sobre el arte en lienzos perfectos en todo el sentido académico del arte pero que no dejan de ser transgresores al presentarnos escenas atrevidas y de un estilo personalisimo, que distan mucho del hiperrealismo fotográfico, casi tanto como se alejan de la pintura abstracta, creando, en pleno siglo XXI un autor atemporal como debería de ser, dicen los que saben, los genios del arte.

(Comentario de Ian publicado en el blog de Enkil)


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