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martes, 31 de mayo de 2016

El desnudo del día: Sakit Mammadov

Sakit Mammadov nació en el 5 de agosto de 1958 en Neftchala y en 1978 se graduó en la Escuela de Arte del Estado de Azerbaiyán, con honores. En 1978-1980 sirvió en el ejército. En 1981, se admitió en el departamento de Pintura de la Academia de Arte de Leningrado y en 1987 se graduó -también- con honores. Sakit Mammadov dedica a la actividad creatividad artística durante más de 30 años y fue participante de exposiciones que se realizan en salas de arte más prestigiosos del mundo, galerías. 

Desde su facebook los invito a conocer su magnifica obra.



lunes, 30 de mayo de 2016

El desnudo del día: Sergio Martínez Cifuentes

Sergio Martínez Cifuentes es un pintor chileno de gran producción artística. Nació en 1966 y tiene la doble nacionalidad chilena-española.

COLOMBIA: Los 10 mejores pintores realistas


Continuamos en Colombia con esta serie que nos lleva a conocer cuáles son los 10 pintores más importantes de la "gran familia realista". No es necesario que estén radicados en su país de origen, pero sí que aun conserven su nacionalidad y estén vivos.
Con la ayuda de un amigo colombiano, he logrado seleccionar a estos diez, lo que de ninguna manera son los únicos y definitivos mejores pintores figurativos, realistas, surrealistas o hiperrealistas de Colombia.


Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas

Desde luego que puede ser arbitrario dejar a pintores afuera de esta selección sólo porque ya han fallecido, como es el caso de Luis Caballero, Darío Morales, Fernando Devis y Alberto Iriarte, entre otros. Pero nos propusimos hacer este sencillo reconocimiento con los artistas aun en vigencia. Los homenajes se deben hacer en vida.
Del mismo modo, reconocemos que por falta de espacio no pudimos incluir  a varios artistas, todos excelentes exponentes del realismo colombiano. Toda selección es parcial e injusta.


1) Gregorio Cuartas


Gregorio Cuartas nació en San Roque, Antioquia, en 1938, y emigró de Colombia en 1962, luego de pasar por Bellas Artes, en Medellín y de dictar clases en el instituto del mismo nombre en Cali. Estuvo en España e Italia antes de radicarse definitivamente en Francia donde vive y trabaja actualmente. 




El pintor es uno de los paisajistas y pintores vivos más importantes del país. Según Santiago Londoño, curador de arte, “los paisajes carecen de personajes. Son paisajes vacíos con una escueta edificación en el centro del horizonte, con uno que otro árbol, envueltos en una atmósfera deshabitada que les es propia. Simétricos y en disposición estricta, no cabe el desorden, la equivocación humana o el azar. Ocurren a una hora indefinida del crepúsculo o la alborada, cuando emanan una luz propia fuera del tiempo”.
Gregorio Cuartas siempre ha mostrado interés en remontarse a sus orígenes; su formación en internados y su permanencia durante varios años en el monasterio benedictino Pierre-qui-Vire en Francia han influenciado su obra, de manera que su preocupación por lo religioso, es una constante. El mismo artista ha dicho que su obra se identifica con la tipología regional de Antioquia, Caldas y el Valle del Cauca, regiones donde pasó parte de su niñez y adolescencia. (Fuente)

domingo, 29 de mayo de 2016

El desnudo del día: François Emile Barraud

François Emile Barraud fue un pintor suizo que nació en 1899 y murió en 1934. Me gusta mucho difundir a estos pintores tan poco conocidos de la primera mitad del siglo XX, quienes resistieron el vendaval de estilos de esa época. Barraud se mantuvo fiel al realismo y nos dejó hermosas pinturas. 

