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martes, 27 de enero de 2015

Las caras pintadas de Michal Lukasiewicz


Magnifica obra de este joven artista polaco radicado en Amberes, Bélgica.


Por Rubén Reveco, licenciado en Artes plásticas


Un hallazgo


Algo de Vermeer de Delft, algo de Leonardo, en la forma y contenido de la obra de este pintor. Encontramos una fina y elaborada textura en el soporte donde trabajó posteriormente esos rostros que nos miran. Ese es el secreto de su propuesta tan clásica como contemporánea.
Algo, también, de Mona Lisa en esas cejas casi depiladas y esos sfumatos que tan bien armonizan con los colores primario. Un hallazgo.





sábado, 24 de enero de 2015

El talento y el arte


El arte contemporáneo y su relato nos quiere hacer creer que ya no es necesario tener talento para ser artista. Según ellos, nosotros -los artistas plásticos- no comprendemos que existe un nuevo paradigma y que es inútil y tonto perseverar en pintar -por ejemplo- y menos rescatar a la belleza del basural a donde ha sido arrojada.
Sin embargo, al arte se lo sigue asociando a esta característica tan singular de los  seres humanos. Sin talento no existe poesía, música, baile, pintura o escultura... Ahora bien, ¿que entendemos por talento?

José Ingenieros en su libro El Hombre Mediocre plantea una diferenciación entre genio y talento: Llama genio al hombre que crea nuevas formas de actividad no emprendidas antes por otros o desarrolla de un modo enteramente propio y personal actividades ya conocidas; y talento al que practica formas de actividad, general o frecuentemente practicadas por otros, mejor que la mayoría de los que cultivan esas mismas aptitudes.
El talento se puede considerar como un potencial. Lo es en el sentido de que una persona dispone de una serie de características o aptitudes que pueden llegar a desarrollarse en función de diversas variables que se pueda encontrar en su desempeño.
El talento es una manifestación de la inteligencia emocional y es una aptitud o conjunto de aptitudes o destrezas sobresalientes respecto de un grupo para realizar una tarea determinada en forma exitosa. 



El talento puede ser heredado o adquirido mediante el aprendizaje. Por ejemplo, una persona que tenga el talento de ser buen dibujante muy probablemente legará esta aptitud a sus hijos o a alguno de sus descendientes. Asimismo una persona que no es y desee ser dibujante deberá internalizar mediante el aprendizaje continuo y esforzado la destreza e internalizarlo en su cerebro la condición que le permita desarrollar la aptitud.
El talento intrínseco a diferencia del talento aprendido es que el individuo lo puede dejar de ejercer por mucho tiempo y volver a usarlo con la misma destreza que cuando dejó de usarlo; el talento aprendido requiere de ser ejercitado continuamente para no perder la destreza.

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jueves, 22 de enero de 2015

Paul Laurenzi: sensualidad, erotismo y un poco más




Paul Laurenzi es un pintor nacido en 1964 en Antibes, en la Costa Azul, Francia. Fue después de varias pequeñas intervenciones en el mundo de la publicidad y en libros infantiles que Paul se unirá a una asociación de pintura con base en el sur de Francia. Esto le permite participar en varias exposiciones locales y simpatizar con su presidente, un artista profesional que le anima a presentar sus obras en una galería de Marsella. Su primera exposición “oficial”, al lado de las obras de Bernard Buffet, tiene lugar entonces, en 1987. 



A pesar de contar con una gran variedad y cantidad de magníficas pinturas, Laurenzi no tiene web, ni red social, ni blog donde mostrarlas, aunque con una simple ojeada en Internet encontraremos innumerables sitios donde sus obras se muestran en todo su esplendor.
Paul Laurenzi es un pintor autodidacta que creció admirando los cuerpos reflejados en los cómics de Marvel en su aspecto más “Pop Art”, que descubrió a Boris Vian y Buckowski de los que, además del poder de evocación creativa de su literatura, extrajo la parte erotizante de sus mujeres, protagonistas absolutas de sus escritos. Antes de que sus obras formaran parte de diferentes galerías, Laurenzi había explorado el mundo de la fantasía heroica con sus acuarelas y entre sus artistas favoritos destacan Frazzetta, Giger, Serpieri o Manara. Más tarde, su evolución natural le llevaría lejos de ese universo fantástico a uno más real, el hiperrealismo.

miércoles, 21 de enero de 2015

¡Horrible!

"El escultor", de Themo Lobos.