Barraud era el mayor de cuatro hermanos, todos ellos pintores o escultores. En 1919, expuso sus pinturas en La Chaux-de-Fonds y participó en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Basilea. Animado por el éxito de la exposición, dejó Suiza en 1922 y se trasladó a Reims en Francia, donde en 1924 se casó con la francesa Marie, que fue la modelo de varias de sus obras. A mediados de los años 1920 vivió en París, donde estudió las obras del Louvre.
François Barraud pintó en su mayoría bodegones, desnudos femeninos, retratos, entre ellos varios retratos dobles de sí mismo y su esposa. Su estilo preciso, enfoque realista de la pintura, desarrollada bajo la influencia de los antiguos maestros franceses y flamencos. Barraud murió de tuberculosis en Ginebra a la edad de 34 años.


    sábado, 28 de mayo de 2016

    El desnudo del día: Nick Runge

    Nick Runge tiene una excelente producción. No tantos desnudos, pero todo los temas que aborda lo hace con profesionalismo y mucha calidad.


    viernes, 27 de mayo de 2016

    El desnudo del día: A.D. Cook


    A.D. Cook es un pintor y dibujante nacido en EEUU. Dibujó desde muy pequeño. Es uno de esos artista apasionados por el tema de la belleza; en las líneas y la forma de la figura femenina. Es su tema y su arte es un reflejo de ese ideal clásico.


    jueves, 26 de mayo de 2016

    ¿Un museo de arte contemporáneo en Neuquén?

    El diputado y promotor artístico Oscar Smoljan

    A nadie le extraña que Oscar Smoljan, ex director del Museo Nacional de Bellas Artes y ahora diputado provincial, sea un promotor entusiasta del arte contemporáneo. Le encanta.
    Hace unos días presentó un proyecto en la Legislatura de Neuquén para crear un museo de arte contemporáneo.
    Muchos de los que "tocan de oído" están felices porque tendrían un lugar donde mostrar sus capacidades creativas.


    Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas


    Sería una especie de arteBA permanente, pero en Neuquén. A las tradicionales ferias de las pulgas, ahora Smoljan intenta sumar otra feria. Esta vez relacionada por las polémicas manifestaciones que el establishment* insiste en llamar "arte".
    ¿Qué se mostraría? Para estos grupos de poder todo es arte y todos pueden ser artistas. Las obras no tienen porque reunir ninguna condición de tipo estético y el supuesto artista puede ser cualquier buen vecino de la ciudad que de improvisto se despierta con el deseo de sentirse diferente para ver qué nuevo puede pasar en su vida.
    De concretarse el proyecto, el asunto se complicaría aun más ya que nadie estaría en condiciones de evaluar qué obras de los no-artistas podrían reunir las condiciones de no ser arte para que puedan estar exhibidas como si lo fuesen. ¿Se entiende? 
    Yo que me entusiasmo con cualquier proyecto, ya estoy trabajando para ver cómo le damos contenido a este complejo asunto.

    Tres posibles obras a exponer

    1) Zapatos muy viejos, destruidos, en lo posible con mal olor tirados en un rincón.
    Marco teórico: El devenir de la existencia permite que lleguemos a una encrucijada en la cual debemos elegir si vale la pena seguir avanzando porque la vida muchas veces huele muy mal.

    2) Excrementos de todos los que apoyan el proyecto.
    Marco teórico: Para que dejen de hacer deposiciones en cualquier lado. De este modo, se concentrarían todos los objetos en un solo lugar y dejarían la Sala Emilio Saraco y Museo Gregorio Álvarez a los artistas de verdad.

    3) Bastidor blanco con tela blanca sobre fondo blanco.
    Marco teórico: A un ex artista (ahora contemporáneo) siempre le queda algo... es un nostálgico de un sueño que por falta de talento nunca logró: ser pintor.


    Establishment es un término inglés usado para referirse al grupo dominante visible o élite que ostenta el poder.

    El museo de arte contemporáneo funcionaría en lo que fue la histórica Biblioteca Alberdi.


    A propósito:



    La obra de arte se titulaba "¿Dónde vamos a bailar esta noche?". Museo Bolzano de Milán.


    Una limpiadora tira a la basura una obra de arte vanguardista en Italia

    La trabajadora era nueva y se equivocó de sala. Confundió la obra con restos de desperdicios de la noche anterior.

    Una empleada de la limpieza del Museo Bolzano de Milán limpió por error una obra de arte creada por un dúo de artistas de vanguardia: Sara Goldschmied y Eleonora Chiari, según ha informado la BBC.

    La obra denominada "¿Dónde vamos a bailar esta noche?" consistía en una serie de botellas de champán, confettis y desperdicios de una fiesta finalizada, por lo que la limpiadora los confundió con restos reales de la noche anterior. Ni corta ni perezosa metió los residuos de cristal, plástico y papel en bolsas y los arrojó a la basura.

    La instalación de las creadoras pretendía representar el hedonismo y la corrupción política de los años 80. El museo se disculpó por el fallo y alegó que había tenido mala suerte con la señora de la limpieza. 


    ADEMÁS:

    El desnudo del día: Herman Tulp

    Herman Tulp es un prolífero artista nacido en Holanda en 1955. Completó su formación en Academie Minerva, la academia de arte en Groningen, en 1980. 
    En los últimos años el desnudo femenino ha jugado un papel central en sus pinturas.
    Su repertorio también incluye casas, trenes, animales y paisajes. Su obra se encuentra disponible a través de Galerie Wildevuur (Hooghalen) y Galerie Utrecht. Un número de sus cuadros forman parte de las colecciones del Museo Möhlmann y el Museo Drents; otros se encuentran en colecciones privadas de todo el mundo.



    miércoles, 25 de mayo de 2016

    El diario La Nación necesita un crítico de arte



    La Nación, de la Argentina, lo presenta como "crítico cultural". Lo cierto es que a este gran diario (uno de los más antiguos de habla hispana) le está faltando un especialista en arte y algún que otro periodista cultural.

    Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas

    El domingo 20 de mayo -el mismo día en que terminaba arteBA- se publicó un breve artículo de Daniel Molina el cual solapadamente defendía el evento tratando de hacernos comprender a nosotros los obtusos por qué mostrar, por ejemplo, una montaña de ripio como si fuese una obra artística es "ampliar los límites del arte".
    El artículo, en cuestión, lo reproduzco completamente y comento al pie de cada párrafo.


    El arte, el territorio y los límites



    "La vida no tiene ningún sentido. Somos los seres humanos los que inventamos el sentido del mundo al inventar el lenguaje. El "sentido del mundo" está en el lenguaje y no en el mundo. Por eso podemos mejorar el mundo, intervenir en él, transformarlo, porque podemos pensar de otra manera. Una de las formas más intensas de darle sentido al mundo es el arte, esa máquina de trazar efímeros mapas que se desdibujan. El arte genera sentidos inestables".

    No me voy a detener mucho en esta parte filosófica-existencial. Si él no le encuentra sentido a la vida (supongo que se refiere a la vida humana) es un problema grave que tendrá que resolver.
    Lo referido al lenguaje también es débil en lo conceptual. ¿Qué sucedía cuando el hombre aun no inventaba la palabra? ¿Eran seres humanos sin sentido alguno?
    El arte sería una "máquina de trazar efímeros mapas que se desdibujan". ¡Muy raro! Yo entiendo que el arte es todo lo contrario a lo efímero. "El hombre teme al tiempo, pero el tiempo teme a las pirámides" proverbio árabe.

    "El arte es el relámpago que en medio de la noche más oscura ilumina de golpe todo el cielo, durante una fracción de segundo, y que luego deja escuchar a lo lejos el trueno, como un eco que recuerda, a través del oído, lo que el ojo vio: la iluminación perdida. Brutal, enceguecedor, el arte nunca se parece del todo a lo que mucha gente cree que es el arte".

    Muy lírico todo esto; Molina es un poeta. Pero al final del párrafo derrapó mal; "el arte nunca se parece del todo a lo que mucha gente cree que es el arte". Tengo el presentimiento que ahora se viene la parte más contundente y reveladora del artículo...

    "Durante siglos se confundió arte con lo bello (y lo bello, a su vez, se confundió con lo lindo, con lo que tiene formas agradables, que se adaptan a los cánones de cada cultura). La belleza, por el contrario, es lo terrible: lo que destruye las certezas. Ante la belleza, todos estamos desarmados.
    Pero aun así, el arte no es lo bello. El arte es una práctica que nos da la posibilidad de correr todo límite. De entender que el límite es el que genera el territorio, pero que ese límite puede ser corrido y el territorio, ampliado".