Hasta hoy, "horrible" era una palabra vedada en el mundo del arte. Es necesario reivindicarla sin complejos ni miedos de ningún tipo.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

Algunos consejos

Te puede gustar o no gustar una obra de arte, pero el "no me gusta" (también eliminado de facebook) siempre lo debes minimizar; ser amable con el artista y decir "no entiendo". Es preferible pasar por ignorante que por mal educado. Pero como de la mala educación a la ignorancia hay sólo un paso, después de decir "no entiendo", debes agregar: "No sé lo que quiso decir el artista". De esa forma ponemos al artista en un nivel superior al nuestro; un ser que maneja ideas, formas y conceptos que no están a nuestro alcance de comprensión.

No es lo mismo feo que mediocre

Hablando en serio, está claro que el artista de hoy no es el artista de ayer. Durante todo el siglo XX, y lo que llevamos del XXI, lo feo ha reinado en el mundo de las artes plásticas y lo aceptamos como un valor estético, ya que para hacer algo feo también se requiere de talento. Pero no hay que dejarse confundir: lo feo es un valor estético y la mediocridad es una falencia manifiesta de algunos que quieren posar de artista. En este último caso no debemos tener ningún miedo para decir al producto del mediocre "eso es horrible y no quiero que me explique nada".





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sábado, 17 de enero de 2015

Andrew Sterrett Conklin: el mensaje puede esperar




Este es un pintor de EE.UU. muy influenciado -como podrán ver- por los antiguos maestros europeos. En especial por Vermeer de Delft. Más que nada por esos climas interiores tan exclusivos de un atelier.
Rescato de sus palabras el compromiso en sus años de estudio en la educación formal y dominio de la técnica antes de pensar en qué expresar como artista.

La entrevista fue realizada en inglés (Aquí) y traducida con la ayuda de Google.

Entrevista con Andrew Conklin

-Usted estudió en Chicago y Nueva York y luego viajó Europa. Hable de sus primeros años.
-Nací en Chicago, donde asistí a escuelas católicas, y mi primera escuela de arte, la Academia Americana de Arte. En ese momento, yo también estaba trabajando en una oficina de diseño gráfico y consideré una carrera en ese campo. Mi primera clase de pintura al óleo cambió eso, como me quedé fascinado con los problemas formales de la pintura, y me mudé a Nueva York para continuar con mi estudio de pintura realista. Me inscribí en la Academia Nacional de Diseño, y más tarde asistí a la Liga de Estudiantes de Arte y la New School University. Tanto las escuelas y la ciudad me proporcionaron una excelente introducción a la vida artística. Encontré una comunidad de pintores que eran a la vez de apoyo y competitivo, y la calidad de mi trabajo mejorado mucho durante mis primeros años en Manhattan. Cuando no estaba en la escuela, recorría las galerías, museos y barrios en busca de inspiración.
Comencé a viajar a Europa poco después de mi matrimonio, y me encontré con las obras de artistas conocidos previamente sólo de los libros y las diapositivas. Las pinturas de Caravaggio, Domenichino, Velázquez, Rubens, Van Eyck y Vermeer (entre muchos otros) fueron una revelación que avivó mi deseo de experimentar lo que me imaginaba y deseaba para mí.

miércoles, 14 de enero de 2015

De blog a blog: "Uno de los nuestros"




Tal vez decepcionado ante la descomposición artística que veía a mi alrededor, dejé de pintar en la década del ´90, del siglo pasado. Aparentemente el sueño había terminado. Pero "harto ya de estar harto" retomé los pinceles y a partir de 2008 me propuse volver a trabajar en una producción de 13 pinturas y exponer. Fue en esa fecha, más o menos, cuando descubrí un blog de un español que me llamó la atención por su contenido y me puse en contacto. 
Uno de los Nuestros me realizó la primera entrevista que me ayudó a conocer a muchos artistas, blogueros y difundir mi obra en todo el mundo. Pero lo más importante: certificar una vez más que sin talento no existe arte.


N. de la R.: Esta entrevista ha sido ilustrada con una selección de desnudos (fotografías y pinturas) publicados en el blog de Enkil.


Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

Enkil (Jose Miguel Mauriz) nació hace casi 54 años y ha vivido casi toda su vida en la ciudad de Barcelona. En los 80 su afición a la música, al cine, a los cómics y al arte en general era su constante y devoraba todo lo que caía en sus manos. Estudió EGB (Enseñanza General Básica) y la vida lo llevó por caminos laborales varios, "de los cuales no vale la pena ni hablar", dice. En los 90 "dejé la música porque comer era algo necesario", y hace unos años la retomó más como hobby que como una actividad profesional.