    Era así, no más. Lo que nosotros (pobrecitos mortales) hemos sentido y visto como belleza durante siglos no lo era.
    "Ante la belleza estamos todos desarmados", dice y me parece que nos quiere confundir... no me queda clara si está a favor o en contra de la belleza.
    Además, esto de "ampliar territorios" "correr los límites" me suena un poco a imperialismo, pero es el argumento que usan los curadores y críticos cuando se trata de defender que una pila de escombros tirados en un rincón también puede ser una obra de arte. 

    "A comienzos del siglo XX, las vanguardias históricas quisieron terminar con la imagen aceptada masivamente del arte como decoración galante para el hogar burgués y propusieron una primera gran ruptura: sacar al arte del museo y mezclarlo con la vida cotidiana. Estaban exponiendo el programa que un par de décadas antes había propuesto Oscar Wilde: transformar la vida, la propia vida de cada uno, la endeble y finita vida de todos, en un obra de arte. Darle a la existencia el sentido inestable del arte. Las dos Guerras Mundiales suspendieron el desafío de esas primeras vanguardias, que fue más teórico que práctico. Hasta comienzos de los 60 se siguió leyendo la propuesta vanguardista como una mera modernización del mundo del arte. Pero en los 60 nace lo que hoy llamamos el arte contemporáneo y ya nada fue lo mismo".

    Ufa, acá hay un montón de material para analizar y errores históricos que aclarar. Vamos por parte:
    1) Salvo el rococó, no ha existido en la historia del arte la idea de una "decoración galante para el hogar burgués". ¿Por qué escribe esto? Del pos impresionismo surgen el expresionismo (Van Gogh), el fauvismo (Gauguin) y el cubismo (Cezanne).
    El realismo de mediados del siglo XIX representa el trabajo y sufrimiento del proletariado... El romanticismo toda la pasión humana y las ansias de exploración... y así, podríamos retroceder hasta Altamira.
    2) ¿Qué tiene que ver Oscar Wilde en todo esto? Escritor de obras tan bellas y conmovedoras como El retrato de Dorian Gray, El Ruiseñor y la Rosa, El Gigante Egoísta y tantas otras... Además, Wilde era un especialista el literatura clásica y respetuoso de la tradición escrita.
    3) "Pero en los 60 nace lo que hoy llamamos el arte contemporáneo y ya nada fue lo mismo". Otro error, siguen existiendo pintores, escultores, grabadores y dibujantes que trabajan en silencio; lejos del estúpido snobismo. Hoy más que nunca, el realismo se ha vuelto a potenciar y miles de jóvenes en todo el mundo prefieren los desafíos de una tela en blanco que la estupidez de poner sobre un cubo un balde de excrementos y decir que eso es arte.
    Ser pintor y realista (en especial) es ser de vanguardia, si entendemos a la vanguardia como lo que está contra lo establecido. Y el arte contemporáneo es el arte oficial del siglo XXI. 

    "Desde los Beatles hasta el surgimiento de la juventud como categoría sociocultural privilegiada, pasando por la aparición de los movimientos contraculturales y las experiencias estéticas que desafían todos los encasillamientos, la vieja idea de que el arte es lo lindo, lo decorativo, estalló sin dejar rastros más que en los viejos diccionarios (que siguen hablando de arte como si estuviéramos en el siglo XIX)".

    ¿Qué tienen que ver Los Beatles en todo este quilombo? Los Beatles hicieron lindas canciones los hippies eran paz y amor. Hermosas flores tiradas al cielo azul. "Has el amor y no la guerra".
    El arte contemporáneo es parte del mismo sistema que pretende denostar. También está encasillado: conceptual, performance, instalaciones, land art, art bin, etc, etc.

    "Cuando, ante una experiencia que no entiende, alguien pregunta si es arte, lo que está tratando de hacer es lograr un consenso para que se califique negativamente esa experiencia que lo desconcierta. Si eso sucede, entonces, podemos responder: sí, eso es arte. Lo es porque amplía los límites de lo humano. Lo humano: esa experiencia animal que tiende a lo infinito".

    Sin comentarios.



    Agradezco al pintor Alejandro Cilento el haberme alertado sobre este artículo.

    El desnudo del día: Carlos Barahona Possollo

    Carlos Barahona Possollo (Lisboa 1967) es uno de los pintores portugueses más impactantes del momento.
    Su obra, inspirada -como la de muchos de los pintores expuestos en esta sección- en figuras y referencias clásicas y mitológicas se nos muestra a través de un perfeccionismo técnico que recuerda a un Alma Tadema o un Gerome aunque la expresividad de sus imágenes rezuma cierta lujuria en muchos de sus cuadros (algunos sexualmente explícitos). 
    Esta lujuria no invalida la calidad de su obra y otorga a la visión clásica un alma de verosimilitud ya que difícilmente podemos imaginarnos muchos episodios mitológicos de forma elegante y comedida. Claro que, en estos tiempos en lo que todo se tamiza por un consumismo "prudente" y de parque temático apto para todos los públicos, sus obras no son precisamente para colgar en el salón de casa.

    martes, 24 de mayo de 2016

    El desnudo del día: Giovanni Boldini

    Confieso que no conocía a Giovanni Boldini (1842-1931) y me ha impresionado su producción. El trazo furioso de la pincelada con que resuelve los fondos en nada desentona con los cuerpos desnudos.

    Nació en Ferrara, Italia. Giovanni Boldini es un pintor realista, de retratos y murales, obras en las cuales representa de buena forma la pintura cosmopolita, que contribuye a renovar este arte, a fines de la era moderna, (siglo 15 al 18).
    Artista precoz, sorprende con un autorretrato a los 16 años. Su talento le favorece y por ello viaja a los centros de arte más emblemáticos de Europa, donde intercambia experiencia con pintores de diversos estilos.
    Para que su arte sea apreciado, Boldini no recurre a una forma de pintura modernista radical. Posee la destreza para manifestarse con estilo de gusto universal.
    El naturalismo manierista de Boldini alcanza la maestría por su originalidad. Logra ir más más allá de la influencia clásica que recibe en su juventud, y de otras escuelas, como las del movimiento neo impresionista Machiaioli, en el cual milita a sus 20 años, cuando se traslada a Florencia. 
    Trabaja en Holanda, Inglaterra y más adelante vive en París, lugar donde es protagonista entre los pintores del impresionismo como Edgar Degas, del que fue amigo para siempre.
    Contemporáneos famosos de Boldini fueron: Pierre Renoir, Edouard Manet, Camille Pissarro, Angelo Asti y otros.
    Superando con propiedad las fronteras de la enseñanza académica recibida, Boldini es vanguardista. Su pintura alcanza el grado de elegancia y sofisticación, independiente de los parámetros generales, que subrayan como estándar, los críticos y expertos de aquel momento. La intensidad de sus colores y la nitidez que logra con ellos son los aspectos que lo diferencian. (Fuente)



    lunes, 23 de mayo de 2016

    El desnudo del día: Juliette Aristides

    Juliette Aristides es un pintora de Estados Unidos, que busca entender y transmitir el espíritu humano a través del arte. Ella es el autor de La Clásica Dibujo Atelier, La Clásica Atelier Pintura y lecciones de dibujo clásico con Watson-Guptill, Nueva York. Arístides es la fundadora de Arístides Atelier en la Academia de Bellas Artes Gage en Seattle, WA. Ella exhibe y enseña talleres tanto a nivel nacional como internacional.

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    domingo, 22 de mayo de 2016

    El desnudo del día: Douglas Hofmann (2)

    Douglas Hofmann nació en EEUU en 1945. Asistió inicialmente a la escuela de negocios pero sólo duró unos pocos meses, pues se dio cuenta que eso no era para él. Comenzó a trabajar en una tienda por departamentos como vidrierista, lo que resultó en el mejor aprendizaje sobre diseño y teoría del color inspirándolo a probar su talento en el arte. Por ello se inscribió en el MICA (Instituto Maryland College of Art), que, en su momento fue su escuela de arte local. Recibió su BFA de MICA y se trasladó a la Galería Internacional de Bellas Artes en Washington, DC

    Hofmann descubrió el método Maroger, que permite al artista utilizar capas finas de pintura y técnicas similares a las de los grandes maestros. Con este interés en el Old Masters  comenzó a desarrollar su gusto individual. Vermeer se convirtió en uno de sus artistas favoritos.
    En 1977, Douglas comenzó su relación con Círculo Galería de Bellas Artes, exhibiendo por todo Estados Unidos y Canadá.
    Durante este período con el Círculo, comenzó a incluir desnudos y las series de ballet. Muchas de estas pinturas se encuentran multiplicadas en forma de litografías.