Pinturas de Lui Liu

domingo, 11 de enero de 2015

Jeff Koons: "¡Que bonito los perritos!"

Jeff Koons ha sido en repetidas ocasiones objeto de demandas legales por violación a los derechos de autor. 

Recuerdo que de chico me fascinaba la habilidad de ciertos vendedores de globos. En una fracción de minuto, inflaban un largo tubo y con rápidos movimientos lo convertían  en un animal; de la nada aparecían diferentes formas (perros, por ejemplo) para la delicia de mis inocentes ojos de niño.
Nunca llegué a sospechar que estas formas se convertirían en el futuro en cotizadas obras de arte y se venderían por millones en las subastas de arte contemporáneo.
¡Ay de mí, siempre llegando tarde!

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas


"Ballon Dog" (Orange), de Jeff Koons. Fue el primer artista en utilizar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen y contratar un grupo de obreros para que le hagan sus obras.

jueves, 8 de enero de 2015

Las ideas estropean la pintura

El historiador Ángel González García falleció el 21 de diciembre de 2014 a los 66 años.


"El arte en su origen estuvo asociado a la alucinación, a estados de trance. El arte profesional ha olvidado esto", expresa el historiador Ángel González.
Una recopilación de textos propone lecturas y puntos de vista inusuales sobre la práctica artística. Pintar sin tener ni idea reclama una experiencia corporal con la creación, las sensaciones de estar físicamente en el mundo.
"El problema de los artistas es que se han embarcado en ese disparate de hacer arte, de vivir de eso. Pobrecillos".

Entrevista publicada en el diario El País , de España

Pintar sin tener ni idea parece un título heterodoxo para un crítico e historiador del arte. Pero encaja perfectamente con la postura de Ángel González (Burgos, 1948), un pensador ecuánime y apasionado a partes iguales, lúcido y polémico. Un amante del arte en estado puro que no da demasiada importancia a las derivas actuales de una industria y un sistema que le parecen inútiles. Pintar sin tener ni idea (Lampreave y Millán) es una recopilación de textos escritos por él para conferencias o presentaciones de catálogos de exposiciones. Pese a su diversidad es posible seguir a través del conjunto varios hilos conductores que señalan por dónde van las ideas e intereses del autor. El ensayo que da título al libro se refiere a "la otra orilla de la vanguardia", como dice él, al arte creado por locos y presidiarios. Una creación que responde a un impulso ingobernable, desinteresado y fuera del sistema. El territorio por el que este profesor de historia del arte contemporáneo en la Universidad Complutense y Premio Nacional de Literatura en 2001 por su ensayo El resto transita sin ceñirse a reglas establecidas.

miércoles, 7 de enero de 2015

El arte contra el terrorismo



Homenaje de los artistas del mundo a sus colegas periodistas y dibujantes de la revista francesa Charlie Hebdo asesinados hoy por el fundamentalismo islámico




De blog a blog: El Hurgador (Arte en la Red)


Entrevista ilustrada con imágenes de "El Hurgador".



Se llama Javier Fuentes. Nació en Montevideo, Uruguay, en 1963 y vive en Tenerife, España, desde el 2000. 
Estudió dos años de bibliotecología en la Universidad de Montevideo, y desde hace 9 años trabajo como personal de información de un hospital de España.
En su tiempo libre se dedica con pasión a El Hurgador, un blog que ha ganado un merecido prestigio en el mundo de habla hispana. 
Con esta entrega, iniciamos un ida y vuelta con los colegas que difunden el arte, en especial esos que rinden homenaje al talento.


Es fácil y gratificante empezar con un blog de arte, lo difícil es mantenerlo. Muchas veces dudas si vale tanto esfuerzo ad honoren. En este tiempo he conocido muchos que han abandonado lindos blogs, bien diseñados, textos bien redactados, con buena información; pero que después de algunos meses "lo cierran" porque no generan la respuesta esperada.

Primero desde "Resistencia Realista" y luego desde "El arte de Rubén Reveco" he conocido a muchos artistas y blogeros tan perseverante y testarudo como el que suscribe. Cuando están sintiendo que es demasiado el esfuerzo invertido les llega un comentario estimulante de cualquier parte del mundo y continúan y se esfuerzan para no repetirte, mantener el nivel y llenar las expectativas de sus lectores que a través de estas páginas han descubierto que hay otra forma de hacer arte; o que ha sido la de siempre y seguirá siendo la que muchos queremos.
Javier Fuentes es uno de ellos.