     "Puedo tomar prestado de todo lo que me gusta, por ejemplo, las obras de Vermeer y Mucha. Estoy usando una técnica holandesa, pero en un modelo de estilo Art Nouveau victoriano también. Y me encanta la figura de mujer. Creo que es lo más hermoso que hay ".


    En las pinturas del ballet ha tratado de lograr la apariencia de Degas, otro de sus favoritos.



    sábado, 21 de mayo de 2016

    El desnudo del día: Jaroslav Wieczorkiewicz

    Jaroslav Wieczorkiewicz es un fotógrafo y editor gráfico cuyo estudio se encuentra en Inglaterra; además, es una de esas personas que con su obra, amplia la noción de “originalidad”.
    Las sesiones de fotografía suelen ser bastante largas, y principalmente se enfoca en el propio Jaroslav salpicando a la modelo con un vaso lleno de leche mientras se sacan cientos de fotos a alta velocidad para capturar el movimiento del líquido; finalizada la sesión, las mejores fotos son seleccionadas y se amalgaman en una sola imagen que es retocada mediante un programa de edición.






    viernes, 20 de mayo de 2016

    ¿Qué opinan los argentinos de arteBA 2016?

    Según Infobae, "esta obra de Matías Duville es la que más concentra el atractivo de arteBA". Matías estuvo a punto de trabajar en una empresa de arenados hasta que alguien le dijo que podía ser artista.


    En las redes y en los diarios digitales nos hemos encontrados con los más variados comentarios sobre este evento cultural. Mientras dure, vamos ha reproducir algunos para enterarnos que piensan los argentinos de esta feria de la construcción (perdón, de arte). 

    Claudio Staros

    Una manzana que se pudre en una cajita de madera y cristal x 9000 pesos???? (son obras vivas, bellas, accesibles y muuuuy contemporáneas.) Y por que no mejor me compro una sandia en la verduleria de la vuelta y la dejo pudrir en una pecera por los dos mangos que me va a costar la sandia? Pero se volvieron todos pe-lo-tu-dos????? ...además... eso ya se hizo hace años hasta con animales. Todos los días nace un re-pe-lo-tu-do. (Clarín)

    María Alicia Melchior

    La muestra una porquería, yo fui con la expectativa de ver obras buenas y me encontré con papeles colgando en las paredes escritas, eso no es arte, no me quieran vender un buzón... no... en otros fotos de la dictadura y en el piso en un rincón arenita con huesitos , ¡¡¡¡¡ no me jodan eso no es arte !!!!!! ...y asi el 90% de la muestra, ... Xoul Solar....increíble, un placer como siempre... así da gusto, yo no voy más a ver porquerías (Clarín)



    "Ascensores" de Leandro Erlich. Estuvo a punto de estudiar arquitectura hasta que alguien le dijo que podía ser artista.

    El desnudo del día: Guillaume Seignac

    Guillaume Seignac (1870–1924) fue un pintor académico francés. Comenzó a estudiar arte en la Academia Julian en París, donde estuvo desde 1889 a 1895. Ahí tuvo muchos maestros que incluyern a Gabriel Ferrier y a Tony Robert Fluery. Tony Robert Fluery era un notable artista histórico y de género. Por otro lado, a Gabriel Farrel, se le había otorgado el ‘’Prix de Rome’’. Tuvo otro maestro llamado William Bouguereau. Además de su preparación en el estilo académico, mucho del trabajo de Seignac muestra temas y estilos clásicos/neoclásicos, por ejemplo, el trabajar mantas ligeras y transparentes cubriendo el cuerpo de la mujer es remanente del estilo clásico, en particular del escultor Fidias. En 1897, Guillaume Seignac expuso regularmente en el Salón de París y ganó varios honores que incluyen una mención honorífica en 1900 y en 1903 una medalla.


    jueves, 19 de mayo de 2016

    arteBA ya no quiere ser mi amigo y La Nación no permite comentarios

    Miren que belleza esta instalación. Como para llevar a los niños que jueguen como si estuviesen en la playa. El arte contemporáneo es muy divertido.

    El facebook de arteBa se cansó de mis comentarios ponzoñosos 
    y me denunció por indeseado y el diario La Nación le puso candado a algunos artículos referidos a la gran feria,
    harto de las críticas de los "anacrónicos que no entienden nada de arte".

    Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas


    Los unos y los otros

    Los "artistas contemporáneos" no suelen dar explicaciones de sus obras y tampoco se involucran en debates estériles con los otros que siempre están motivados por la envidia, ya que el Estado no gasta enormes sumas organizándoles ferias, bienales, residencias, etc. Los otros tienen que trabajar como puedan en su humilde taller, que seguramente se gotea cuando llueve. Dar clases de pintura para llegar a fin de mes, exponer en la calle y pasarse días y meses frente a una tela tratando de lograr esa quimera tantas veces inalcanzable que llaman belleza.
    Por otra parte, los que organizan estos eventos tampoco aceptan las críticas que puedan mermar el negocio y los medios de comunicación prohíben a los lectores desahogarse ante el ridículo que quieren vendernos como arte.
    Ya no puedo opinar en el facebook de arteBA ni en el diario La Nación, menos mal que me queda este propio espacio que de a poco se va convirtiendo en el espacio de todos. De todos los otros...






    También puedes ver:





    El desnudo del día: Osamu Obi

    Osamu Obi es un joven pintor japonés. Pueden ver más de su obra en su página web y facebook.




    miércoles, 18 de mayo de 2016

    Un mal alumno de Jackson Pollock ganó el Barrio Joven Chandon

    Pobre muchacho, no le alcanzó ni para bastidor. ¿Cuánta plata le podrá llegar al joven artista es un misterio?

    Por decimosexto año consecutivo, Chandon realizó la primera compra a puertas cerradas en la 25° edición de arteBA, que se llevará a cabo del 19 al 22 de mayo en La Rural. Al igual que en los últimos dos años, la compra fue de una obra perteneciente a Barrio Joven Chandon.


    Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas

    La estrategia se viene cumpliendo año tras año: "Se vendió la primera obra de arteBA". Incluso, antes que se inaugure. ¡Esto va ha ser un éxito! De esa forma se estimula a los inversores y especuladores del arte a comprar. Pero nada es espontáneo, todo está programado para que sea así. Fríamente calculado.
    El prensa de arteBA dice más o menos así (tuve que corregir el texto porque estaba lleno de errores): "En su permanente apoyo a la actividad cultural y artística, Chandon compró la obra "Batalla" del artista tucumano Agustín González Goytía, de la Galería Pasto, Buenos Aires. La obra está realizada sobre una tela de algodón con acrílico, tinta de birome, marcador al agua, pintura para tela y látex, tiene una medida de 170 x 200 cm.".
    Los jurados siguen siendo los mismos, entre ellos, Alicia de Arteaga, la que nunca falta, la del sombrero ("Destacada especialista en arte", dice el prensa). Esta pobre mujer es comentarista de espectáculos del diario La Nación, poco y nada sabe de arte. Ella cobra por realizar notas complacientes e impulsar a artistas emergentes. Es decir: galerías, periodistas, diarios y seudo-artistas son todos una misma porquería. 

    El ganador

    "Agustín González Goytía nació en Tucumán en 1981, vive trabaja entre Tucumán y Buenos Aires. En 2011 se licenció en Bellas Artes por la Universidad Nacional de Tucumán. (...) También ha participado en numerosas exposiciones grupales y ha obtenido premios nacionales".
    ¡Mentira! no ha ganado nada (Galería Pasto). Este es el primer premio trucho que obtiene. Eso de mentir es típico para impulsar de cualquier manera a un ignoto y embaucar a los "inversores" haciéndoles creer que es un artista de "gran proyección".

    La pintura

    La obra es un remix de varios pintores de casi 100 años atrás. Es decir, contemporánea a las acuarelas de Miró, manchitas de Kandinsky y chorreados de Pollock. Trabajo muy sucio, desprolijo y de nulo atributo compositivo. Esto se ha hecho tantas veces y lo he visto tanto que me sorprende (de verdad) que se siga haciendo. Que se galardone algo tan pobre en lo creativo y en el oficio no le encuentro explicación. Supongo que este año tenía que comprarse una obra de la Galería Pasto y eso explica la elección.