"Venus en la catedral": Breve historia de una pintura.



Gracias a un registro fotográfico que siempre realizo en el proceso creativo, les muestro hoy las mutaciones que "sufren" algunas de mis pinturas. En este caso, "Venus en la catedral". 
¿Valieron la pena los cambios?


Comentarios vía facebook


Andres Rojo Torrealba 
Me gusta la idea de la primera.
Resistencia Realista
Tal vez, pero ya es tarde.
Andres Rojo Torrealba 
Comprendo la autocensura -también la he practicado- pero al menos queda el registro.
Resistencia Realista 
La verdad es que OFENDER muchas veces puede resultar gratuito. Más si la Diosa del Amor está en el interior de la iglesia.
Andres Rojo Torrealba 
Se entiende el fundamento.
Resistencia Realista 
La pregunta del millón es: ¿Valió la pena?
Andres Rojo Torrealba 
Y sólo la responde el autor de la obra. Pero me gustaba la primera versión
Isidro Belver 
¡¡Manchester Cathedral!!..... ¿Qué tiene en las manos la segunda????
Ana Gimenez 
Me encantan , pero me quedo con la primera..
Sergio Eduardo Ruiz 
También elijo la primera, ahora algo interesante para analizar es como cambia el recorrido visual de la primer versión a la segunda... No?
Claudia Decroce
Esplendidas!
Resistencia Realista 
Isidro, significa que arte clásico -con su gran tradición- sostiene al arte abstracto.
Lo de Sergio es una acotación interesante. La primera podrá ser más seductora, pero "el recorrido visual" en la segunda versión no tiene competencia.
¿Hay que ser valiente para auto censurarse o es todo lo contrario?
Andres Rojo Torrealba 
Yo creo que hay que ser valiente.
Sergio Eduardo Ruiz 
La primera es mas osada y mas explícita. Quiza esa transgresión es la que seduce de entrada, no a todos claro porque sabemos que depende de la subjetividad de quien la observe, el deleite o rechazo visual. Y mira vos lo de la obra abstracta que sostiene en la segunda versión yo tampoco lo había advertido, me confundía un poco el pensar que el soporte que sostiene produce transparencia... pasa que nada como ver la obra en vivo. Y si respecto al recorrido visual creo que la segunda versión no solo invita mas sino que es mas sutil y sugerente. Ahora una duda? al margen del cambio en la imagen, el tema de la obra también varió durante el proceso o se mantuvo en su totalidad?.... solo Rubén sabrá si querrá develarnos ese misterio, que ya sería solo anecdótico porque igual el resultado es grandioso.
Resistencia Realista 
Gracias Eduardo por lo de "grandioso", pero creo que se te pasó la mano. Ja!
La idea original era hacer unos vitraux eróticos pero no me salieron. Después, derivó en lo que muestra la primera versión, pero tampoco me gustó y terminé haciendo unos simples ventanales. Ahora bien, también hay erotismos en la segunda versión, sobre la cabeza de la Venus, hay una escena "bastante fuerte".




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martes, 6 de enero de 2015

Cautivas americanas en el arte de ayer

"Mapuche y cautiva", pintura de L. Ragers


El tema del cautiverio, y en particular de las cautivas, ha generado a lo largo de la historia diferentes manifestaciones que abarcan entre otras cosas, la narrativa, la pintura y la escultura. El rapto, la separación violenta de su círculo familiar, la obligación forzada a la práctica sexual, la incorporación a la fuerza de trabajo del grupo agresor forman parte de lo que caracteriza este fenómeno. En esta primera entrega se tratará a las mujeres cautivas por los mapuches o  ranqueles en el sur de Chile y la Pampa argentina desde el siglo XVI al XIX. En ambos casos se trata de mujeres que vivieron las consecuencias de las contradicciones entre los distintos proyectos de Estado-Nación decimonónicos y los indios mencionados, quienes luchaban contra el exterminio de sus formas ancestrales de vida que tales programas políticos representaban.



"La Cautiva", retratada en 1880 por el pintor uruguayo Juan Manuel Blanes. 

sábado, 3 de enero de 2015

Ilya Repin, realismo crítico

Los sirgadores del Volga (1870-1873)


Ilya Yefimovich Repin (1844-1930) fue un pintor y escultor ruso, parte de la agrupación contraacadémica Peredvízhniki y uno de los grandes y últimos exponentes del realismo crítico, padre putativo del posterior -y propagandista- realismo socialista.