    Agustín González Goytía

    El curador, ese mago de la palabra

    Ahora bien, el texto curatorial de Leandro Martínez Depietri es muy divertido. (En este círculo esnobista cuando el primer apellido es de origen español, usan también el segundo para otorgarse más estatus).


    "El resultado es una obra que huye de su expresión acabada y que manifiesta una espacialidad embrionaria bajo un soporte precario. La tela se presenta como tal y apela a una tradición alejada de la herencia mural para lucirse en su materialidad dúctil, absorbente y ligera. Se produce una síntesis entre color y soporte que destaca el entramado de hilos y hace frente a la imposibilidad contemporánea de conocer el objeto mediante su aspecto debido a los acabados plásticos y artificiales. Es una pintura que avanza hacia una conquista espacial sin rendirse a una espectacularidad instalativa y que resiste desde su potencial narrativo".

    -¿Espacialidad embrionaria? 
    Se sabe que los curadores siempre la complican. Será que el embrión tienen mucho o poco espacio. Trato de comprender porque no me queda claro. 
    -¿Imposibilidad contemporánea...? 
    Acá estamos de acuerdo, esto es imposible de entender. ¿En su antigüedad es muy contemporáneo?
    -¿...avanza hacia una conquista espacial sin rendirse a una espectacularidad instalativa?
    Otra vez con el espacio, algo le pasa a este muchacho con el cosmos. Pero lo que todavía me sigue resonando es el cierre: "Espectacularidad instalativa"
    ¿Será que ese humilde trapo sin bastidor ni preparación alguna ha sido algo espectacular, digno de ser destacado. Algo que quedará muy fashión en la Maison Moët Hennessy Argentina?


    Ver también:

    ArteBA 2016: ¿Algo muy estúpido está por pasar?

    martes, 17 de mayo de 2016

    ArteBA 2016: Algo muy estúpido está por pasar

    Las galerías trabajan contra reloj. El magno evento de la cursilería argentina inaugura el 19 de mayo en Buenos Aires.

    ArteBA cumple 25 años y en todo este tiempo a pasado a ser un símbolo de la decadencia motorizado por el arte contemporáneo. Como todo los años, habrá muy poca pintura (y la que muestren muy mala) y algún invitado de prestigio para el que pague la entrada se vaya -al menos- con una mínima sensación estética; algo parecido a una muestra de arte.

    Ver también: 

    Un mal alumno de Jackson Pollock ganó el Barrio Joven Chandon


    "Years" quiere decir "años", en español.



    Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas


    Los dueños de galerías están chochos, los inversores están expectantes, los seudo-artistas están entusiasmados y la prensa publica suplementos especiales. Y no es para menos porque los números son impresionantes: A lo largo de cuatro días, hasta el domingo 21, la obra de 450 artistas de 81 galerías provenientes de 18 países se despliegan en los 18.000 metros cuadrados de los pabellones Azul y Verde del predio ferial de La Rural. Entre los museos, debuta nuestro Museo Nacional de Bellas Artes, de Neuquén. Algo que ni Oscar Smoljan (su pasado director) logró.
    El arte contemporáneo está feliz porque necesita de estos espacios que lo nuclée para hablar de lo maravilloso, original, rebelde y contestataria al sistema son sus propuestas.
    El año pasado vimos mucha porquería y este año estamos esperando que inauguren para poder ampliar esta nota, una de las pocas en la Argentina, que se atreve a decir lo que piensa de uno de los eventos más estúpidos, cholulos y frívolos. Lo mismo que pensaron los decepcionados espectadores del arteBA 2015.



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    lunes, 16 de mayo de 2016

    El desnudo del día: Aype Beven

    Aype Beven era un dibujante e ilustrador. Era muy talentoso con lápiz y tinta, con los cuales daba vida a conocidos superhéroes y sobre todo heroínas, como Batman, Catwoman, Wonder Woman, Harley Quinn o Hellboy, entre otros, así como algunas referencias a películas y otros espectaculares personajes. Sus combinaciones con el blanco y negro son simples, detalladas, naturales y fantásticas, y, aunque sus obras en color son menos frecuentes, estas tienen una calidad y profundidad igualmente admirables (Más).


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