Iliá Yefímovich Repin, fue un destacado pintor y escultor ruso del movimiento artístico Peredvízhniki. Sus obras, enmarcadas en el realismo, contienen a menudo una gran profundidad psicológica y exhiben las tensiones del orden social existente. A finales de los años 20 comenzaron a publicarse en la URSS detallados trabajos sobre su obra y alrededor de diez años después fue puesto como ejemplo para ser imitado por los artistas del realismo socialista.
Repin comienza a tener contacto con la pintura como aprendiz a la edad de trece años en el taller de un artista local dedicado a los iconos llamado Iván Bunakov. Igualmente comienza a estudiar la técnica del retrato. En 1866 se trasladó a San Petersburgo e ingresó en la Academia Imperial de las Artes.
Con su primera obra maestra, "La resurrección de la hija de Jairo", ganó la medalla de oro de un concurso de la Academia, y con ello una beca para estudiar en Francia y en Italia. Así es como Repin vivió en París, donde recibió la influencia de la pintura impresionista, que tuvo importantes consecuencias sobre su forma de usar la luz y el color. Sin embargo, su estilo continuó siendo más afín al de los maestros de la vieja escuela, especialmente Rembrandt, y nunca llegó a convertirse en un impresionista. A lo largo de su carrera retrató a la gente común, tanto ucraniana como rusa, aunque en sus últimos años también representó en sus obras a miembros de la elite del Imperio Ruso, la intelligentsia, la aristocracia y al propio Emperador Nicolás II.
En 1878 Repin se unió a la Sociedad de Exposiciones Artísticas Itinerantes, generalmente conocida como Los Itinerantes (Peredvízhniki), que en la época en la que Repin llegó a la capital rusa se rebelaron contra el formalismo de la Academia. La fama de Repin se extendió a raíz de su pintura "Los sirgadores del Volga", una obra que denuncia de un modo impactante el duro sino de estas personas. Desde 1882 vivió en San Petersburgo, realizando frecuentes visitas a su tierra natal ucraniana y ocasionalmente viajes al extranjero.
Poco antes del asesinato del zar Alejandro II en 1881, empezó a pintar una serie de cuadros relacionados con el movimiento revolucionario ruso: "Negativa a confesarse", "Arresto de un propagandista", "El encuentro de los revolucionarios" y "No lo esperaban", siendo ésta última su obra maestra sobre este tema. En ella se representa la sorpresa de los miembros de una familia ante la llegada al hogar de un exiliado político.
Su obra "Procesión de Pascua" en la provincia de Kursk es con frecuencia considerada un arquetipo del estilo nacional ruso, mostrando diversas clases sociales y las tensiones entre ellas, dentro del contexto de la práctica de una tradición religiosa y unidas en un avance lento pero continuo.

viernes, 2 de enero de 2015

El poético realismo de Iman Maleki



Este es un pintor muy popular en las redes sociales y que injustamente yo venía postergando. Sus cuadros muestran la sencillez del pueblo iraní y la crudeza de la realidad en que se mueven, con ocasionales toques poéticos y surrealistas.

Iman Maleki (Teherán,1976) es un pintor iraní. Desde muy niño sintió la vocación por la pintura; se graduó en la Universidad de Arte de Teherán como diseñador y estudió con el mejor pintor hiperrealista de Irán, Morteza Katouzian, perfeccionando una minuciosa técnica de realismo casi fotográfico. Fue galardonado con el premio William Bouguereau y el “Chairman’s Choice” en la II Competición Internacional de Art Renewal Center. Algunos le consideran el mejor pintor de arte realista del mundo. 


Iman was born on 1976 in Tehran. He has been fascinated by the art of Painting since he was a child. At the age of 15, he started to learn painting under the mastery of his first and only teacher - Morteza Katouzian - who is the greatest realist painter of Iran. Meanwhile, he began to paint professionally. In 1999 he graduated in Graphic Design from the Art University of Tehran. Since 1998, he has participated in several exhibitions. In the year 2000, he got married and in the following year he established ARA Painting Studio and started to teach painting, considering classical and traditional values.
The most important exhibitions he has participated in, are: The Exhibition of Realist painters of Iran at Tehran Contemporary Museum of Art(1999) and The Group Exhibition of KARA Studio Painters at SABZ Gallery(1998) and at SA'AD ABAD Palace(2003). In 2005, Iman received the William Bouguereau award and the Chairman's Choice award in the second international ARC salon competition.